............... DISCOS FUNDAMENTALES ...............

26- ACCEPT "Balls to the Wall"

2012-01-11T06:00:00.000-08:00

Corría el año 1983, y Argentina, después de la guerra de Malvinas, había descubierto que el Heavy Metal existía.

Unos pocos programas radiales especializados habían surgido en algunas AM de la época, verdaderos precursores en la difusión de bandas y temas absolutamente ignotos por estas tierras. El pequeño furor -si se lo puede denominar así- fue tal, que incluso programas dedicados al Pop y al Rock más light y lavado, terminaron ofreciendo a sus escuchas algún pequeño bloquecito de dos o tres temas con verdadero sonido metálico. Uno de esos programas se llamaba "9 PM: El Control de la Noche", y lo conducían los jóvenes y prometedores Lalo Mir y Elizabeth Vernacci. Fue allí donde quien les escribe escuchó por primera vez a ACCEPT.

Fueron sucesivamente dos temas, en dos noches diferentes, denominados "Contra el Paredón" y "Los Muchachos de Cuero de Londres"... Si, claro, en aquélla primera mitad de los dorados 80's, los locutores radiales nos traducían los nombres de los temas, y las editoras de discos, también lo hacían en los correspondientes sobres o láminas de cassettes. Cabe destacar que los más importantes sellos del momento, como EMI o CBS, estaban aprovechando estos días de gloria (y moda, considerarían ellos) lanzando al mercado ediciones nacionales de unos cuantos álbumes.

Aquellos coros demoledores... aquélla voz chirriante y desgarrada de un tal Udo Dirkschneider me produjeron -instantáneamente- sensaciones que ninguna de las otras bandas que sonaban en esos momentos -Judas Priest, Quiet Riot, Ozzy Osbourne, Fastway, Motley Crue- habían logrado transmitirme. No, esto iba mucho más allá, esto era poder puro, un increíble tanque alemán aplastando oídos y neuronas...

Había que salir a buscar el cassette o el vinilo de esta gente, a como diera lugar... Varias semanas tardé en encontrarlo, en las disquerías de Buenos Aires era casi imposible hallarlo, hasta que el milagro se produjo en una extinta casa de discos ubicada dentro de la Estación Once, frente a Plaza Miserere... "Pá, má... por favor, cómprenme este cassette!!!!!!!"... Claro, quien les escribe era un niño / adolescente aún, que todavía estaba lejos de ganarse su propio sustento.
Y pese a que a papá no le gustó ni medio la portada donde se veía una entrepierna masculina y una mano apretando una pelota, me debe haber visto tan desesperado que accedió a mi pedido... Finalmente, el único ejemplar de "Balls to the Wall" que existía en Buenos Aires (?), editado en Argentina por CBS Columbia, me pertenecía...!!!

Llegar a casa y poner el cassette en el reproductor fue uno de los momentos musicales más emocionantes que aquellos años me depararon... Tan sólo quería escuchar los dos primeros temas, "Balls to the Wall" ("Contra el Paredón") y "London Leatherboys" ("Los Muchachos de Cuero de Londres")... Allí estaban, por fin eran míos, ya no dependía de que ningún programa radial tuviese la voluntad de ponerlos al aire, ya podía escucharlos cuantas veces quisiera.
Y deben haber sido más de cien consecutivas... Primero "Balls to the Wall", luego "London Leatherboys", una y otra vez...

Superada la emoción inicial, varias escuchas después, empecé a interesarme en el resto de las canciones, y en saber quiénes eran estos tipos que dejaban a las otras bandas Heavys de la época a la altura de cualquier blandengue grupito Pop... Quienes tocaban esas dos guitarras demoledoras, abusivas, totalitarias? Y quienes hacían esos endemoniados coros capaces de resquebrajar cualquier mandíbula?? Así me fuí enterando de que el vocalista era este tal Udo Dirkschneider, cuya voz cascada y visceral no era parecida a la de ningún otro cantante, superando con esos agudos al mismísimo Brian Johnson, el fulano que acababa de reemplazar a Bon Scott en AC/DC... Los guitarristas se llamaban Wolf Hoffman y Herman Frank; el bajista era un sujeto llamado Peter Baltes, y el baterista respondía al nombre de Stefan Kaufmann... Los coros los hacían ellos mismos: Hoffman, Frank y Baltes... Cómo podían estos germanos hacer alarde de tanto poder sónico...???

Qué enorme disco resultó ser "Balls to the Wall", por favor. El mote de "obra maestra" le queda pequeño. Uno de los álbumes de mi vida, al cual hoy, en pleno 2012, casi treinta años después, sigo escuchando y disfrutando tanto como aquélla lejana noche de 1984, como esa primera vez.

