26- ACCEPT "Balls to the Wall"

Corría el año 1983, y Argentina, después de la guerra de Malvinas, había descubierto que el Heavy Metal existía.

Unos pocos programas radiales especializados habían surgido en algunas AM de la época, verdaderos precursores en la difusión de bandas y temas absolutamente ignotos por estas tierras. El pequeño furor -si se lo puede denominar así- fue tal, que incluso programas dedicados al Pop y al Rock más light y lavado, terminaron ofreciendo a sus escuchas algún pequeño bloquecito de dos o tres temas con verdadero sonido metálico. Uno de esos programas se llamaba "9 PM: El Control de la Noche", y lo conducían los jóvenes y prometedores Lalo Mir y Elizabeth Vernacci. Fue allí donde quien les escribe escuchó por primera vez a ACCEPT.

Fueron sucesivamente dos temas, en dos noches diferentes, denominados "Contra el Paredón" y "Los Muchachos de Cuero de Londres"... Si, claro, en aquélla primera mitad de los dorados 80's, los locutores radiales nos traducían los nombres de los temas, y las editoras de discos, también lo hacían en los correspondientes sobres o láminas de cassettes. Cabe destacar que los más importantes sellos del momento, como EMI o CBS, estaban aprovechando estos días de gloria (y moda, considerarían ellos) lanzando al mercado ediciones nacionales de unos cuantos álbumes.

Aquellos coros demoledores... aquélla voz chirriante y desgarrada de un tal Udo Dirkschneider me produjeron -instantáneamente- sensaciones que ninguna de las otras bandas que sonaban en esos momentos -Judas Priest, Quiet Riot, Ozzy Osbourne, Fastway, Motley Crue- habían logrado transmitirme. No, esto iba mucho más allá, esto era poder puro, un increíble tanque alemán aplastando oídos y neuronas...

Había que salir a buscar el cassette o el vinilo de esta gente, a como diera lugar... Varias semanas tardé en encontrarlo, en las disquerías de Buenos Aires era casi imposible hallarlo, hasta que el milagro se produjo en una extinta casa de discos ubicada dentro de la Estación Once, frente a Plaza Miserere... "Pá, má... por favor, cómprenme este cassette!!!!!!!"... Claro, quien les escribe era un niño / adolescente aún, que todavía estaba lejos de ganarse su propio sustento.
Y pese a que a papá no le gustó ni medio la portada donde se veía una entrepierna masculina y una mano apretando una pelota, me debe haber visto tan desesperado que accedió a mi pedido... Finalmente, el único ejemplar de "Balls to the Wall" que existía en Buenos Aires (?), editado en Argentina por CBS Columbia, me pertenecía...!!!

Llegar a casa y poner el cassette en el reproductor fue uno de los momentos musicales más emocionantes que aquellos años me depararon... Tan sólo quería escuchar los dos primeros temas, "Balls to the Wall" ("Contra el Paredón") y "London Leatherboys" ("Los Muchachos de Cuero de Londres")... Allí estaban, por fin eran míos, ya no dependía de que ningún programa radial tuviese la voluntad de ponerlos al aire, ya podía escucharlos cuantas veces quisiera.
Y deben haber sido más de cien consecutivas... Primero "Balls to the Wall", luego "London Leatherboys", una y otra vez...

Superada la emoción inicial, varias escuchas después, empecé a interesarme en el resto de las canciones, y en saber quiénes eran estos tipos que dejaban a las otras bandas Heavys de la época a la altura de cualquier blandengue grupito Pop... Quienes tocaban esas dos guitarras demoledoras, abusivas, totalitarias? Y quienes hacían esos endemoniados coros capaces de resquebrajar cualquier mandíbula?? Así me fuí enterando de que el vocalista era este tal Udo Dirkschneider, cuya voz cascada y visceral no era parecida a la de ningún otro cantante, superando con esos agudos al mismísimo Brian Johnson, el fulano que acababa de reemplazar a Bon Scott en AC/DC... Los guitarristas se llamaban Wolf Hoffman y Herman Frank; el bajista era un sujeto llamado Peter Baltes, y el baterista respondía al nombre de Stefan Kaufmann... Los coros los hacían ellos mismos: Hoffman, Frank y Baltes... Cómo podían estos germanos hacer alarde de tanto poder sónico...???

