53- JUDAS PRIEST "Defenders of the Faith" (1984)

Fenomenal y magnífico por donde se lo quiera analizar, el décimo álbum de estudio de los basamentales británicos JUDAS PRIEST, se encuentra entre nuestros diez discos favoritos de todos los tiempos. Quizás por la época en la que se lanzó, plena adolescencia de quien escribe hoy esta reseña (por qué no la escribimos antes...?), y habiendo sido el primer trabajo de la banda que escuchamos, ningún otro nos volvió a golpear con tanta intensidad. Ni siquiera el archi promocionado "Painkiller", que se encuentra lejos de nuestras máximas preferencias. 

Al disco lo precedió el video del primer tema de difusión, "Freewheel Burning", uno de los máximos himnos de la historia del Heavy Metal. Acostumbrados en aquél glorioso 1984 a ver repetidamente el clip en la trasnoche del "Kenia Sharp Club" (por supuesto, lejos estaba aún de existir Youtube), no dejábamos de impactarnos ante la potencia y puesta escénica del quinteto, ante esa voz híper aguda del Maestro Rob Halford y ante la "metalicidad" del tema, ya que habíamos leído por allí, en un reportaje, que Rob Halford decía que JUDAS PRIEST apuntaba a lograr la quintaescencia del sonido Heavy Metal, lejos de otros que afirmaban que "no tocaban Metal, solamente Rock".

Tenemos en nuestras manos la edición argentina en formato vinilo, editada por Columbia, con el sello / sticker circular "Heavy Metal CBS", un distintivo en algunos álbumes de la época. Aquí a la placa se la llamó según la traducción literal correspondiente, "Defensores de la Fé". De la fé metálica, claro está. Uno de los mejores títulos imaginables.

El formidable quinteto que dió vida a "Defenders of the Faith" estuvo integrado por Rob Halford en voz, Glenn Tipton y K.K. Downing en guitarras, Ian Hill en bajo y Dave Holland en batería. Downing e Ian Hill eran los dos únicos miembros fundadores todavía presentes. Recordamos que JUDAS PRIEST inició su camino en la música en el año 1970. 

El dibujo elegido para el arte de tapa fue concebido por los músicos, y traído a la vida por el artista Doug Johnson; quien ya había creado la portada de "Screaming For Vengeance". Se lo denominó Metallian, una especie de tanque con rostro, garras y cuernos. Un auténtico "Defensor de la Fé Metálica". En la contraportada se puede leer una breve frase alegórica al personaje, además de los créditos correspondientes; y finalmente los títulos (traducidos al español) de los diez temas que conforman la obra.

El lado A abre con el mencionado "Freewheel Burning", lo cual es obvio. Inimaginable hubiese sido otra apertura. Es la mejor pieza del registro, y un puntapié inicial maravilloso que hace presagiar que estamos en presencia de una obra maestra del Heavy Metal. El segundo track corresponde a "Jawbreaker", que no se queda atrás: también es otro de los mejores pasajes. Luego la ganchera pero menos intensa "Rock Hard, Ride Free", para cerrar el lado con la imponente "The Sentinel", donde el descomunal registro de Rob Halford se luce en modo mayúsculo.

Las -desbordantes de poder!- guitarras gemelas de la dupla Tipton / Downing se encuentran entre los mejores duetos de seis cuerdas que hayamos conocido, y es a nuestro modesto entender, en ésta placa donde mejor lo ponen de manifiesto, tema tras tema.

El lado B empieza con el segundo corte de difusión, "Love Bites". Otro momento muy fuerte del álbum, aunque según nuestro gusto, este segundo sencillo no estuvo a la altura del primero. Sigue la implacable "Eat Me Alive", dándole continuidad a la gran furia metálica. En tercer término "Some Heads Are Gonna Roll", que tiene como particularidad ser el único tema no compuesto por el trío Halford / Tipton / Downing, sino que aparece el estadounidense Bob Halligan Jr. como autor del mismo. La balada de turno es "When the Night Comes Down", probablemente el punto más flojo de este tremendo álbum. El cierre es magistral, con "Heavy Duty", con la voz de Halford en pleno alarde de sus inexplicables facultades, pegado al track que da título al disco, "Defenders of the Faith", épica y conmovedora, con unos terribles coros bramando hasta arrancarnos lágrimas.

Las sensaciones que nos quedaron cuando escuchamos "Defenders of the Faith" por primera vez, fueron que éste iba a ser uno de los discos de nuestras vidas. Y no nos equivocamos. Qué suerte hemos tenido de haber nacido cuando nacimos, y de haber vivido toda ésta época sin igual, durante nuestros años de adolescencia. Hoy día escuchar este trabajo sigue produciéndonos maravillosas reacciones, pero hubiera sido un gran desperdicio de tiempo descubrirlo treinta y pico de años después. 

Sin dudas, entre los mejores de toda la historia.

Reseña: Javier Parente, para OXIDO.-   

52- DEVASTACION "Del Martín Fierro" (2019)

Si hay una banda que sintetiza el concepto de perseverancia y lucha titánica contra los molinos de viento, en la escena nacional tenemos a DEVASTACION: la data oficial informa de su formación allá por el año 1987. Treinta y cinco años atrás. Una de las agrupaciones argentinas más longevas en actividad, tan sólo superados por Dhak, que empezaron en 1981. No hay que menospreciar este dato, es realmente muy valioso. 

El primer demo del cual se tiene registro fue un ensayo con tres temas, aparecido en 1989. La primera formación incluía al histórico luchador Walter Ortiz en voces y guitarras, Guillermo Grillo en guitarras, José Manuel Araujo en bajo y Luis Barrientos en batería. Aunque ya para ese demo habían habido cambios: el mismo fue registrado por Walter Ortiz, José Manuel Araujo y Juan Moffa, en la batería.