No hay canciones de relleno en "Balls to the Wall", ni una sola, ni remotamente. Las diez composiciones son totalmente adrenalínicas, gancheramente poderosas. Esos estribillos, esos puentes... Ese sentimiento puesto de manifiesto por Udo, en el que ha sido seguramente el pináculum de su carrera... La suma de estos elementos conforman un todo casi insuperable.

"Balls to the Wall" es el quinto álbum de estudio de ACCEPT.
Apareció originalmente a principios de diciembre de 1983, explotando su popularidad durante el año siguiente. Sus canciones son singularmente buenas, sumamente parejas, conformando un trabajo sin fisuras. En tren de elegir, me quedo con las dos previamente mencionadas, lógicamente; seguidas por "Guardian of the Night", "Head Over Heels", "Losing More Than You've Ever Had", "Turn me on" y "Losers and Winners" -o sea, casi todas-, donde las vocalizaciones de Dirkschneider y los implacables coros se lucen constantemente (nadie podía hacerlos igual!); dejando una mención muy especial para la canción diferente de la placa, la que cierra la misma: "Winter Dreams". Esta es una de las mejores baladas metálicas de todos los tiempos, aunque no haya tenido la promoción de las famosas "Still Loving You" o "Winds of Change" de sus compatriotas Scorpions. 100% sentimiento, en extremo climática y conmovedora.

La primera mitad de la década del 80' representó el momento más dorado para el Heavy Metal, de hecho muchos de los mejores álbumes fueron grabados en aquéllos inolvidables años. Dentro de esos discos que continuarían brillando generación tras generación, manteniéndose inoxidables, está "Balls to the Wall".

Si te gusta el Heavy Metal y no escuchaste esta placa, te estás perdiendo de una porción fundamental de la historia de este movimiento.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

25- MOTLEY CRUE "Dr. Feelgood"

2012-01-03T06:07:00.000-08:00

El Glam Metal (o Hair Metal), un estilo influenciado en imagen por el Glam Rock original de los '70 ( Kiss, Alice Cooper) surge a fines de esa decada, principalmente en Los Ángeles (California).

Hablando en líneas generales, el Glam Metal se caracteriza por su lírica enfocada al sexo, alcohol, drogas y placer. Musicalmente, en sus canciones destacaban los riffs de guitarra, solos, y melodías pegadizas.

Este estilo logró popularidad en los 80’, especialmente desde la mitad de la década.

Podriamos mencionar bandas como WASP, Ratt, Stryper y Motley Crue, entre otras tantas.

La movida perdió popularidad a comienzos de los noventa, aunque algunas agrupaciones siguen en actividad en el presente, y otras más actuales intentan revivir el estilo, pero incorporando elementos -tanto musicales como visuales-, de otras variantes musicales.

Ya casi terminada la década Glam, más precisamente en el año 1989, una de las bandas mas representativas y populares de la escena, Motley Crue, integrada por Vince Neil (voz), Nikki Sixx (bajo), Tommy Lee (bateria) y Mick Mars (guitarra), lanza su quinta placa: "Dr Feelgood", después de lograr su sobriedad (todos los miembros de la banda entraron en rehabilitación, excepto Mick, quien se rehabilitó por sí mismo).

El cuarteto nacido en 1981 venia en permanente ascenso. Por el año 1987, la placa "Girls, Girls, Girls" los había llevado por varios paises del mundo con un exitoso tour. Pero con "Dr Feelgood" lograron su pico de popularidad. Ese año el disco se convirtió en su único álbum No. 1, y se mantuvo en el Top 100 de Billboard por 109 semanas después de su lanzamiento.
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Sixx y Mars compusieron casi todos los temas, y Bob Rock (que habia trabajado ya con Bon Jovi entre otros, y que hoy cuenta con un curriculum que incluye a Metallica, Skid Row, The Cult y muchos mas) produjo esta placa, que superó las seis millones de copias vendidas, sólo en Estados Unidos.

El disco se inicia con "T.N.T. (Terror 'N Tinseltown)", una especie de intro.

Las letras de las canciones tratan principalmente de drogas, sexo y relaciones amorosas.