Qué enorme disco resultó ser "Balls to the Wall", por favor. El mote de "obra maestra" le queda pequeño. Uno de los álbumes de mi vida, al cual hoy, en pleno 2012, casi treinta años después, sigo escuchando y disfrutando tanto como aquélla lejana noche de 1984, como esa primera vez.

No hay canciones de relleno en "Balls to the Wall", ni una sola, ni remotamente. Las diez composiciones son totalmente adrenalínicas, gancheramente poderosas. Esos estribillos, esos puentes... Ese sentimiento puesto de manifiesto por Udo, en el que ha sido seguramente el pináculum de su carrera... La suma de estos elementos conforman un todo casi insuperable.

"Balls to the Wall" es el quinto álbum de estudio de ACCEPT.
Apareció originalmente a principios de diciembre de 1983, explotando su popularidad durante el año siguiente. Sus canciones son singularmente buenas, sumamente parejas, conformando un trabajo sin fisuras. En tren de elegir, me quedo con las dos previamente mencionadas, lógicamente; seguidas por "Guardian of the Night", "Head Over Heels", "Losing More Than You've Ever Had", "Turn me on" y "Losers and Winners" -o sea, casi todas-, donde las vocalizaciones de Dirkschneider y los implacables coros se lucen constantemente (nadie podía hacerlos igual!); dejando una mención muy especial para la canción diferente de la placa, la que cierra la misma: "Winter Dreams". Esta es una de las mejores baladas metálicas de todos los tiempos, aunque no haya tenido la promoción de las famosas "Still Loving You" o "Winds of Change" de sus compatriotas Scorpions. 100% sentimiento, en extremo climática y conmovedora.

La primera mitad de la década del 80' representó el momento más dorado para el Heavy Metal, de hecho muchos de los mejores álbumes fueron grabados en aquéllos inolvidables años. Dentro de esos discos que continuarían brillando generación tras generación, manteniéndose inoxidables, está "Balls to the Wall".

Si te gusta el Heavy Metal y no escuchaste esta placa, te estás perdiendo de una porción fundamental de la historia de este movimiento.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

25- MOTLEY CRUE "Dr. Feelgood"

El Glam Metal (o Hair Metal), un estilo influenciado en imagen por el Glam Rock original de los '70 ( Kiss, Alice Cooper) surge a fines de esa decada, principalmente en Los Ángeles (California).

Hablando en líneas generales, el Glam Metal se caracteriza por su lírica enfocada al sexo, alcohol, drogas y placer. Musicalmente, en sus canciones destacaban los riffs de guitarra, solos, y melodías pegadizas.

Este estilo logró popularidad en los 80’, especialmente desde la mitad de la década.

Podriamos mencionar bandas como WASP, Ratt, Stryper y Motley Crue, entre otras tantas.

La movida perdió popularidad a comienzos de los noventa, aunque algunas agrupaciones siguen en actividad en el presente, y otras más actuales intentan revivir el estilo, pero incorporando elementos -tanto musicales como visuales-, de otras variantes musicales.

Ya casi terminada la década Glam, más precisamente en el año 1989, una de las bandas mas representativas y populares de la escena, Motley Crue, integrada por Vince Neil (voz), Nikki Sixx (bajo), Tommy Lee (bateria) y Mick Mars (guitarra), lanza su quinta placa: "Dr Feelgood", después de lograr su sobriedad (todos los miembros de la banda entraron en rehabilitación, excepto Mick, quien se rehabilitó por sí mismo).

El cuarteto nacido en 1981 venia en permanente ascenso. Por el año 1987, la placa "Girls, Girls, Girls" los había llevado por varios paises del mundo con un exitoso tour. Pero con "Dr Feelgood" lograron su pico de popularidad. Ese año el disco se convirtió en su único álbum No. 1, y se mantuvo en el Top 100 de Billboard por 109 semanas después de su lanzamiento.
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Sixx y Mars compusieron casi todos los temas, y Bob Rock (que habia trabajado ya con Bon Jovi entre otros, y que hoy cuenta con un curriculum que incluye a Metallica, Skid Row, The Cult y muchos mas) produjo esta placa, que superó las seis millones de copias vendidas, sólo en Estados Unidos.

