21- HARPOON "Tu Mismo Pensar"

HARPOON es una batalladora agrupación argentina formada hace más de quince años, oriunda de la ciudad bonaerense de José C. Paz, cuya orientación musical mira decididamente hacia el denominado Metal Argento, esa especial vertiente que abreva en legendarias bandas nacionales tales como V8 o Hermética.

Formados en 1995, su actual line up cuenta con Ramón Duré en las voces, Alejandro Burgos y Hernán San Martín en guitarras, Rafael Florentín en bajo y Daniel López en batería.
A lo largo de estos diesiséis años, han editado tres trabajos discográficos oficiales: "Grito de Rabia" (originalmente aparecido en cassette en el año 1998, luego reeditado en formato CD por el sello Hurling Metal Records), "Batalla Eterna", de 2006; y el reciente "Tu Mismo Pensar", que va a ser la placa que comentaremos, lanzada durante este 2011 por MTM Producciones.

Al momento de hablar de HARPOON, trataremos de sacarnos la camiseta que nos une a este peculiar sub-estilo dentro del Metal, por el cual sentimos gran simpatía; especialmente por aquéllas bandas con líricas de corte social / contestatario, dentro de las cuales se anotan estos nativos de José C. Paz.

Habiendo disfrutado muchísimo de los dos previos registros del quinteto, la primera diferencia que nos surge a la vista pasa por el arte y la gráfica del nuevo CD: sin que sea la portada más original del mundo, la misma atrapa, interesa desde el vamos, y nos hace pensar en un producto más "internacional" -si es que cabe el término- que los dos anteriores redondos del grupo.

Yendo al aspecto estrictamente sonoro, "Tu Mismo Pensar" fue grabado en Virtual Estudios y cuenta con quince tracks de puro y bombástico Metal combativo, tal como nos gusta a los redactores de este blog. Sonido macizo, contundente, sanguíneo y sin pretensiones de virtuosismo es lo que hallaremos a lo largo de los cincuenta y cinco minutos de música que nos esperan. Vamos pues, al desglosamiento de cada uno de los títulos:

1-"Cuenta Final": Excelente elección para arrancar el disco. Melodía pegadiza, guitarras gancheras y contundentes, Ramón poniéndole toda la garra; uno de los mejores temas de la carrera de HARPOON!
2-"Porqué": Composición contundente y rápida, con algunos cortes y cambios de ritmo. Menos adictiva que su predecesora, pero con un muy buen estribillo.
3-"Me Da Igual": Pieza rápida de Metal tradicional con mucho aire ochentero; se lucen especialmente las violas de la dupla Burgos / San Martín.
4-"Mi Espíritu": Este tema cuenta con un estribillo a media marcha con tintes épicos, con el típico mensaje positivo que transmiten las letras de la banda. HARPOON es una agrupación combativa, pero nunca su mensaje es derrotista.
5-"Tu Mismo Pensar": Esta es la canción que da título al álbum: rápida, poderosa y con un punch directo a la cara del oyente. Muy buena labor de la batería, destacable!
6-"Una Señal": Una de las mejores propuestas de la placa; aunque algo atípica dentro de la discografía del quinteto: ritmo de medio tiempo, con una letra de corte más personal. Uno de los dos temas más lentos del disco.
7-"Cuando Las Llamas Queman": El mejor pasaje del CD, a nuestro modesto entender. Mucho poder Argento, la mejor interpretación vocal de Ramón Duré, el mejor puente, el mejor estribillo. Hacía rato que no escuchábamos algo tan bueno dentro de esta vertiente!
8-"Centinela De La Bestia": Otra bomba de poder, uno de los tracks más crudos e intensos de la obra. No da respiro.
9-"Nuestra Posición": Esta canción posee un groove bastante peculiar, diferente al resto. Ritmo a medio tiempo sin perder poder ni intensidad, más un atractivo solo de guitarras.
10-"Algo Se Está Gestando": Intenso machaque con toques Speed en algunos tramos. Nos gustó especialmente la labor de batería de Daniel López, maciza y precisa.
11-"Arrasarán La Tierra": Líricas apocalípticas pero con cierto toque de esperanza; la pieza muestra claros toques de Heavy Metal clásico ochentero. Puro poder.
12-"Si Un Sol No Alcanza": El track más lento de "Tu Mismo Pensar". Ramón nos muestra unos arreglos de voces muy notables, que personalmente no nos disgustaron para nada.
13-"Hijos Del Rock": Como su título lo especifica, una apología en defensa de las bondades del Rock'n'Roll... Interesante melodía, más algunos eficaces aportes de guitarras.
14-"Casi Me Mato": Cover de la banda española por excelencia: Barón Rojo. Originalmente incluída en el Tributo Argentino a dicho combo. La versión es un tanto más rápida que el original, pero en líneas generales es muy respetuoso del mismo.
15-"Bombas Que Caen": Este es un antiguo material de HARPOON aparecido en su momento en uno de los compilados "Nahuel", incluído aquí como una especie de bonus track. No nos parece una de las mejores creaciones de los de José C. Paz, en realidad creemos que todo el nuevo material está por encima de esta propuesta de cierre.