A ese demo ensayo le seguirían dos cassettes independientes: "Devastación", que contenía solamente dos temas y fue lanzado en 1992; y "Maquinarias de Poder", ya más profesional y mejor producido, conteniendo seis poderosos títulos, y que vió la luz en abril de 1993. Para estos registros, ya solamente quedaba Walter Ortiz como único miembro fundador, acompañado ahora por Gustavo Quiroga en batería, Guillermo Lamadrid en guitarra y Gonzalo Giuliano en bajo.

En 1997 aparecería "Decadencia", la última edición en cassette de la banda, conteniendo nueve nuevos temas. Grabado como trío, esta vez sin la participación de Guillermo Lamadrid. 

La primera edición en CD vendría de la mano del sello Icarus, en 1999, bajo el explícito título "...Qué lo Parió!". El line up pasó a ser otra vez un cuarteto, con la incorporación del violero Fabián Cejas.

A éste le seguiría "Resistiendo al Engaño", álbum editado por Del Imaginario en 2007, unos cuantos años después. Aquí se producen dos nuevos reemplazos: ingresan Fernando Vigorito en bajo y Pablo Maggioni en guitarra (quien se fuera en 2016 y ahora regresó al line up estable), sumándose a la dupla Ortiz - Quiroga. Al año siguiente, el mismo sello unió los cassettes "Decadencia" y "Maquinarias de Poder", lanzándolos por primera vez en formato CD. 

En 2013 comparten un split con la agrupación salteña Pogrom, llamado "La Unión Hace la Fuerza". Allí DEVASTACION aporta siete canciones, entre ellas un cover de sus compañeros en el split, Pogrom; y uno -sorprendente- de los americanos Plasmatics, invitando a Brenda Cuesta, actual Bloodparade y ex Sarkástica, a poner su voz.

Tras este split, se produce un silencio discográfico de siete años, durante los cuales el cuarteto capitalino no interrumpió sus actividades en vivo.

En los meses de julio y agosto de 2019 se graba "Del Martín Fierro", álbum que nos ocupa, en el estudio "El Conventillo", con Joaquín Díaz Da Ruiz como ingeniero de grabación a cargo. A principios del año 2020 se lleva a cabo la edición, a través del sello Metal Command, quienes también habían lanzado el split con Pogrom. La única edición disponible es en formato CD.

Contiene trece tracks, incluyendo dos instrumentales. Daniel Jáureguis es el artista encargado de todas las ilustraciones. La portada es muy buena, con un dibujo alegórico al personaje del título, aunque en un tono siniestro y un tanto sobrenatural. Por mucho, la mejor tapa de toda la discografía de la banda. El booklet está conformado por doce páginas ilustradas, en un tono amarillento sepia, excepto la portada y contraportada, que son full color. Contiene todas la letras (punto altísimo de la banda) escritas por ese gran poeta de la realidad cotidiana que es Walter Ortiz. Se pueden ver dos fotos de los músicos, una de ellas en estudio. 

La alineación que llevó adelante la grabación es la siguiente: Walter Ortiz en voz y guitarra, Horacio Herrera en batería, Nicolás Oliva en guitarra y Daniel Cafferata en bajo. 

Death / Thrash a toda furia y a pleno motor, sin concesiones ni ablandes de ningún tipo, es lo que vamos a encontrar en éste, o en cualquier otro trabajo de DEVASTACION. Las canciones son bastante parejas, no hay un gran "hit" que sobresalga demasiado. A nuestro modesto entender, "La Maquinaria de la Estupidez", "Aves de Rapiña", "A Contramano", "La Forestal" y "Por las Rutas" son las que más nos quedaron, pero no significa que sean mucho más que el resto, sino que todo el álbum es de un nivel equilibrado y muy bien logrado. 

Un punto importantísimo a favor de esta placa es que la voz aguardentosa de Walter Ortiz está en un primer plano, elevándose nítida y en gran forma por sobre los instrumentos, lo cual nos parece sumamente atinado, ya que uno de los fuertes (el principal, probablemente) de DEVASTACION son las letras y el mensaje, y es fundamental que el mismo llegue claramente al escucha, cosa que en "Del Martín Fierro" ocurre. Excelente. 

Un álbum muy recomendable para aquéllos seguidores del Metal vernáculo -o simplemente que sea cantado en español- que le den especial importancia al mensaje, no sólo a simple música potente y veloz pero vacía de contenidos. Si siempre te gustó la banda, "Del Martín Fierro" puede ser considerado su mejor trabajo. Y si recién los estás descubriendo (Nunca es demasiado tarde...!), éste es un muy buen modo de empezar a prestarles oídos. 

Reseña por Javier Parente, para OXIDO.-

51- IESCHURE "The Shadow" (2017)

"The Shadow" es el trabajo debut de IESCHURE, un proyecto unipersonal de Lilita Arndt, multi-instrumentista, compositora y vocalista oriunda de la ciudad de Rivne, en la hoy conflictuada y ensangrentada Ucrania. Dejando de lado la simpatía natural que nos produce el origen de la artista,  IESCHURE sería lo que se conoce como "One Woman Black Metal Band"; y su música puede definirse como Occult Black Metal. 

"The Shadow" es, como mencionamos, su placa debut y fue registrada en los S.o.h.D. Studios en Rivne (ciudad que se mantiene todavía lejos de los focos del conflicto bélico), entre los años 2016 y 2017. El disco fue editado el 1° de diciembre de 2017, a través del sello alemán Iron Bonehead. 