El disco se inicia con "T.N.T. (Terror 'N Tinseltown)", una especie de intro.

Las letras de las canciones tratan principalmente de drogas, sexo y relaciones amorosas.

En cuanto a lo primero hay dos temas que hoy en día están entre los mas grandes clásicos de la banda. "Dr Feelgood" ("Dr. Sentirse Bien", la cual mas allá de la traducción, se refiere a la cocaina y a la heroina), que cuenta la historia de un traficante y su decadencia, y tiene su tinte de apologia. Frases como ‘’dejame introducir en ti algo realmente bueno’’ o la mención a la ‘’Candycaine’’ -que es un juego de palabras entre "candy" ("caramelo") y "cocaine" ("cocaina")-, lo demuestran. El mencionado, al igual que temas como "Girls, Girls, Girls" ("Chicas, Chicas, Chicas" del homónimo de 1986) -entre otros-, hacen alusión a distintos lugares de California (bares, clubes de strippers y zonas de la ciudad) donde frecuentaban los Crue, y demas personajes de la época.
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"Kickstart My Heart" ("Patea mi Corazón"), escrito por Sixx: el 23 de diciembre de 1987, Nikki sufrió una sobredosis de heroína casi fatal. En el camino al hospital fue declarado muerto, pero un médico decidió darle dos inyecciones de adrenalina al corazón, con lo cual resucitó. Esa experiencia le sirvió de inspiración para la canción referida.
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Referente al sexo, elemento característico de muchas letras (no solo de Motley Crue, sino de todo el Glam), varios tracks se refieren a ello: "Sticky Sweet" ("Dulce Pegajosa") cuenta las virtudes de una mujer que es objeto de deseo. También las féminas son centro de distintas situaciones en algunos temas de la placa, por ejemplo en "Slice of Your Pie" ("Rebanada de tu Pastel"). Las chicas muestran sus dotes sexuales en "Rattlesnake Shake’’ (algo asi como "La Serpiente de Cascabel que se Agita"), que compara el movimiento de la serpiente con el de una mujer. ‘’She Goes Down" ("Ella va Abajo") describe íntimos momentos con damas en los que ellas deben bajar, imaginense adonde. "Same Ol' Situation" ("Misma Vieja Situación") trata sobre lo superficial de algunas relaciones, algo asi como solamente sexo sin nada de amor.
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Tambien hay lugar para los corazones rotos en "Without You" ("Sin ti"), una balada que es una declaración de amor de alguien que perdió a su amada. Y si de baladas hablamos, una de las mas destacadas del cuarteto, ’’Don't go Away Mad’’ (Just go Away)" ("No te Vayas Enojada, Sólo Vete"), describe una relacion amorosa y la decision de terminarla, dando las razones de la ruptura, parece la canción ideal para cantarle a una novia antes de romper con ella.
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El disco cierra con ‘’Time for Change" ("Momento Para el Cambio"), que refleja la visión de Nikki acerca de los acontecimientos de ese entonces.

El registro mas exitoso -en todo sentido-, de la historia de Motley Crue. Posteriormente la banda paso por cambios de miembros, separación y demás conflictos. Pero hoy en dia se encuentran activos, contando otra vez con la formación original, la misma que grabó este "Dr Feelgood", e incluyen en el setlist en sus presentaciones varios temas de este trabajo.

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Comentó: Iván Marchesani, para OXIDO.-

24- WITHIN TEMPTATION "The Unforgiving"

Bueno... A nuestro humilde entender, consideramos que WITHIN TEMPTATION logró lo que a priori parecía una empresa imposible: superar -o al menos equiparar- a su álbum previo de 2007, "The Heart of Everything", con este quinto trabajo de estudio aparecido a fines de marzo de 2011: "The Unforgiving". La tarea parecía ímproba dado que "The Heart of Everything" es un disco simplemente genial, plagado de excelentes canciones de principio a fin... cosa que "The Unforgiving" también resultó ser! De modo que sólo queda la opinión del oyente para decidir si le gustan más las canciones de aquélla placa o las de ésta. Intentar analizarlas desde el punto de vista de su calidad es una tarea poco útil, dado que dicha calidad está sobreentendida y es demasiado notable en casi todos los tracks de ambos registros; de modo que simplemente resta dejar que el fan exprese sus gustos.