Resumiendo: Un gran disco de Metal Argento -el Heavy argentino por excelencia-, con ese sonido que no se parece al de ninguna banda de otro lugar del orbe. Este "Tu Mismo Pensar" -por creatividad, crudeza y visceralidad- está muy por encima de las últimas grabaciones de las bandas líderes del estilo, aunque HARPOON no goce de la misma prensa que otros colegas. Si te gusta el Metal simple, ganchero, poderoso y con garra, éste es el mejor álbum nacional del 2011!

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.- 

20- AMORPHIS "Skyforger"

AMORPHIS es una banda que acaba de cumplir -el año pasado- la nada despreciable cifra de dos décadas de historia. Oriundos de Helsinki, la capital finlandesa, este sexteto que ha mutado desde su Death Metal primigenio hacia un grandilocuente Metal Progresivo, se encuentra hoy en día conformado por los miembros fundadores Esa Holopainen y Tomi Koivusaari en guitarras, y el baterista Jan Rechberger. A ellos se han sumado el increíble vocalista Tomi Joutsen (sin duda alguna uno de los mejores cantantes del panorama internacional), el tecladista Santeri Kallio (responsable en buena medida del monumental sonido de la banda) y el bajista Niclas Etelavuori.

Este es el line up que grabó -durante la primera mitad de 2009- el portentoso registro que hoy nos ocupa: "Skyforger", noveno larga duración de AMORPHIS, editado por Nuclear Blast y licenciado en Argentina para el prestigioso sello Icarus.
Ha sido registrado en los estudios Sonic Pump de Helsinki, y producido por el famoso bajista de Nightwish Marco Hietala (quien aporta algunos coros) y por Mikko Karmila.
"Skyforger" -al igual que todas las obras de AMORPHIS- basa sus líricas en el Kalévala, libro tradicional finlandés.

Para nosotros, "Skyforger" es el mejor registro de estos finlandeses, superando por lejos al gran clásico del grupo: "Tales From The Thousand Lakes", de 1994, álbum que supo deslumbrar al mundillo Metal por su -por entonces revolucionaria- mezcla de voces guturales con teclados orquestados. Hay muy buenos trabajos dentro de la discografía de AMORPHIS, tales como "Eclipse" o "Silent Waters", los dos álbumes previos al que nos ocupa; pero ninguno posee un nivel compositivo tan parejo como "Skyforger", el cual puede ser considerado como una verdadera catarata de hits radiales.

El CD abre con cuatro temas impresionantes, a saber: "Sampo", "Silver Bride", "From The Heaven Of My Heart" y "Sky Is Mine". Créanme si les digo que no salía de mi asombro al escuchar esta seguidilla, la cual exprimí hasta el hartazgo repitiéndolos una y otra vez. El trabajo vocal de Tomi Joutsen es absolutamente inolvidable: en él recae gran parte del peso del álbum, dada su enorme calidad interpretativa. "Silver Bride" es el más hitero de todos, pero el nivel de estas cuatro canciones es realmente muy parejo. Fascinantes estribillos, logradísimos puentes, impecables melodías de guitarras, altísima inspiración. Y el plus de un cantante como Joutsen, imprimiéndole su sello a cada composición.

"Majestic Beast" es uno de los temas más pesados del disco, con preponderancia de las voces guturales por sobre las limpias, y es una buena muestra de la versatilidad y el ancho espectro que pueden abarcar hoy en día tanto Joutsen como los instrumentistas. Igualmente, desde nuestra humilde óptica, con "Majestic Beast" se inicia el sector menos atractivo del álbum, el cual comprende la trilogía de esa pieza más las dos que le siguen, "My Sun" (la más lenta del CD) y "Highest Star". No es que las tres susodichas no sean buenas: de hecho, seguro que serían cortes de difusión en más de un disco del estilo, pero a nuestro entender son las menos atractivas de "Skyforger".