Vamos a escribir esta reseña basados en la versión en vinilo de "The Shadow", aunque también tenemos en nuestro poder la del formato digipack, lanzada por el mismo sello germánico. Ambas cuentan con una tirada limitada a quinientas copias. 

Arrancando por contarles de la edición en sí, el LP es una verdadera obra de arte. La producción de Iron Bonehead para con "The Shadow" es de extrema calidad. La misma presenta un formato de doble cuerpo (gatefold) en el cual la portada nos muestra una foto de la artista, desprovista de logo, títulos o rótulos. La contraportada en cambio, sí nos detalla la lista de temas (siete), además del logo de IESCHURE y del sello.Todo en estricto blanco y negro, altamente climática, con un candelabro, un par de calaveras, un cuchillo y un libro de presunta brujería o magia negra.

En el interior del doble cuerpo vemos otra imagen de Lilita Arndt junto al candelabro y la calavera, en tono algo difuso. Del otro lado, las líricas de las canciones. Se completa con la data del mail de contacto, año y lugar de grabación, créditos de la composición y el diseño del logo.

La placa trae un fantástico póster en formato A2 con la imagen de la portada en alta definición, un código para descargar el álbum desde la página del sello en formato digital de excelente calidad, y un insert en color negro. El disco en sí pesa 140 gramos, es vinilo de color negro y presenta la particularidad de que los temas figuran invertidos (los detallados en un lado se encuentran en realidad en el otro).  

Los títulos incluídos son "Shadows From the Great Beyond", "Eternal Wheels of Life", "Mystic Schizophrenia", "Condemned to Death" (éstos dos, a nuestro modesto juicio, los dos mejores), "What Waits in the End", "Before the New Dawn Comes" y "Through the Chaos of Voices". La placa dura poco más de treinta y tres minutos.

Qué es lo que entrega musicalmente IESCHURE? Como mencionamos al inicio, Occult Black Metal. Quienes seguimos este movimiento, sabemos que Europa del Este es un lugar fuerte en cuanto a bandas Black y calidad de las mismas. IESCHURE es, precisamente, un producto de mucha calidad, con detalles muy bien cuidados. No es un punto menor el lugar de donde proviene la artista, ni su entorno visual, ni su medio ambiente. Tampoco escapa a nuestra consideración la imagen encantadora, pero con un aura de siniestra oscuridad, que emana de Lilita Arndt. Siempre creímos que algunos estilos (especialmente el Black Metal!) requieren de una imagen a tono... no solamente de buena música. 

Lilita desarrolla en "The Shadow" complejos juegos de voces, alternando por momentos una furia casi demencial e híper aguda, con paisajes calmos, cristalinos, con vocalizaciones rozando lo naíf y angelicales (cabe la palabra?) coros. Impresiona dicha versatilidad.

Los temas son bastante parejos, ninguno destaca mucho sobre los otros. Es una placa corta, que sin dudas te deja con ganas de algo más; para nosotros le faltan al disco al menos dos canciones. Pero como dice el sabio refrán: "lo bueno si breve...".

Hasta la fecha, Lilita sigue sin entregar con IESCHURE un segundo LP, aunque sí lanzó dos e.p.s y un split junto a la banda brasilera Promethean Gate. Pese a la difícilísima situación que vive su país natal, la podemos ver en acción a través de la red. De modo que esperamos, primero: que la invasión rusa a Ucrania cese cuanto antes, para evitar el derrame de sangre de víctimas inocentes. Y segundo: que su gente, y especialmente sus artistas, puedan retomar pronto sus actividades dentro de una vida normal, libre de la demencia de criminales insanos como Vladimir Putin. 

Comentario: Javier Parente, para OXIDO.-

50- MOON CHAMBER "Lore of the Land"

Honestamente, reparamos especialmente en este proyecto británico, debido a la presencia de su vocalista -polaca ella-, Marta Gabriel, miembro fundador de Crystal Viper, una de las mejores propuestas actuales enroladas dentro del Heavy Metal tradicional. De todos modos, lo que MOON CHAMBER toca no es demasiado Heavy, sino más bien se trata de un Hard Rock con fuerte presencia A.O.R.. 

Quienes integran este combo son, precisamente, la mencionada Marta Gabriel en voces y bajo; junto a los también integrantes de Saracen, los británicos Rob Bendelow en guitarras y Paul Bradder en teclados; además del músico sudafricano Andy Green en batería (quien también forma parte de Pagan Altar).

El álbum que nos ocupa es el debut de MOON CHAMBER, quienes se formaron en 2018. "Lore of the Land" fue registrado en los Kosa Buena Studios, en Polonia, durante el año 2019. Fue producido por Bart Gabriel -esposo de Marta, quien también produce las placas de Crystal Viper- y el ingeniero de sonido fue Rafal Kossakowski. Todas las composiciones, diez en total, le pertenecen a Rob Bendelow. 

Tenemos en nuestras manos la edición en vinilo, lanzada por el sello griego No Remorse, en diciembre de 2019. Se trata de la edición en vinilo negro, aunque también existe una -limitada a tan sólo cien copias- en color plateado. Bueno, esta copia nos presenta un arte de tapa diseñado por el artista Roberto Toderico, que lejos de ser una obra excepcional, acompaña en buen modo el contenido del disco. La placa viene dentro de un sobre blanco de papel, acompañado de un insert de cuatro páginas, sencillo pero bien logrado, que nos presenta una foto de la banda (como quinteto, ya que aparece también Richard Bendelow, hijo de Rob y ex integrante de Saracen, quien se incorporara a la banda como bajista en 2019, después de la grabación). Además de la foto encontramos las letras de todos los temas, precedidas de una pequeña intro a cada uno, donde el compositor explica al oyente cada historia contenida en la placa. Cabe destacar que todas las composiciones giran en torno a leyendas medievales británicas, lo cual le brinda un encanto especial a esta obra. 