"The Unforgiving" ha sido editado por la discográfica americana Roadrunner, y pese a que estuvo originalmente planeado para el año 2009, recién fue grabado durante el transcurso de 2010, debido al nacimiento del segundo hijo de la vocalista Sharon Den Adel y del guitarrista Robert Westerholt. El productor elegido fue el sueco Daniel Gibson.

El detalle más relevante de "The Unforgiving" es que se trata de un álbum conceptual (todos los temas giran en torno a una historia central) basado en un comic del mismo nombre, escrito por Steven O'Connell. El personaje fundamental es Sinéad, tal el título de uno de los principales hits de la placa.

Los músicos que trabajaron en las grabaciones del disco fueron: Sharon Den Adel en las voces, Robert Westerholt, Ruud Jolie y Stefan Helleblad (sesionista) en guitarras, Jeroen Van Veen en bajo, Mike Coolen en batería, Martijn Spierenburg en teclados y Nicka Hellenberg (sesionista) en percusiones. Los autores de casi todos los títulos son el trío Den Adel / Westerholt / Gibson, a quienes se les suma en algunos tracks el tecladista Spierenburg.

"The Unforgiving" ha tenido una gran recepción de parte de crítica y público, significándole a la banda muy buenas ventas del mismo en todo el mundo. Sus mejores posicionamientos en los charts han sido en el Reino Unido (nº 1), Holanda, su país de origen (nº 2), Bélgica, Finlandia y Portugal (nº 3) y República Checa (nº 4).

Indudablemente, la gran estrella en "The Unforgiving" es la cantante y compositora Sharon Den Adel, a esta altura la mejor vocalista del estilo. Quizás Sharon no posea la voz más poderosa de la escena, pero no nos cabe duda de que es quien mejor sabe usar lo que tiene. Su talento es infinito, tanto en lo concerniente a interpretación, composición y actuación sobre los escenarios. A lo cual debemos agregar una cuota extra de carisma, algo que muy pocas de sus colegas consiguen ostentar a tal nivel.

Por otro lado, hay que resaltar el inusual nivel compositivo del dueto Den Adel - Westerholt, a quienes se suma el productor Daniel Gibson, para dar vida a once bombásticas canciones (más una intro bastante insignificante) que no tienen desperdicio; siendo allí donde radica otro notable mérito de "The Unforgiving": aquí no hay canciones de relleno, como tampoco las tenía "The Heart of Everything". Cuántas bandas pueden darse el lujo, hoy en día, en medio de tanta saturación musical, de editar álbumes con semejante homogeneidad en el tracklist? Sin dudas, muy pero muy pocas.

Si hablamos de los músicos que acompañan a Sharon en WITHIN TEMPTATION, siempre es destacable el todo por sobre las individualidades; hecho que contribuye a transformar a estos holandeses en una sólida máquina creadora de hits, perfectamente ejecutados. En tren de mencionar a alguno, le daríamos un punto más de mérito al tecladista Martijn Spierenburg y al mismo Robert Westerholt, responsables en gran medida de ese sonido tan ganchero y distintivo que estos oriundos de Waddinxveen han sabido lograr.

En cuanto a las canciones, lo dicho: no hay temas insípidos en "The Unforgiving". Hay, si, algunas composiciones que se destacan por sobre otras, más que nada por su condición de pegadizos éxitos radiales aptos para todo público. Obviamente, poco tiene que ver este nuevo trabajo de WITHIN TEMPTATION con sus primeros registros, "Enter" o "Mother Earth". El Metal va quedando cada vez más por el camino, para dar lugar a este omnipotente Rock Sinfónico con tintes Góticos. Honestamente, si van a seguir grabando CDs como éste, igual no extrañamos para nada al Metal.