El vuelo de la placa vuelve a tomar definitiva altura a partir del octavo track, el que le dá título a la obra. "Skyforger", el tema, está a la altura de las cuatro primeras, siendo una energizante fuente de poder sonoro y de buen gusto. Otra vez Joutsen se lleva las palmas más fervorosas, aunque el desempeño de Esa Holopainen alcanza auténticos niveles de exquisitez. "Course of Fate" y "From Earth I Rose" están un peldaño más abajo, pero igualmente alcanzan picos altísimos de creatividad, con excitantes estribillos y un parejo nivel en las melodías, siempre superlativas y muy cuidadas.

Finalmente, en la edición argentina la placa se cierra mediante un bonus: "Godlike Machine", la cual pese a ser eso: un bonus, consideramos por encima de aquéllas tres canciones del medio del disco a las cuales hacíamos alusión un par de párrafos más arriba.

Para resumir: un CD cien por ciento recomendable para cualquier clase de público que ame la buena música, dentro o fuera del Metal. Una obra que desborda brillantez por donde se la aprecie; otro ladrillo más en la pared consagratoria que ha sabido construír AMORPHIS, sin dudas una de las mejores bandas de nuestro tiempo, en cuya evolución radica su secreto.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-   

19- ROTTING CHRIST "Aealo"

ROTTING CHRIST (combo oriundo de Atenas, Grecia, formado en 1987) nos tiene acostumbrados a obras fantásticas, matices históricos y mucha descarga a la hora de tocar. Tras mucha espera desde su anterior trabajo, durante 2010 nos sorprende con este nuevo larga duración denominado "AEALO". Recordemos que la banda obtuvo mucha repercusión y renacimiento -por así decirlo-, con "Theogonia", editado en 2007.

Primero, comenzemos a descubrir porqué "AEALO"?

Sakis (frontman y vocal) mismo reconoce esta nueva visión de la agrupación, consistente en mirar hacia las raíces de la tradición griega antigua, lo que se traduce en una gran carga de elementos musicales autóctonos.  Este álbum cuenta con un exclusivo aporte, el Coro Tradicional Pliades, originario de Ipiros, el cual se dedica mayoritariamente a cantar en funerales. El mismo ha prestado su arte para introducir en "AEALO" un aire ancestral consagrado al tema central del disco: los sentimientos del guerrero durante la batalla. "AEALO" es la transcripción al alfabeto latino de una antigua palabra griega que significa catástrofe, destrucción o arrasamiento. Y este registro sonoro representa todo eso. 

Se ve notablemente el crecimiento de la banda a nivel musical y compositivo; este "AEALO" viene continuando ya una saga iniciada con "Theogonia", siempre en la visión del guerrero y en los sonidos que cuando uno -personalmente lo digo-, cierra los ojos, se transporta hacia ese mundo bélico.

Sakis es indudablemente un vocalista muy completo; debido a su variado rango vocal, que muy pocos músicos de la escena poseen. En realidad ROTTING CHRIST tiene un plus que la coloca como una gran formación al contar en sus filas con Sakis. También es destacable la labor de la guitarra de Giorgos; estos griegos siempre se caracterizaron por el sonido de las seis cuerdas, tan distintivas para ellos.

Como mencionamos anteriormente, en este CD colaboró el Coro de Pliades, pero también contó con una participación muy especial: estoy hablando de una dama con una voz inigualable y que a más de uno le vuela la cabeza con sus notas: la señora Diamanda Galas, quien aporta su voz en el último track "Orders From the Dead"; que en realidad es un cover de ella misma, hecho por ROTTING CHRIST y contando con su colaboración.

Aquí les dejamos el tracklist de esta gran obra:
01. Aealo
02. Eon Aenaos
03. Demonon Vrosis
04. Noctis Era
05. Dub-saĝ-ta-ke
06. Fire Death and Fear
07. Nekron Iahes...
08. ...Pir Threontai
09. Thou Art Lord
10. Santa Muerte
11. Orders From the Dead

ROTTING CHRIST nos entrega este muy buen trabajo, el cual recomendamos sin dudarlo; y del cual les certificamos que estamos ante uno de las mejores placas aparecidas en 2010.

Comentó: Luis DiSanti, para OXIDO.-

18- WITHIN TEMPTATION "The Heart of Everything"

"The Heart of Everything" es el cuarto álbum de estudio de la que es, probablemente hoy en día, la banda más importante del Gothic Metal internacional, los oriundos de Waddinxveen, Holanda, WITHIN TEMPTATION.
La formación que tuvo a su cargo este compendio de impecables canciones estuvo conformada por Sharon Den Adel en las voces (cantante de excepción, calificada como mezzo soprano, carismática frontwoman), Robert Westerholt y Ruud Jolie en guitarras, Jeroen Van Veen en bajo, Martijn Spierenburg en teclados y Stepehn Van Haestregt en batería.