El listado de canciones se compone de los siguientes títulos: "De Temporum Ratione", "Only", "When Stakes are High", "Ravenmaster" y "We'll Find a Way" (en el lado A del álbum) y "The Nine Ladies", "The Goddess and the Green Man", "Crystal Wind", "The Plague" y "Knight Errant" (en el B). Se trata, como dijimos, de composiciones enmarcadas en un sonido A.O.R. (Adult Oriented Rock, por si alguien no sabe el significado de la sigla), al cual se le suman pasajes de Hard Rock setentero, algo que claramente proviene de las ideas musicales que Bendelow ha plasmado en Saracen; y que realmente conforman un producto sumamente interesante. Podemos afirmar que "Lore of the Land" es un registro exquisito, que difícilmente impacte a la primera escucha, sino que va metiéndose paulatinamente en la mente y el espíritu del oyente, tras sucesivas audiciones. 

Las composiciones son bastante parejas entre sí. No es un álbum de dos o tres hits rabiosos con temas de relleno. Por el contrario, se trata de un viaje subyugante a través de las mencionadas leyendas tradicionales británicas, musicalizadas magistralmente por la capacidad compositiva de Rob Bendelow. La voz de Marta Gabriel, una de las mejores cantantes actuales del universo Heavy Metal, es el atractivo mayor de "Lore of the Land". La joven vocalista, nativa de Katowice, es dueña de poderosas cuerdas vocales que le han valido el mote de la "Dío femenina" dentro de los seguidores de Crystal Viper. Y como ella misma declarara al respecto, estar dentro de un proyecto como MOON CHAMBER, donde puede explorar nuevas vetas (alejadas de sus performances en Crystal Viper), fue uno de los principales motivos que la llevó a aceptar la invitación de Rob Bendelow para formar parte de esta idea.

El lado A del trabajo es tal vez un tanto más "ganchero" que el B, siendo éste un poco más climático. La canción elegida para el video promocional fue "Ravenmaster", lo cual no nos pareció una elección errónea, aunque realmente, también pudieron serlo la mayoría de las restantes... Así de parejo nos resultó "Lore of the Land". Los temas que más nos gustaron: "Knight Errant", "Only", la referida "Ravenmaster", "When Stakes are High" y "The Plague". Todas mayormente de medio tiempo, composiciones clásicas del A.O.R.. Y éste es A.O.R. del muy bueno, recordémoslo.

Escuchamos a Marta Gabriel -artista sumamente prolífica: con su banda principal, también como solista, y asimismo en proyectos como éste- en una entrevista, comentar que la había atraído mucho el trabajar con Rob Bendelow, dado que se definió a sí misma como una muy gran fan de Saracen. Y como mencionábamos antes, el hecho de poder hacer algo que poca relación tenga con su banda principal, Crystal Viper. Lo que ignoramos es si hay planes concretos para un segundo registro y así, brindarle continuidad al proyecto. Esperemos que así sea, dado que sería una mala idea abandonar MOON CHAMBER tras tan sólo un álbum: desde nuestra óptica, se trata de una propuesta a la cual quedan aún muchísimos litros de jugo por extraerle.

Reseña: Javier Parente, para OXIDO.-     

49- La Señal de los Cuatro - Sir Arthur Conan Doyle (libro, Editorial Acme 1970)

En nuestra entrada previa nos encontrábamos reseñando un volumen de la querida y nostálgica Colección Robin Hood, de la Editorial argentina Acme (de la cual además, acompañábamos una brevísima historia). Como nos quedamos con las ganas de seguir por ese rumbo, nos hallamos ahora comentando "La Señal de los Cuatro" ("The Sign of the Four"), libro del célebre escritor y médico escocés Sir Arthur Conan Doyle. Esta obra es protagonizada por uno de los personajes más famosos y reconocidos de la Literatura Universal, nada menos que el sagaz detective Sherlock Holmes. Las novelas de Conan Doyle que presentan a Holmes como principal protagonista, son cuatro: "Estudio en Escarlata" (escrita en 1887), "La Señal de los Cuatro" (1890), "El Mastín de los Baskerville" (1901/2) y "El Valle del Terror" (1914/5).

La edición que tenemos entre manos, como dijimos, pertenece a la inigualable colección argentina editada por Acme, la entrañable Robin Hood, aquélla de las tapas duras amarillas. La portada fue dibujada por el artista Pablo Pereyra, y nos muestra a Sherlock Holmes en primer plano, mientras en el fondo se puede apreciar una postal inconfundible de la ciudad de Londres, con el Big Ben en el centro. El volumen fue impreso en marzo de 1970, o sea que ha superado ya los cincuenta años. Consta de 186 páginas, a lo largo de las cuales se pueden apreciar varias excelentes ilustraciones. Son un total de once capítulos nominados, y esta edición cuenta con la particularidad de no poseer índice.

La trama argumental se desarrolla en Londres, a fines del siglo XIX (más precisamente en el año 1.888); y gira en torno a un tesoro que el padre de una atractiva joven llamada Mary Morstan, ha escondido años atrás, mientras ostentaba el cargo de Capitán de un regimiento británico en India. La muchacha ha estado recibiendo durante el último tiempo varias perlas, muy valiosas, provenientes de manos de alguien que ha permanecido en las sombras. Pero este desconocido ahora le ha manifestado a Mary que desea hablar con ella. Ante los posibles peligros, la dama recurre al reconocido detective Sherlock Holmes para que la asesore y acompañe al encuentro con el sujeto. 