A nuestro modesto juicio, los mejores pasajes del disco están dados en los megahits "Shot in the Dark" y "Sinéad", dos de las mejores canciones que hemos escuchado en mucho tiempo. A ellas hay que sumarles el primer single "Faster", más las fascinantes "Iron" y "A Demon's Fate". Estas cinco piezas componen la columna vertebral de "The Unforgiving": singularmente melodiosas, con estribillos y puentes irresistibles, siempre bajo el sello de calidad de la preciosa voz de Sharon. En un segundo escalón, se pueden nombrar a "In the Middle of the Night", "Where is the Edge" y la balada "Lost". Y hasta aquí ya hemos nombrado tres cuartas partes del disco, diciendo que estamos mencionando solamente lo más destacado... Pueden hacerse entonces una clara idea del nivel creativo de esta obra.

Sin vacilar podemos decir que WITHIN TEMPTATION consigue con este quinto registro -y a quince años de su formación-, quedar posicionada como la banda más importante del llamado Gothic Metal, trono que comparte con Nightwish. Ninguna otra agrupación ha demostrado la capacidad de estos holandeses para componer y crear tan bellas canciones, excepto el combo finlandés de Tuomas Holopainen. En todo caso, el plus con el que cuenta WITHIN TEMPTATION se llama Sharon Den Adel: es soprano/mezzosoprano, nunca tuvo entrenamiento profesional para su voz, diseñadora de modas, tiene treinta y siete años, tres hijos, y la más cálida capacidad interpretativa del planeta.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.- 

23- César Aira "EL MARMOL" (Libro)

Deliremos, Señores.

Convengamos. Aira tiene una asquerosa tendencia a irse al mismísimo pasto. En otras palabras, establezcamos que tiene un tiempo compartido en el pasto en el que invita a sus lectores a pasar una
temporada o dos. Es que en su genialidad literaria y dulcemente porteña, Aira encara las inserciones únicas del absurdo, construyendo una historia de trivialidades que destroza con otras inserciones de lo ridículo. Entiéndase: de pronto aparecen alienígenas. O robots. O algún delirio místico de ese tipo. “El Mármol” no es la excepción.

Como tomando la madeja de la punta e intentando desenrollar el ovillo, el yo literario de César Aira busca explicarse a sí mismo cómo cazzo terminó mirándose sus joyas familiares sentado encima de un mármol sin razón aparente. Esta mayéutica que busca recuperar el recuerdo, atraviesa los caminos más meandrosos cuestionándose, incluso, las características de la propia alma humana, relacionándolas con las baratijas que pueden conseguirse en los supermercados chinos del barrio de Flores. O sea, un flash. Es que el narrador, un jovato mantenido por su mujer psicoanalista, comienza una búsqueda que gira alrededor de los globulitos de mármol que suelen darse como vuelto en los supermercados chinos de Buenos Aires. Un joven oriental es su guía y conocedor de las reglas de esta búsqueda del tesoro ecléctica, y arrastra al narrador por los sitios más inhóspitos.

Sí, eventualmente, y después de tanto ácido, el narrador descubre exactamente qué hacía con los lienzos bajos en un ambiente público, en caso de que les interese. Una obra delirante, para leer escuchando a Zappa y volar transportándose en las palabras de un autor que ciertamente sabe cómo mecer la pluma.

Comentó: Gabriella Botello, para OXIDO.- 

22- ARJEN LUCASSEN'S STAR ONE "Live on Earth"

"Star Trek" del Metal!

Que el rótulo de un género responda al nombre de "Space Metal" dentro del Heavy Metal en general, y del Progressive Metal en particular, suscita mínimamente escepticismo por parte del oyente metalero, obsesionado con la masculinidad de su música. Puedo comprobar fehacientemente que perseguir a Beto Vázquez dentro de la Galería Recamier por tres semanas para conseguir un disco de Space Metal generó, cuanto menos, cejas alzadas en la eterna cara barbuda del heavy promedio que pulula cual mosca enfundada en cuero y tachas en la sección Progressive Thrash Metal de la mencionada tienda de Vázquez.

Derribando todo preconcepto arcaico de que el vestuario uniformado en tonos plateados y bronces es ligeramente homosexual, “Live on Earth” de Arjen Lucassen’s Star One Project va más allá de desmitificar las cuestiones estilísticas del vestir, sino que demuestra que un disco técnicamente superior puede venir acompañado de una narración.