El disco, aparecido durante la primera mitad de 2007, es hasta ahora el último trabajo de estudio de la banda, mientras se aguarda la salida del nuevo registro, "The Unforgiving", para dentro de algunas semanas. La casa editora fué la americana Roadrunner Records, usualmente dedicada a agrupaciones de tinte más extremo o agresivo. WITHIN TEMPTATION, en cambio, posee un distintivo sonido europeo, aunque con un ligero tufillo americanizado en alguna de sus composiciones, el cual no estaba presente en sus primeros CDs.

Para ser fieles a la verdad, este registro es un desfile de hits, una canción tras otra. La primera mitad del álbum es sencillamente imparable, ya desde los dos tracks iniciales, "The Howling" (tremendo ejemplo de cómo concebir una gran canción) o el no menos bombástico "What Have You Done", probablemente el punta de lanza de este terrible disco, un tema sensacional que incluye como invitado al diminuto Keith Caputo, voz líder de Life of Agony (tuvo algo que ver la discográfica en este detalle?), en un excelente contrapunto vocal con Sharon Den Adel.

Luego, el disco sigue transitando por maravillosos parajes sonoros, un tanto más calmos en la preciosa balada "Frozen", para volver a subir con el ultra radiable "Our Solemn Hour", donde podemos escuchar un estribillo pegadizo hasta la exageración. La primera mitad de la placa llega a muy buen puerto con el tema que le dá título a la misma, seguido de "Hand of Sorrow", otra composición fácilmente identificable, de muy alto nivel.

En la segunda mitad, quizás merma un poco el hipotético "medidor de hits", pero nunca decae la calidad de las canciones, lo que determina como resultado este disco sencillamente inolvidable. "The Cross" es -seguramente- uno de los mejores tracks, no sólo de este álbum, sino de toda la carrera de WITHIN TEMPTATION. En él podemos apreciar toda la versatilidad y capacidad de Sharon Den Adel, sin dudas una de las mejores cantantes del orbe.

"Final Destination" baja un escalón, pero no porque no sea magnífica, es que su predecesora "The Cross" es superlativa. "All I Need" es a nuestro entender el punto más flojo del CD, pero vale aclarar que igual es un tema que podría ser corte de difusión para cualquier banda del estilo, a las cuales -excepto Nightwish- consideramos a todas muy por debajo de estos holandeses.
El registro se va cerrando con las dos últimas canciones: "The Truth Beneath the Rose", la más extensa en duración, donde vuelven a levantarnos las emociones tras la previa "All I Need"; y el final con "Forgiven", una bonita balada donde otra vez las cuerdas vocales de Sharon se lucen en plenitud.

Para resumir, podemos afirmar que -a nuestro gusto- "The Heart of Everything" es uno de los grandes discos de la década que finalizó, una de esas obras superlativas y monumentales que no tienen desperdicio, que no posee temas de relleno, y a la cual se hace muy difícil sacar de la compactera. Es como si fuera un Grandes Exitos, pero no: en realidad se trata de una placa de estudio de una banda que exprimió al extremo su enorme creatividad, su innato talento compositivo, y su notable capacidad para crear las mejores canciones del estilo.

A nuestro modesto entender, "The Heart of Everything" merece un diez en todos los aspectos.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

17- Marcelle Lefineau "TRIBUS URBANAS" (Libro)

Para los que todavía gustan de tomar un libro en sus manos para hojearlo o sumergirse con avidez en la lectura, tal vez quieran recorrer las páginas de “Tribus urbanas. La indumentaria desde una perspectiva multicultural”, obra de la novel autora argentina Marcelle Lefineau.

No es literatura de ficción, ni un ensayo o trabajo monográfico, es un estudio diacrónico que la autora ha plasmado en páginas, recorriendo los diferentes estilos vanguardistas según épocas, modas, personalidades, gustos musicales.

En este trabajo minucioso, el contexto histórico apuntala y enmarca cada tribu urbana, cada minoría extravagante que genera rechazos en unos, identificación en otros, y sobre todo intentan abrir paso al proceso cultural de modernización constante en lo ideológico y social, desestructurando el sistema preestablecido por los cánones estipulados en cada período. Es así, que en tal recorrido encontramos flippers, shipsters, beats, hippies, psicodélicos, skinheads, heavys, punks, rastafaris, hip hoperos, raperos, darks, industriales, góticos: con sus subestilos: medieval, victoriano, sick, etc..; ravers, otakus o animees, hackers, decorers, freaks, alternativos, metrosexuales, gossip girls, entre otras variantes de la actualidad.
Estas manifestaciones culturales, ideológicas y espirituales, encuentran viabilidad en la estética, en las artes, en el diferenciarse y construirse desde una indumentaria creativa, distintiva.