Este resulta ser un tal Thaddeus Sholto, cuyo padre -el Mayor John Sholto- fue amigo del Capitán Morstan. Este individuo tiene un hermano mellizo, llamado Bartholomew. Durante años, estos dos personajes se abocaron a tratar de encontrar el tesoro que el Capitán Morstan escondió antes de fallecer, algo que finalmente, y tras innumerables trajines, hubieron de lograr. La cuestión es que deben compartirlo, según la voluntad escrita del Capitán, con su hija Mary, cosa que Thaddeus ha estado dispuesto a hacer. Pero el gran problema se suscita cuando Sherlock y Mary llegan al lugar donde supuestamente se encuentra el tesoro, un lúgubre sitio llamado Albergue Pondicherry, dado que el hermano de Thaddeus, Bartholomew, ha sido asesinado... y por supuesto, el tesoro ya no está. Lo que se puede describir como el terreno ideal para que el perspicaz Holmes comience a desplegar toda su capacidad deductiva...

Cabe destacar que Sir Arthur Conan Doyle nunca dotó a su Holmes del don de la perfección. Si bien su capacidad, inteligencia, talento e ingenio investigador son cuasi sublimes, el detective vive atormentado por lo que él considera una existencia monótona y carente de sentido y emociones, lo cual lo conduce a sumergirse en el submundo de las drogas pesadas, como la cocaína y la heroína. 

El libro es realmente muy entretenido, como -obviamente, tratándose de semejante Maestro tras la pluma- no podía ser de otra manera. No es un relato demasiado largo, y la traducción llevada a cabo por Ariel Bignami lo confirma como muy ameno y ágil. El escenario de la Londres de aquellos años, con sus calles húmedas, neblinosas y en muchos casos, sombrías, es simplemente encantador y fascinante. Y Conan Doyle nos transporta a las mismas en un viaje del que no quisiéramos ser ajenos, sino poder estar y permanecer allí, asistiendo atentos a toda la acción que en tales callejuelas se va produciendo.

"Alcanzamos a ver un tramo del Támesis, sobre cuyas aguas extensas y silenciosas brillaban los faroles, pero nuestro coche siguió de largo y no tardó en internarse en un laberinto de calles del otro lado...", describe magistralmente el autor. Tan solo con una simple frase como ésa, alcanza para imbuírnos de lleno en la misteriosa atmósfera de esta obra excepcional, que nos traslada a una Londres única e incomparable, para compenetrarnos en el accionar de una de las figuras más emblemáticas de la Literatura; aquélla que ha trascendido, después de tantos años, de generación en generación. El prácticamente infalible Sherlock Holmes... Elemental, Watson. 

Comentario: Javier Parente, para OXIDO.-  

48- El Secreto de Wilhelm Storitz - Julio Verne (libro, Ed. Acme 1957)

No son tantos los libros que hemos reseñado hasta ahora en este espacio, si los tomamos en relación a la inmensa cantidad que hemos tenido la posibilidad de leer, de los cuales un importante número pertenecen a la llamada Literatura Universal, la que comprende maravillosos autores como el ultra famoso Jules Verne (más conocido como Julio en los países de habla hispana). Y de esos numerosos volúmenes a los cuales hemos tenido la grandiosa posibilidad de acceder, muchos pertenecen a una histórica colección literaria argentina, una de las más populares, llamada "Colección Robin Hood", editada a través de la Editorial Acme, desde el año 1941 hasta entrada la década del 90'. Dentro de dicha colección encontramos esta obra del grandísimo autor francés, originalmente aparecida en el año 1910, tras el fallecimiento del escritor, y presentando algunas modificaciones llevadas a cabo por su hijo, Michel Verne.

La principal característica que resalta a la vista en los volúmenes que forman parte de la Colección Robin Hood es su inconfundible color amarillo, sobre el cual los artistas -Ely Cuschié, en este caso- daban forma al dibujo de portada. Hoy en día aparecen como cuasi reliquias en distintos puestos de ventas de libros; ya sea en antiguas librerías, ferias o simplemente a través de plataformas de ventas en internet. Algunos ítems de la colección son verdaderos incunables. No hay un número confirmado de libros, pero se sabe que son poco más de 250.

Vamos al volumen que tenemos entre manos y que hemos elegido para reseñar, "El Secreto de Wilhelm Storitz". Data de marzo de 1957, o sea que acaba de cumplir nada menos que 63 años! La edición cuenta con 220 páginas. Corresponde al número 113 dentro de la colección. La traducción estuvo a cargo de A.J. Grassi. Las ilustraciones internas son obras del dibujante Mauro Cristóbal Arteche. Y también contiene dos dibujos alegóricos a un momento de la acción, a modo de contra-carátula, al principio y final del libro. 

Este consta de 17 capítulos, sin nombres, además de un epílogo. La acción transcurre en el siglo XVIII. A lo largo de la misma se narra la historia de una joven pareja de novios, Myra (húngara) y Marcos (francés). Myra es la hija del Dr. Roderich, un afamado médico perteneciente a la clase aristocrática húngara, pero que a su vez es muy querido por todos sus conciudadanos, en la ciudad de Ragz. Marcos, por su parte, es un joven pintor de fama creciente. 

La acción es relatada en primera persona por Enrique Vidal, que es el hermano mayor de Marcos, y que ha sido invitado por éste para que asista a su boda a llevarse a cabo en Ragz; motivo por el cual Enrique emprende un viaje desde París que es descripto maravillosamente por la pluma del Maestro Verne. Enrique es puesto en conocimiento de que Myra ha tenido, meses antes, otro pretendiente, previo a la aparición de Marcos en su vida, un perturbador individuo de origen alemán llamado Wilhelm Storitz. Este sujeto es hijo de un reconocido químico, Otto Storitz, de quien se dice ha heredado oscuros secretos relacionados con la alquimia. Fortuitamente, Enrique se encuentra con Wilhelm Storitz en su viaje en barco por el río Danubio. Storitz ha despertado cierto temor supersticioso entre algunos pobladores, llegando a atribuírsele fama de hechicero, o brujo.