Partiendo de un –probable- escenario ubicado en la inminente destrucción de la tierra, a la que sobreviene la "Gran Migración de Almas" (incredibilísimo track 7 del primer disco), “Live on Earth” aborda cuestiones de la narrativa y la ciencia ficción nunca jamás intentadas en un disco del género Metal. Ya el mismísimo título del álbum nos hace partícipes de un evento fantasiosamente intergaláctico, tomando como si el recital grabado en Rijssen, Holanda, fuera un evento espacial y proveniente del futuro. La epifanía futurista de Lucassen posee la maravilla de un hilo narrativo conciso, que une temáticamente la obra desde el primer tema del primer CD hasta el séptimo del segundo, encerrando entre placa y placa una calidad de sonido francamente formidable. La cantidad de dinero y tiempo de edición puede alcanzar niveles astronómicos, pensando que se trata de un registro grabado en vivo.

La segunda cualidad que distingue claramente esta obra de otras, es el rejunte all star del Metal Progresivo: el "Arjen Lucassen y amigos" descolla por su franca superioridad técnica. “Sir” Russel Allen, la formidable y excelsa voz de Avantasia, Symphony X y Ark, acompaña a las gemelas Floor e Irene Jansen, sopranos de las "leyendas" del Metal After Forever y Ayreon. Damian Wilson, quizás uno de los barítonos más reconocidos y característicos de la escena con Threshold, fusiona perfectamente con Robert Soeterboek, también miembro de Ayreon. La maestría en la guitarra está en los dedos más rápidos del este: Arjen Lucassen, organizador del proyecto, maravilla con la perfección técnica y superioridad en velocidad enfundado en una camiseta plateada. Joost van den Broek en teclados, Peter Vink y Ed Warby en bajo y teclados respectivamente, completan este descollante elenco que logra un increíble balance, tarea difícil considerando la pileta de talentos que se encuentran en Arjen Lucassen’s Star One Project.

Los fantásticos 115 minutos de virtuosismo musical se apoyan en un público que enloquece con cada nota y que corea, a puro grito, todos los temas. Baladas de la mano de Russel “MuchoMacho” Allen, piezas más bien clásicas extraídas de las prodigiosas cuerdas vocales de las Jansen y gloriosos arreglos corales llevan al oyente por un viaje extrasensorial e intergaláctico épico y altamente recomendable. A disfrutar.

Comentó: Gabriella Botello, para OXIDO.- 

21- HARPOON "Tu Mismo Pensar"

HARPOON es una batalladora agrupación argentina formada hace más de quince años, oriunda de la ciudad bonaerense de José C. Paz, cuya orientación musical mira decididamente hacia el denominado Metal Argento, esa especial vertiente que abreva en legendarias bandas nacionales tales como V8 o Hermética.

Formados en 1995, su actual line up cuenta con Ramón Duré en las voces, Alejandro Burgos y Hernán San Martín en guitarras, Rafael Florentín en bajo y Daniel López en batería.
A lo largo de estos diesiséis años, han editado tres trabajos discográficos oficiales: "Grito de Rabia" (originalmente aparecido en cassette en el año 1998, luego reeditado en formato CD por el sello Hurling Metal Records), "Batalla Eterna", de 2006; y el reciente "Tu Mismo Pensar", que va a ser la placa que comentaremos, lanzada durante este 2011 por MTM Producciones.

Al momento de hablar de HARPOON, trataremos de sacarnos la camiseta que nos une a este peculiar sub-estilo dentro del Metal, por el cual sentimos gran simpatía; especialmente por aquéllas bandas con líricas de corte social / contestatario, dentro de las cuales se anotan estos nativos de José C. Paz.

Habiendo disfrutado muchísimo de los dos previos registros del quinteto, la primera diferencia que nos surge a la vista pasa por el arte y la gráfica del nuevo CD: sin que sea la portada más original del mundo, la misma atrapa, interesa desde el vamos, y nos hace pensar en un producto más "internacional" -si es que cabe el término- que los dos anteriores redondos del grupo.