En cuanto a lo primero hay dos temas que hoy en día están entre los mas grandes clásicos de la banda. "Dr Feelgood" ("Dr. Sentirse Bien", la cual mas allá de la traducción, se refiere a la cocaina y a la heroina), que cuenta la historia de un traficante y su decadencia, y tiene su tinte de apologia. Frases como ‘’dejame introducir en ti algo realmente bueno’’ o la mención a la ‘’Candycaine’’ -que es un juego de palabras entre "candy" ("caramelo") y "cocaine" ("cocaina")-, lo demuestran. El mencionado, al igual que temas como "Girls, Girls, Girls" ("Chicas, Chicas, Chicas" del homónimo de 1986) -entre otros-, hacen alusión a distintos lugares de California (bares, clubes de strippers y zonas de la ciudad) donde frecuentaban los Crue, y demas personajes de la época.
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"Kickstart My Heart" ("Patea mi Corazón"), escrito por Sixx: el 23 de diciembre de 1987, Nikki sufrió una sobredosis de heroína casi fatal. En el camino al hospital fue declarado muerto, pero un médico decidió darle dos inyecciones de adrenalina al corazón, con lo cual resucitó. Esa experiencia le sirvió de inspiración para la canción referida.
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Referente al sexo, elemento característico de muchas letras (no solo de Motley Crue, sino de todo el Glam), varios tracks se refieren a ello: "Sticky Sweet" ("Dulce Pegajosa") cuenta las virtudes de una mujer que es objeto de deseo. También las féminas son centro de distintas situaciones en algunos temas de la placa, por ejemplo en "Slice of Your Pie" ("Rebanada de tu Pastel"). Las chicas muestran sus dotes sexuales en "Rattlesnake Shake’’ (algo asi como "La Serpiente de Cascabel que se Agita"), que compara el movimiento de la serpiente con el de una mujer. ‘’She Goes Down" ("Ella va Abajo") describe íntimos momentos con damas en los que ellas deben bajar, imaginense adonde. "Same Ol' Situation" ("Misma Vieja Situación") trata sobre lo superficial de algunas relaciones, algo asi como solamente sexo sin nada de amor.
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Tambien hay lugar para los corazones rotos en "Without You" ("Sin ti"), una balada que es una declaración de amor de alguien que perdió a su amada. Y si de baladas hablamos, una de las mas destacadas del cuarteto, ’’Don't go Away Mad’’ (Just go Away)" ("No te Vayas Enojada, Sólo Vete"), describe una relacion amorosa y la decision de terminarla, dando las razones de la ruptura, parece la canción ideal para cantarle a una novia antes de romper con ella.
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El disco cierra con ‘’Time for Change" ("Momento Para el Cambio"), que refleja la visión de Nikki acerca de los acontecimientos de ese entonces.

El registro mas exitoso -en todo sentido-, de la historia de Motley Crue. Posteriormente la banda paso por cambios de miembros, separación y demás conflictos. Pero hoy en dia se encuentran activos, contando otra vez con la formación original, la misma que grabó este "Dr Feelgood", e incluyen en el setlist en sus presentaciones varios temas de este trabajo.

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Comentó: Iván Marchesani, para OXIDO.-

24- WITHIN TEMPTATION "The Unforgiving"

2011-11-25T10:42:00.000-08:00

Bueno... A nuestro humilde entender, consideramos que WITHIN TEMPTATION logró lo que a priori parecía una empresa imposible: superar -o al menos equiparar- a su álbum previo de 2007, "The Heart of Everything", con este quinto trabajo de estudio aparecido a fines de marzo de 2011: "The Unforgiving". La tarea parecía ímproba dado que "The Heart of Everything" es un disco simplemente genial, plagado de excelentes canciones de principio a fin... cosa que "The Unforgiving" también resultó ser! De modo que sólo queda la opinión del oyente para decidir si le gustan más las canciones de aquélla placa o las de ésta. Intentar analizarlas desde el punto de vista de su calidad es una tarea poco útil, dado que dicha calidad está sobreentendida y es demasiado notable en casi todos los tracks de ambos registros; de modo que simplemente resta dejar que el fan exprese sus gustos.

"The Unforgiving" ha sido editado por la discográfica americana Roadrunner, y pese a que estuvo originalmente planeado para el año 2009, recién fue grabado durante el transcurso de 2010, debido al nacimiento del segundo hijo de la vocalista Sharon Den Adel y del guitarrista Robert Westerholt. El productor elegido fue el sueco Daniel Gibson.

El detalle más relevante de "The Unforgiving" es que se trata de un álbum conceptual (todos los temas giran en torno a una historia central) basado en un comic del mismo nombre, escrito por Steven O'Connell. El personaje fundamental es Sinéad, tal el título de uno de los principales hits de la placa.

Los músicos que trabajaron en las grabaciones del disco fueron: Sharon Den Adel en las voces, Robert Westerholt, Ruud Jolie y Stefan Helleblad (sesionista) en guitarras, Jeroen Van Veen en bajo, Mike Coolen en batería, Martijn Spierenburg en teclados y Nicka Hellenberg (sesionista) en percusiones. Los autores de casi todos los títulos son el trío Den Adel / Westerholt / Gibson, a quienes se les suma en algunos tracks el tecladista Spierenburg.