Lo malo del asunto es que Storitz fue rechazado de plano por la familia de la bellísima Myra, y éste no se ha contentado con esa negativa. El mismo despecho y cierta creciente obsesión por la joven aristócrata lo lleva a insistir, aún ya a sabiendas de la inminente boda de Myra con Marcos. De hecho, Storitz maldice a la pareja, asegurando que si Myra no se casa con él, no lo hará con nadie más. Esto despierta la ira de la familia Roderich, pero muy especialmente del hermano de la señorita, un militar ilustre, el Capitán Haralan. 

La poderosa magia de Verne hace que sea casi imposible dejar de leer este libro una vez comenzado. La agilidad que el autor le imprime a la narrativa es propia de su inmensa fama, y la abundancia de diálogos en el desarrollo, contribuye a que el lector avance casi sin darse cuenta, página tras página. Es impensado no imbuírse de lleno en este singular relato de época; no imaginar y hasta casi tomar parte de la atmósfera centroeuropea -el imperio austrohúngaro, en concreto- del siglo XVIII hacia la cual Verne nos transporta. Es menester mencionar que los hechos van cargándose de intensidad y de un dramático misterio a medida que las amarillentas páginas transcurren...    

Hay en este "Secreto de Wilhelm Storitz" una relación directa entre Verne y otro gran Maestro, el británico H.G. Wells, en referencia a su obra "El Hombre Invisible". Todo lo que puede surgir de semejante mancomunión de talentos, queda de manifiesto en este libro. Que sin dudas no se encuentra entre los más renombrados de su autor, pero que seguro está a la altura de ellos.

Muy recomendable para cualquier seguidor de Verne, sino de la Literatura Universal en general. Y si pueden conseguir alguna de las ediciones de la Editorial Acme, pues... no se trata de una edición más: viene con una cuota extra de encanto!

Comentario: Javier Parente, para OXIDO.-

47- AGHAST "Hexerei im Zwielicht der Finsternis" ("Brujería en el Crepúsculo de la Oscuridad" - 1995)

Lamentablemente la web, muy especialmente youtube, ha visto proliferar desde hace unos años, una serie de videos, críticas o comentarios acerca de este álbum que vamos a reseñar, la mayoría de ellos realizados por gente que no tiene ni idea acerca del movimiento oscuro nórdico, ni del Dark Ambient, ni de la música Ritual, ni siquiera del Black Metal. Estos pseudo comentaristas no son más que una sarta de emos fascinados por las historietas de fantasmas. Quizás deberían estar reseñando grabaciones más afines a sus gustos.

Dicho esto, esperamos que quede claro que la idea es diferenciarnos de todas esas estúpidas historias de espantos para niñ@s, y darle forma a un comentario basado en las características de esta placa única, que se transformó en un álbum de culto, seguramente mucho más allá de lo que sus propias creadoras hubieran imaginado.

AGHAST fue un proyecto de una duración efímera. Prácticamente, tan sólo el tiempo que demandó grabar éste, su único disco, para luego separar caminos y no volver a reunirse nunca más. En ese corto lapso, la artista alemana Andrea Meyer (voz) y la noruega Tanja Stene (teclados y voz), dieron luz (u oscuridad) a una obra que ha trascendido en el tiempo y también los límites de su estilo. Posteriormente, las rápidas desavenencias entre ambas, sumadas al desinterés de Tanja y a la escasa paciencia de Andrea, desencadenaron en una pronta ruptura.

Musicalmente hablando, lo que las dos damas plasmaron en "Hexerei im Zwielicht der Finsternis" ("Brujería en el Crepúsculo de la Oscuridad") es un conjunto de ocho tracks inusualmente creativos, sumamente originales, sobre todo para el momento en el que apareció, enmarcados en una dosis rebosante de oscuridad, sonidos siniestros, vocalizaciones desgarradoras, lamentos mortuorios y atmósferas ultra opresivas. Todos estos elementos conjugados de un modo en que nadie más logró hacerlo, de allí uno de los grandes méritos de AGHAST: su molde lo fabricaron y lo destruyeron ellas mismas.

Tenemos entre manos dos ediciones diferentes de la placa: la primera en CD, lanzada en 1995 por el mítico sello sueco Cold Meat Industry, los máximos especialistas en estos sonidos Ambient, Noise, Rituales, Experimentales, Marciales, etc.; y una reedición fechada en 2013, en un increíble formato picture disc, a través del sello italiano Ordo MCM.
El CD de Cold Meat presenta un booklet de ocho páginas en blanco y negro. El arte de tapa y contratapa, mostrando un bosque neblinoso en horario diurno (en la portada) y al anochecer (en la contratapa). Contiene dos líricas, las de los temas "Sacrifice" y "Das Irrlicht" ("Ese Mal"). Hay un par de lúgubres imágenes de bosques en semi oscuridad, más dos fotografías igualmente difusas de las dos artistas involucradas, quienes aparecen con seudónimos: Andrea es Nebelhexe ("Bruja de la Niebla") mientras que Tanja es Nachthexe ("Bruja de la Noche"). Ambas son las autoras de todas las composiciones. Y como dato anecdótico, cabe mencionar que las dos estaban en pareja con músicos emblemáticos del Black Metal nórdico: Andrea fue la esposa de Tomas Haugen (también conocido como "Samoth", guitarrista de Emperor), mientras que Tanja estaba casada con Gylve Nagell ("Fenriz", baterista y vocalista de Darkthrone).