Yendo al aspecto estrictamente sonoro, "Tu Mismo Pensar" fue grabado en Virtual Estudios y cuenta con quince tracks de puro y bombástico Metal combativo, tal como nos gusta a los redactores de este blog. Sonido macizo, contundente, sanguíneo y sin pretensiones de virtuosismo es lo que hallaremos a lo largo de los cincuenta y cinco minutos de música que nos esperan. Vamos pues, al desglosamiento de cada uno de los títulos:

1-"Cuenta Final": Excelente elección para arrancar el disco. Melodía pegadiza, guitarras gancheras y contundentes, Ramón poniéndole toda la garra; uno de los mejores temas de la carrera de HARPOON!
2-"Porqué": Composición contundente y rápida, con algunos cortes y cambios de ritmo. Menos adictiva que su predecesora, pero con un muy buen estribillo.
3-"Me Da Igual": Pieza rápida de Metal tradicional con mucho aire ochentero; se lucen especialmente las violas de la dupla Burgos / San Martín.
4-"Mi Espíritu": Este tema cuenta con un estribillo a media marcha con tintes épicos, con el típico mensaje positivo que transmiten las letras de la banda. HARPOON es una agrupación combativa, pero nunca su mensaje es derrotista.
5-"Tu Mismo Pensar": Esta es la canción que da título al álbum: rápida, poderosa y con un punch directo a la cara del oyente. Muy buena labor de la batería, destacable!
6-"Una Señal": Una de las mejores propuestas de la placa; aunque algo atípica dentro de la discografía del quinteto: ritmo de medio tiempo, con una letra de corte más personal. Uno de los dos temas más lentos del disco.
7-"Cuando Las Llamas Queman": El mejor pasaje del CD, a nuestro modesto entender. Mucho poder Argento, la mejor interpretación vocal de Ramón Duré, el mejor puente, el mejor estribillo. Hacía rato que no escuchábamos algo tan bueno dentro de esta vertiente!
8-"Centinela De La Bestia": Otra bomba de poder, uno de los tracks más crudos e intensos de la obra. No da respiro.
9-"Nuestra Posición": Esta canción posee un groove bastante peculiar, diferente al resto. Ritmo a medio tiempo sin perder poder ni intensidad, más un atractivo solo de guitarras.
10-"Algo Se Está Gestando": Intenso machaque con toques Speed en algunos tramos. Nos gustó especialmente la labor de batería de Daniel López, maciza y precisa.
11-"Arrasarán La Tierra": Líricas apocalípticas pero con cierto toque de esperanza; la pieza muestra claros toques de Heavy Metal clásico ochentero. Puro poder.
12-"Si Un Sol No Alcanza": El track más lento de "Tu Mismo Pensar". Ramón nos muestra unos arreglos de voces muy notables, que personalmente no nos disgustaron para nada.
13-"Hijos Del Rock": Como su título lo especifica, una apología en defensa de las bondades del Rock'n'Roll... Interesante melodía, más algunos eficaces aportes de guitarras.
14-"Casi Me Mato": Cover de la banda española por excelencia: Barón Rojo. Originalmente incluída en el Tributo Argentino a dicho combo. La versión es un tanto más rápida que el original, pero en líneas generales es muy respetuoso del mismo.
15-"Bombas Que Caen": Este es un antiguo material de HARPOON aparecido en su momento en uno de los compilados "Nahuel", incluído aquí como una especie de bonus track. No nos parece una de las mejores creaciones de los de José C. Paz, en realidad creemos que todo el nuevo material está por encima de esta propuesta de cierre.

Resumiendo: Un gran disco de Metal Argento -el Heavy argentino por excelencia-, con ese sonido que no se parece al de ninguna banda de otro lugar del orbe. Este "Tu Mismo Pensar" -por creatividad, crudeza y visceralidad- está muy por encima de las últimas grabaciones de las bandas líderes del estilo, aunque HARPOON no goce de la misma prensa que otros colegas. Si te gusta el Metal simple, ganchero, poderoso y con garra, éste es el mejor álbum nacional del 2011!

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.- 

20- AMORPHIS "Skyforger"

AMORPHIS es una banda que acaba de cumplir -el año pasado- la nada despreciable cifra de dos décadas de historia. Oriundos de Helsinki, la capital finlandesa, este sexteto que ha mutado desde su Death Metal primigenio hacia un grandilocuente Metal Progresivo, se encuentra hoy en día conformado por los miembros fundadores Esa Holopainen y Tomi Koivusaari en guitarras, y el baterista Jan Rechberger. A ellos se han sumado el increíble vocalista Tomi Joutsen (sin duda alguna uno de los mejores cantantes del panorama internacional), el tecladista Santeri Kallio (responsable en buena medida del monumental sonido de la banda) y el bajista Niclas Etelavuori.