La joven escritora, diseñadora de indumentaria y gran observadora social, nos muestra  una galería de  “tribus”, iniciando su relato desde los años veinte hasta la actualidad. Un recorrido que pone de manifiesto las necesidades y sentimientos de la cultura occidental, desde la mirada de los grandes diseñadores como Vionnet, Chanel, Dior, entre otros; la música influyente en los estilos de jazz, soul, rock, ska, reggae, funk, hip hop, heavy metal, disco, etc.; personalidades famosas, referentes de todos ellos.

Por último, cabe aclarar que el libro presenta magníficas ilustraciones paratextuales que resemantizan el texto, realizadas -vale la mención- por el artista chivilcoyano Luis Disanti.

Comentó: Florencia Aspiro, para OXIDO.-

16- DyNAbyte "2KX"

Segunda producción discográfica de la banda de Metal Industrial que reúne a dos miembros de CADAVERIA en sus filas. La anterior grabación, "Extreme Mental Piercing" había significado un muy auspicioso debut, allá por el año 2004. Y creemos que también una notable influencia para bandas de distintos lugares del orbe que aparecieron imitando ese novedoso sonido, mixtura de guitarras metalizadas con maquinarias cibernéticas y futuristas.

Si aquél "Extreme Mental Piercing" nos había gustado mucho -especialmente por la indudable calidad de sus composiciones-, este flamante "2KX" no se queda atrás... al contrario!

El álbum -aparecido el 10 de octubre de este año, o sea... hace solamente doce días, y en exclusivo formato pendrive, para puerto USB- consta de doce poderosísimas y gancheras composiciones, no muy alejadas de las que integraban la obra previa.

La formación de DyNAbyte consta de Cadaveria (ex Opera IX, actal CADAVERIA) en las voces, John (también integrante de CADAVERIA, Necrodeath y Raza de Odio) en teclados y bajo; y LJ Dusk en guitarra y teclados. Por supuesto, la batería es programada, cosa que a nuestro entender, aporta mucho al estilo de DyNAbyte.

El listado de temas de "2KX" es el siguiente: "Equilibrium", "F.T.L.", "Normal", "Hereditary Neuronavigation", "Cold Wind of Fear", "Artmix", "Speed", "The Mummy" (primer single promocional), "I'm Not Scared", "Stones", "Wave" y "Blinded by my Light".

El estilo de dichas canciones navega en los fríos mares del sonido Industrial: mecanizado, computarizado y con tintes cibernéticos; pero sin perder jamás de vista las melodías, y con algunos jugosos arreglos que se hacen notar especialmente en "I'm Not Scared" o en "Blinded by my Light".

Pero bueno, pasemos a un breve resumen descriptivo de cada uno de los tracks:

1) "Equilibrium": Excelente comienzo del álbum. Típica canción hitera, con un estribillo pegadizo en el cual se luce la voz de Cadaveria. Una de las dos mejores piezas del CD.
2) "F.T.L.": Lenta, con una intro basada en vocalizaciones limpias. Pieza muy bien cantada, en ella se hace omnipresente el sonido Industrial.
3) "Normal": Una de las más veloces del disco, sino la más. A su vez, también una de las más metaleras. Con poca vinculación al costado más tecno de DyNAbyte.
4) "Hereditary Neuronavigation": Aquí se hacen muy presentes los toques Ñu Metal de la banda. Con buenos solos de guitarra y pocos vestigios industriales.
5) "Cold Wind of Fear": Tema de medio tiempo, muy cantado. La voz de Cadaveria se luce en el estribillo. Hay preponderancia del trabajo de la viola, aunque por momentos los músicos no logran evitar que la canción caiga en cierta monotonía.
6) "Artmix": Con una intro bien Industrial y un tratamiento vocal más agudo, nos pareció una típica composición de mitad de álbum.
7) "Speed": En ésta percibimos por vez primera arreglos casi bailables. La guitarra de LJ Dusk lleva adelante el peso del estribillo, y por ende, del gancho de la canción.
8) "The Mummy": Primer corte de difusión. Es un hit, y la guitarra vuelve a tener gran parte de responsabilidad en ello. Cadaveria le dá más lugar a las voces guturales.
9) "I'm Not Scared": Aquí se notan arreglos más pop que en el resto del CD. Es la pieza menos heavy de "2KX", aunque no prescinde de cierto tono épico en el estribillo. La voz por momentos se torna chillona y aguda.
10) "Stones": Posee una intro y una outro muy climáticas. Es muy melódica y hitera; la voz de Cadaveria se torna natural, más grave y muy poderosa.
11) "Wave": Tema de medio tiempo. Es bastante pesado, y sobresale el estribillo: gritado primero, cantado después.
12) "Blinded by my Light": Es la canción más larga del disco. Está compuesta por una intro de sonidos suaves, y a lo largo de sus casi seis minutos se perciben violas melódicas, heavys y poderosas. La voz realiza una labor calmada, y el track es realmente muy cantado. Digno cierre de "2KX", quizás el mejor tema del álbum.