La edición en picture disc, perteneciente a Ordo MCM, nos trae idéntico arte de tapa y contratapa, incluye un insert, no trae letra de ningún tema, y sí un póster en tamaño A2 y una lámina, ambas con cada una de las artistas en cada cara. El disco en sí, también muestra a Andrea en un lado y a Tanja en el otro.

"Hexerei im Zwielicht der Finsternis" contiene ocho composiciones. "Enthral" es la apertura, una intro que nos avisa lo que va a seguir, ya desde los primeros sonidos. "Sacrifice" y "Enter the Hall of Ice" son dos de los tracks que más se han escuchado del disco. "Sacrifice" está compuesta por Tanja y es una invitación a cometer suicidio para obsequiar tu sangre al Señor de la Oscuridad. Se trata de uno de los temas más ominosos y escalofriantes de una placa que en ningún momento deja de ser precisamente eso: un canto a la oscuridad y a la desesperación. Si "Sacrifice" nos deja con la boca abierta, "Enter the Hall of Ice" es un golpe de gracia a cualquier atisbo de vida. Lenta, con unas vocalizaciones agónicas, se trata de una de las piezas más extremas que hayamos escuchado. No nos confundamos: AGHAST no presenta la violencia de estilos del Metal como el Black o el Death. Lo de AGHAST es una extremidad sónica que apunta directamente al alma, al espíritu, que permite sumergirse al oyente en un mundo sin luz, sin brillo, casi sin vida. "Call from the Grave" cierra la cara A del picture disc, y es el cuarto tema en el CD. Se trata, precisamente, de lo que sugiere el título: un llamado desde la tumba. Si alguien intentara musicalizar tal situación, nunca podría elegir mejor banda de sonido.

La segunda mital del CD (cara B del p.d.) arranca con "Totentanz" ("Danza de la Muerte"), quizás el track más musical del álbum, donde asoman algunas percusiones ritualísticas entre un vendaval de demoníacas risas que nos traen a la mente un aquelarre. Sigue "The Darkest Desire", perturbadoramente erótica, una sucesión de murmullos y susurros que parecen salir de las mismas catacumbas del infierno. 100% Dark Ambient.
La penúltima "Das Irrlicht" nos envuelve en una melodía repetitiva sobre la cual cabalgan nuevamente risas totalmente descarriadas y las voces de ultratumba se entremezclan con imprecaciones envueltas en cámaras de eco totalmente demoníacas. Si el ser humano es capaz de recrear los sonidos de sus más profundos miedos, en esta pista han quedado plasmados.
"Ende" es el cierre del trabajo. Es una outro, de unos dos minutos y medio de duración. Se compone de vocalizaciones en trance ritualístico -registradas al revés- sobre un sonido de cuerdas que lentamente se va apagando, hasta indicar el final de la placa.

Es difícil imaginar cuáles habrán sido las expectativas de las personas involucradas al momento de grabar un álbum como éste. Si tan sólo fueron crear un producto siniestro que nada tuviese que envidiarle al Black Metal (pregonado por sus parejas de aquél entonces); o si realmente imaginaban que podrían llegar a marcar una diferencia tan importante con otros proyectos o bandas embarcadas en una historia similar. Lo cierto es que "Hexerei im Zwielicht der Finsternis" representó una etapa y ha perdurado en el tiempo más allá de cualquier expectativa.

Entre las tantas leyendas que acompañan a este disco, podemos afirmar que realmente las voces fueron grabadas con un obsoleto micrófono que perteneciera al inolvidable Per Yngve Ohlin, alias "Dead", vocalista de Mayhem, fallecido por suicidio a la joven edad de 22 años, en 1991. 

El registro no fue llevado a cabo en una iglesia abandonada, como algunos aseveran, sino, en modo bastante deficiente, en una consola de cuatro canales perteneciente a Fenriz. 

No es comprobable otro mito, el que asegura que un ingeniero de sonido falleció misteriosamente dos días después que el álbum ganara la calle.

Las grotescas recomendaciones de nunca escuchar el disco estando solo y en la oscuridad, son por supuesto, otra de las tantas tonterías que se dijeron en numerosos videos de youtube. Por si hace falta aclararlo.

En resumen, "Hexerei im Zwielicht der Finsternis" es un trabajo discográfico totalmente imprescindible para aquellos que buscan experimentar sensaciones muy alejadas de los cánones establecidos a la hora de escuchar música. Las reacciones que van recorriendo espíritu y alma del oyente van mutando entre la sorpresa, la inquietud y la perturbación... en medio de un inframundo sónico, nos invaden emociones desconocidas e incomprensibles. 

"Hexerei im Zwielicht der Finsternis" es una placa igual a ninguna otra. 

Herética, maligna, agobiante, retorcida, espeluznante.

Reseña: Javier Parente, para OXIDO.-

46- KISS "Unmasked" (1980)

Entusiasmados en reseñar un álbum de la extensa discografía de los mega exitosos y emblemáticos KISS, realmente no imaginamos cuántos seguidores del histórico cuarteto neoyorquino hubieran elegido "Unmasked". No es uno de sus trabajos que hayan gozado de mejores críticas entre los especialistas; ni tampoco fue un furor en ventas. "Rock and Roll Over", "Destroyer" o "Love Gun", representativos de la etapa previa del ultra famoso grupo (1976-77) seguro ostentan mayor prestigio entre los críticos. No nos importa: "Unmasked" es nuestro disco favorito de KISS y aquí procederemos a contarles porqué.