Este es el line up que grabó -durante la primera mitad de 2009- el portentoso registro que hoy nos ocupa: "Skyforger", noveno larga duración de AMORPHIS, editado por Nuclear Blast y licenciado en Argentina para el prestigioso sello Icarus.
Ha sido registrado en los estudios Sonic Pump de Helsinki, y producido por el famoso bajista de Nightwish Marco Hietala (quien aporta algunos coros) y por Mikko Karmila.
"Skyforger" -al igual que todas las obras de AMORPHIS- basa sus líricas en el Kalévala, libro tradicional finlandés.

Para nosotros, "Skyforger" es el mejor registro de estos finlandeses, superando por lejos al gran clásico del grupo: "Tales From The Thousand Lakes", de 1994, álbum que supo deslumbrar al mundillo Metal por su -por entonces revolucionaria- mezcla de voces guturales con teclados orquestados. Hay muy buenos trabajos dentro de la discografía de AMORPHIS, tales como "Eclipse" o "Silent Waters", los dos álbumes previos al que nos ocupa; pero ninguno posee un nivel compositivo tan parejo como "Skyforger", el cual puede ser considerado como una verdadera catarata de hits radiales.

El CD abre con cuatro temas impresionantes, a saber: "Sampo", "Silver Bride", "From The Heaven Of My Heart" y "Sky Is Mine". Créanme si les digo que no salía de mi asombro al escuchar esta seguidilla, la cual exprimí hasta el hartazgo repitiéndolos una y otra vez. El trabajo vocal de Tomi Joutsen es absolutamente inolvidable: en él recae gran parte del peso del álbum, dada su enorme calidad interpretativa. "Silver Bride" es el más hitero de todos, pero el nivel de estas cuatro canciones es realmente muy parejo. Fascinantes estribillos, logradísimos puentes, impecables melodías de guitarras, altísima inspiración. Y el plus de un cantante como Joutsen, imprimiéndole su sello a cada composición.

"Majestic Beast" es uno de los temas más pesados del disco, con preponderancia de las voces guturales por sobre las limpias, y es una buena muestra de la versatilidad y el ancho espectro que pueden abarcar hoy en día tanto Joutsen como los instrumentistas. Igualmente, desde nuestra humilde óptica, con "Majestic Beast" se inicia el sector menos atractivo del álbum, el cual comprende la trilogía de esa pieza más las dos que le siguen, "My Sun" (la más lenta del CD) y "Highest Star". No es que las tres susodichas no sean buenas: de hecho, seguro que serían cortes de difusión en más de un disco del estilo, pero a nuestro entender son las menos atractivas de "Skyforger".

El vuelo de la placa vuelve a tomar definitiva altura a partir del octavo track, el que le dá título a la obra. "Skyforger", el tema, está a la altura de las cuatro primeras, siendo una energizante fuente de poder sonoro y de buen gusto. Otra vez Joutsen se lleva las palmas más fervorosas, aunque el desempeño de Esa Holopainen alcanza auténticos niveles de exquisitez. "Course of Fate" y "From Earth I Rose" están un peldaño más abajo, pero igualmente alcanzan picos altísimos de creatividad, con excitantes estribillos y un parejo nivel en las melodías, siempre superlativas y muy cuidadas.

Finalmente, en la edición argentina la placa se cierra mediante un bonus: "Godlike Machine", la cual pese a ser eso: un bonus, consideramos por encima de aquéllas tres canciones del medio del disco a las cuales hacíamos alusión un par de párrafos más arriba.

Para resumir: un CD cien por ciento recomendable para cualquier clase de público que ame la buena música, dentro o fuera del Metal. Una obra que desborda brillantez por donde se la aprecie; otro ladrillo más en la pared consagratoria que ha sabido construír AMORPHIS, sin dudas una de las mejores bandas de nuestro tiempo, en cuya evolución radica su secreto.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-