Para resumir: el principal cambio que notamos en este segundo trabajo de DyNAbyte en relación al primero, pasa por las voces: menos growls y más cristalinidad. Cadaveria está cantando muy pero muy bien, y sus cuerdas vocales se lucen en estos doce títulos, marcando un bonito contraste con la fria modernidad del sonido Industrial.

Técnicamente el álbum es impecable (recordamos que fué íntegramente autoproducido por el trío), con una amplísima nitidez en el aspecto sonoro. El arte de tapa podría haber sido mejor, pero tampoco está nada mal.
Sin dudas, estamos ante uno de los mejores registros de este año 2010, que será seguramente también uno de los más destacados del género. Altamente recomendable para quienes se animen a experimentar lejos del territorio del Metal más tradicional.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

15- IRON MAIDEN "The Final Frontier"

“The Final Frontier” es el nuevo álbum -el número 15- de la legendaria y emblemática banda Iron Maiden.
Salió a la venta el 16 de agosto, después de haber esperado cuatro años sin que estos músicos británicos grabaran nada en estudio, desde su anterior “A Matter of Life and Death”.  Y considero que la espera valió la pena.
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Antes de comentar el contenido musical de esta nueva obra, me gustaría hacer alusión a la portada -y arte en general- del disco:

Me parece que está muy trabajada la carátula, el estilo es muy llamativo y pintoresco, pero no creo que coincida con la imagen que siempre tuvo la banda. Como vemos, Eddie aparece, y en primera plana, pero perdió bastante de lo tradicional, es demasiado moderno; y al ser en formato 3D, contribuyó a que se pierda la escencia de las portadas clásicas de la agrupación inglesa.

El dibujante clásico de Maiden ha sido Derek Riggs, y creo que al no contar más con él, se pierde demasiado. Hasta “Fear of the Dark” dibujó todo él, y hasta ahí, me encantan todas las portadas. Para “The X Factor” y “Virtual XI”, la banda había contratado a otra gente para hacer las cubiertas, y creo que también se notó… no me parecen malas, pero no se comparan con los trabajos de Derek Riggs.
En “Brave New World” trabajan con Derek nuevamente, y a mi entender tal cosa no pasa desapercibida…la carátula de ese álbum es, sin dudas, muy buena. Y aquí terminó de colaborar este señor con la banda; según mi humilde parecer, ahí está la razón por la cual las tapas de los últimos CDs que han grabado no son tan perfectas.
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El arte interno (del libro) no me pareció muy interesante tampoco, faltarían más Eddies y hay sólo una foto del grupo y se ve a oscuras, dándole un carácter de misterio espacial, tal cual muestra el concepto de este nuevo disco.
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Hablando ya de lo más importante, lo musical: encontré muy ganchero y directo a este nuevo trabajo, a pesar del promedio de alrededor de ocho minutos de sus canciones. Lo compré la semana pasada, ni bien llegó a nuestra ciudad (asquerosa y monótona) de Chivilcoy, y todavía no puedo parar de escucharlo, sinceramente me sorprendieron… mis expectativas eran menores.

Las estructuras de las composiciones mantienen el estilo de las de "Brave New World" (parte de esto se debe a que siguen trabajado ya, desde hace diez años, con el productor Kevin Shirley). Me refiero a canciones normalmente largas, de ocho minutos en adelante, con introducciones de guitarras limpias, que luego cambian a poderosas y distorsionadas, para terminar nuevamente en forma lenta, o quizás también con cambios a sonidos limpios en el medio, o partes instrumentadas con cambios de ritmos también a la mitad, permitiendo que la música esté muy trabajada y arreglada.
No tienen desperdicio estos tremendos cortes que saben introducir, llenos de melodías y arreglos intrincados, dándole un toque progresivo. Una vez más, las tres guitarras se hacen presentes y se las puede distinguir muy bien, lo cual resalta aún mas esa característica de buena elaboración en las canciones.