Somos los felices propietarios de la edición LP vinilo que Phonogram, bajo licencia de Casablanca Records, lanzara en Argentina durante 1980. Y nuestro LP está en impecable estado, tras haber girado cientos de veces a lo largo de estos cuarenta años. Sí, es un trabajo que fue publicado el 20 de mayo de 1980, o sea que es un álbum cuarentón, desde hace pocos días. Y sinceramente, seguimos disfrutándolo un poco más cada vez que lo escuchamos.

"Unmasked", que es el octavo registro de estudio de los neoyorquinos, marcó el final de la estadía del baterista Peter Criss , al menos hasta su posterior regreso, en 1996. Los motivos? Sus problemas de adicciones y su bajas performances a la hora de tocar su instrumento. No obstante, Criss aparece en las ilustraciones de la portada, pero sólo a modo de "tributo", según los otros músicos. El baterista entonces en "Unmasked" fue, pero sin figurar en los créditos, el sudafricano Anton Fig.

Empezando por su presentación, el LP posee una de las portadas más originales dentro de la historia del rock, producto de la imaginación del artista Víctor Stabin: muestra una pequeña historia en formato de mini-historieta, en la cual los miembros de la banda son perseguidos por un fotógrafo que trata de mostrar sus verdaderos rostros. No consigue hacerlo, hasta un desenlace en que los músicos se quitan el maquillaje dejando ver sus caras, que no son otra cosa que las mismas que con maquillaje. Muy imaginativa tapa para un álbum, muy diferente a todas sus predecesoras. Obviamente la edición argentina presenta los diálogos en español.

La contratapa nos muestra el listado de temas en ningún orden en particular, y no tal como se escuchan en la placa. "Unmasked" fue registrado en The Record Plant de New York, bajo la producción de Vincent "Vini" Poncia. Los créditos de las canciones muestran a Poncia participando de la composición de las mismas, junto a Paul Stanley, Gene Simmons y Ace Frehley según el título.

De todos modos, el registro se inicia con un tema que no pertenece a los integrantes de la banda, sino al compositor y poli instrumentista inglés Gerard McMahon. Se trata de "¿Is That You?", seguramente uno de los mejores tracks del álbum, sino el mejor. Una óptima apertura! Fue la primera canción que escuchamos en las radios en el momento en el que el disco salió (pese a que no era el simple de difusión), y las sensaciones iniciales fueron que era mejor aún que "I was Made for Loving you", el mega hit radial perteneciente a su predecesor, "Dynasty". Más duro, más intenso, y con la monumental voz de Paul Stanley en absoluto esplendor.

La segunda y tercer pista no son, al menos para nosotros, de lo mejor de la placa. Pero evidentemente los responsables de la discográfica, o los mismos KISS no pensaron lo mismo, porque justamente son las dos canciones elegidas como primer y segundo single: "Shandi" y "Talk to me". "Shandi" es una balada bastante melosa compuesta por Paul Stanley y Vini Poncia; mientras que "Talk to me", una composición mucho más rockera, le pertenece a Ace Frehley. Como un detalle remarcable, la formación que grabó "Shandi" estuvo integrada por Paul Stanley en voz y guitarras, Anton Fig en batería, Tom Harper (el técnico de guitarras) en bajo, y Holly Knight en teclados.

"Unmasked" nos descubre su segundo gran tema en la cuarta pista, "Naked City", compuesta por Gene Simmons, Vini Poncia, Bob Kulick y Peppy Castro (guitarrista de The Blues Magoos). Debe ser el tema cantado por Gene que más nos gusta de toda la discografía de KISS, amén de poseer unas líneas de bajo sencillamente demoledoras. Sin dudas, de lo mejor de la placa.
El último tema del lado A es "What Makes the World go'Round", compuesta por Paul y por Vini Poncia. Un término medio del lado A, a mitad de camino entre los puntos más altos, "¿Is That You?" y "Naked City", en contraposición a los más flojos, "Shandi" y "Talk to me".

El lado B se inicia con una verdadera bomba: "Tomorrow". Uno de los tres mejores tracks; le pertenece a la dupla Stanley / Poncia, pero aquí sí que realmente se inspiraron. Y Paul, bueno, demostrando una vez más el porqué es una de las mejores voces de la historia del rock. "Tomorrow" fue el tercer single de "Unmasked", aunque tal vez debió ser el primero.

El segundo tema del lado B es "Two Sides of the Coin", también el segundo compuesto y cantado por Ace Frehley. Bastante mejor que "Talk to me", desde ya. Las composiciones de Frehley son más simples y directas que las de sus compañeros, pero no tiene la calidad de Paul cantando, ni el carisma de Gene. Después sigue el segundo título de Simmons / Poncia, "She's so European". Otro buen tema en tren rockero, diríamos que por encima de "Two Sides of the Coin".

En cuarto lugar en el orden del lado B, llega el tercer tema que sube al podio. "Easy as it Seems", compuesta por Stanley / Poncia, y otro capítulo para el lucimiento vocal de un Paul Stanley colosal. Junto a "¿Is That You?" y "Tomorrow", las tres mejores de la placa, y las tres cantadas por Stanley.

El cierre del disco llega de la mano del tercer tema cantado por Ace Frehley, "Torpedo Girl", en la misma línea que los otros dos; y finalmente "You're All That I Want", perteneciente a Simmons / Poncia, que si bien es una buena conclusión para el LP, no está a la altura de "Naked City".

Aunque algunos especialistas consideran a "Unmasked" como el álbum con el sonido más pop de KISS, honestamente no estamos de acuerdo. Son composiciones muy gancheras, eso sin dudas, pero creemos que la esencia del material que escucháramos previamente en "Dynasty", sigue estando muy presente. Excelente Hard Rock, sin mayores complicaciones. Y sigue siendo el trabajo de KISS que más nos complace escuchar, de principio a fin.

Comentario: Javier Parente, para OXIDO.-