Otro punto a destacar son las melodías de violas, que van sobre la voz de Bruce Dickinson; esto ya lo han sabido hacer desde hace mucho, y en este álbum hay bastante de ello, lo cual quedó verdaderamente bien, porque permite que los temas se tornen aún mas gancheros y den ganas de escucharlos sin parar.

El bajo de Steve Harris y la batería de Nicko McBrain marcan una rítmica muy contundente -como siempre!-, y los arreglos de ambos instrumentos son sensacionales, puro Heavy Metal del más bueno.

Y de la voz de Bruce… qué podemos decir? El hombre está cada día mejor, es asombroso su estado físico y vocal; me sigue poniendo la piel de gallina, no ha perdido fuerza en lo más mínimo, sigue cantando con amplio poder, y estirando su registro en limpio hacia lo más alto o agudo. Desde tal cosa, hasta escucharlo cantar notas mas graves de manera más tranquila y relajada, no perdemos nunca el gusto de seguir oyéndolo. Un genio Bruce! De más está añadir que es uno de los mejores y más influyentes cantantes de la historia del Metal. Uno de sus padres.
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Haciendo un paneo en general por la lista de canciones: son diez temas, en este nuevo álbum de carácter conceptual que narra una odisea en el espacio; es el segundo registro conceptual en la historia de su carrera (el primero es “Seventh Son of a Seventh Son” de 1988, por si alguien no lo sabe).

Arrancamos con “Satellite 15… The Final Frontier”, la cual comienza con una intro bastante progresiva, que ambienta muy bien esta idea espacial y futurista del disco, donde se escucha una base de batería que juega mucho con el redoblante, acompañado por una base rítmica de violas y bajo; a la que le sumamos guitarras punteando entrecortadas. Luego sigue una especie de narración que interpreta Dickinson cantada sobre una base limpia, corta la intro y arranca la canción normalmente. Es bastante rockera y clásica, bien directa.
Le sigue “El Dorado”, una composición de estilo similar, que va al grano, y que junto con el primer track, fueron elegidas como cortes de difusión radial. A mi gusto no son las mejores del álbum, tiene títulos que las superan.
Continuamos con “Mother of Mercy”, muy buen tema, un poco más melódico y con una excelente introducción que combina guitarras limpias y distorsionadas, con un resultado muy logrado! 
Posteriormente, “Coming Home”, un título un poco gastado ya… Pretende ser de carácter más melódico, también casi como su anterior, y cuenta con un estribillo con mucho sentimiento, de ésos que podemos escuchar hasta siempre.
Luego tenemos la que considero la pieza más contundente y directa del disco, “The Achemist”, muy buen tema, en la vena de himnos como “The Trooper”.
Sigue “The Isle of Avalon”… una de mis preferidas! Tiene excelentes cortes y cambios, es una de esas canciones que arranca con voces calmas y violas en limpio. Parece que tuviera dos estribillos, como ya han sabido hacer en títulos como “Rainmaker”, en las que antes del estribillo hay algo -que no sé cómo definirlo, porque puente no es-, que da la sensación de ser otro estribillo previo. Esto hace que la pieza tenga muchísima caña, como dicen los españoles. Temazo!
Luego seguimos con “Starblind”, extensa y con introducción lenta, bastante interesante también.
Después, “The Talisman”: ésta arranca lento pero luego estalla, se pone bastante veloz y pesada, una de las más potentes del disco.
Posteriormente, “The Man who Would be King”, que dura 8':28'', pero no los notás, por el gancho que posee. Aquí Bruce canta las estrofas con una voz bien natural, de forma muy "hitera", y luego en el estribillo exige sus cuerdas vocales demostrando sus capacidades únicas, en una secuencia veloz y directa. Uno de los mejores temas del CD, según quién escribe.
Y para cerrar, tenemos a “When the Wild Wind Blows”, la cual dura once minutos, la segunda más extensa de la Bestia, detrás de “The Rime of the Ancient Mariner”, que llega a alrededor de trece. Pero tampoco se nota la larga duración de este título de cierre, ya que posee mucho atractivo. Aquí no escuchamos voces muy agudas, Bruce canta mas naturalmente todo el tiempo, y queda genial…es mi canción preferida del disco; la parte instrumental del medio tampoco decae, las melodías de guitarras y riffs son muy directas y se las disfruta muchísimo.
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Conclusión final: Iron Maiden demuestra que está más vivo que nunca. A pesar de la antigüedad que tienen en el universo Metal, cada vez son más profesionales y nos acaban de entregar un muy buen trabajo; superior al anterior. Al calificarlo le pondría un 8,50.
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La vieja escuela sigue pateando culos, lamentablemente dudo que surjan bandas como Iron Maiden, Black Sabbath, Judas Priest o Megadeth en un futuro cercano.

Gracias Steve Harris por tanta magia, UP THE IRONS!

Comentó: Iván Ruocco, para OXIDO.-

14- LOGOS "La Industria del Poder"

Con la separación de V8 en el año 1987, se pone en marcha el proceso de creación más importante de bandas de Heavy Metal de la historia argentina, en cuanto a la calidad de las mismas. Cada uno de los ex músicos de la disuelta agrupación reencauzó las energías en sus nuevos proyectos. Ricardo Iorio creó Hermética, Osvaldo Civile, Horcas, y Gustavo Rowek junto a Walter Giardino Rata Blanca. En tanto Alberto Zamarbide, Adrian Cenci y Miguel Roldán continuaron unidos alimentando el misterio de lo que vendría. Recién en el año 1990, con el reclutamiento de José Amurín en las cuatro cuerdas, se devela la incógnita, dando nombre al proyecto.

Así se consolidaba Logos como la última creación de los ex V8. Con todo por ganar, la banda hace su pública presentación en el año 1991, editando dos años después nuestro disco fundamental: “La Industria del Poder”. Producido por Néstor “Pájaro” Randazzo, (que ha trabajado también con Hermética, El Reloj, Alakrán y un largo etcétera), el material fue grabado y mezclado en treinta y dos canales en Colombia Studio.
Las expectativas creadas estuvieron acordes a la calidad, y por ello la aceptación del público fue automática. Las encuestas del año 1993, realizadas por medios especializados, seleccionaron a “La Industria del Poder” como disco del año, a Alberto Zamarbide como mejor cantante, y el tema “Como Relámpago en la Oscuridad” como mejor canción.

Logos se muestra en su primer lanzamiento como la evolución natural de lo que hubiera sido V8 en los 90's, pero con un toque de distinción: el buen sonido. Alberto Zamarbide y Miguel Roldán han sido desde siempre personas comprometidas con las líricas, abarcando temáticas tan amplias como la religión, lo social y lo combativo. Al respecto, la agrupación se ha distinguido desde su gen, por las ingeniosas frases y/o estrofas poseedoras de la magia de resumir en pocas palabras, hechos y pensamientos de manera clara, comprometedora y ocurrente. Tal es el caso de “el silencio de los que callan pesa más que una lápida sobre sus mentes”… chúpense este aforismo!!!

En lo que atañe a las formalidades, la placa consta de ocho temas, con una duración total de cuarenta minutos. La grilla se compone de “Marginado”, “Cómo Relámpago en la Oscuridad”, “La Ultima Batalla” (con arreglos de guitarras acústicas y una duración de más de ocho minutos... toda una novedad para la época), “Memorias del Continente Nuestro” (instrumental), “No te Rindas”, “Ven a la Eternidad”, “En la Ciudad Violenta” y “La Industria del Poder”.
La obra navega en todo momento por el inmenso mar de la creatividad gracias a su novedosa propuesta, además de constar con sutilezas que la vuelven imprescindible para cualquier amante del estilo, como ser: las fotos del arte de tapa, correspondientes a la película “Metrópolis” (hoy transformada en objeto de culto) de Fritz Lang (fechada en 1926). Este adelantado film de ciencia ficción, basa su historia en una sociedad futurista donde los obreros, industriales en esencia, tienen prohibido salir de su guetto. Esta situación plantea una revolución liderada por un robot.

Pasados diesisiete años desde el lanzamiento del disco, la banda ha transitado por todos los estados, cambiando de músicos en diversas oportunidades, pero siempre manteniendo su núcleo duro: Roldán-Zamarbide. En la actualidad, junto a Marcelo Ponce en batería y Walter Scasso en el bajo, LOGOS pareciera haber encontrado una formación estable, permitiéndole completar una extensísima gira por todo el país, además de Brasil, Chile y Uruguay; editando a finales del año 2008 su último trabajo hasta la fecha: “A Través de los Tiempos”, otra obra maestra del Heavy nuestro de cada día.

Por si no quedó claro: LOGOS es referencia obligada a la hora de hablar de Heavy Metal hecho en Argentina. Y por sobre todo, un disparador de ideas y pensamientos para todo aquel que ose escucharlo.

Comentó: José M. Aicardo, para OXIDO.-