"The Unforgiving" ha tenido una gran recepción de parte de crítica y público, significándole a la banda muy buenas ventas del mismo en todo el mundo. Sus mejores posicionamientos en los charts han sido en el Reino Unido (nº 1), Holanda, su país de origen (nº 2), Bélgica, Finlandia y Portugal (nº 3) y República Checa (nº 4).

Indudablemente, la gran estrella en "The Unforgiving" es la cantante y compositora Sharon Den Adel, a esta altura la mejor vocalista del estilo. Quizás Sharon no posea la voz más poderosa de la escena, pero no nos cabe duda de que es quien mejor sabe usar lo que tiene. Su talento es infinito, tanto en lo concerniente a interpretación, composición y actuación sobre los escenarios. A lo cual debemos agregar una cuota extra de carisma, algo que muy pocas de sus colegas consiguen ostentar a tal nivel.

Por otro lado, hay que resaltar el inusual nivel compositivo del dueto Den Adel - Westerholt, a quienes se suma el productor Daniel Gibson, para dar vida a once bombásticas canciones (más una intro bastante insignificante) que no tienen desperdicio; siendo allí donde radica otro notable mérito de "The Unforgiving": aquí no hay canciones de relleno, como tampoco las tenía "The Heart of Everything". Cuántas bandas pueden darse el lujo, hoy en día, en medio de tanta saturación musical, de editar álbumes con semejante homogeneidad en el tracklist? Sin dudas, muy pero muy pocas.

Si hablamos de los músicos que acompañan a Sharon en WITHIN TEMPTATION, siempre es destacable el todo por sobre las individualidades; hecho que contribuye a transformar a estos holandeses en una sólida máquina creadora de hits, perfectamente ejecutados. En tren de mencionar a alguno, le daríamos un punto más de mérito al tecladista Martijn Spierenburg y al mismo Robert Westerholt, responsables en gran medida de ese sonido tan ganchero y distintivo que estos oriundos de Waddinxveen han sabido lograr.

En cuanto a las canciones, lo dicho: no hay temas insípidos en "The Unforgiving". Hay, si, algunas composiciones que se destacan por sobre otras, más que nada por su condición de pegadizos éxitos radiales aptos para todo público. Obviamente, poco tiene que ver este nuevo trabajo de WITHIN TEMPTATION con sus primeros registros, "Enter" o "Mother Earth". El Metal va quedando cada vez más por el camino, para dar lugar a este omnipotente Rock Sinfónico con tintes Góticos. Honestamente, si van a seguir grabando CDs como éste, igual no extrañamos para nada al Metal.

A nuestro modesto juicio, los mejores pasajes del disco están dados en los megahits "Shot in the Dark" y "Sinéad", dos de las mejores canciones que hemos escuchado en mucho tiempo. A ellas hay que sumarles el primer single "Faster", más las fascinantes "Iron" y "A Demon's Fate". Estas cinco piezas componen la columna vertebral de "The Unforgiving": singularmente melodiosas, con estribillos y puentes irresistibles, siempre bajo el sello de calidad de la preciosa voz de Sharon. En un segundo escalón, se pueden nombrar a "In the Middle of the Night", "Where is the Edge" y la balada "Lost". Y hasta aquí ya hemos nombrado tres cuartas partes del disco, diciendo que estamos mencionando solamente lo más destacado... Pueden hacerse entonces una clara idea del nivel creativo de esta obra.

Sin vacilar podemos decir que WITHIN TEMPTATION consigue con este quinto registro -y a quince años de su formación-, quedar posicionada como la banda más importante del llamado Gothic Metal, trono que comparte con Nightwish. Ninguna otra agrupación ha demostrado la capacidad de estos holandeses para componer y crear tan bellas canciones, excepto el combo finlandés de Tuomas Holopainen. En todo caso, el plus con el que cuenta WITHIN TEMPTATION se llama Sharon Den Adel: es soprano/mezzosoprano, nunca tuvo entrenamiento profesional para su voz, diseñadora de modas, tiene treinta y siete años, tres hijos, y la más cálida capacidad interpretativa del planeta.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

23- César Aira "EL MARMOL" (Libro)

2011-09-30T05:18:00.000-07:00

Deliremos, Señores.

Convengamos. Aira tiene una asquerosa tendencia a irse al mismísimo pasto. En otras palabras, establezcamos que tiene un tiempo compartido en el pasto en el que invita a sus lectores a pasar una
temporada o dos. Es que en su genialidad literaria y dulcemente porteña, Aira encara las inserciones únicas del absurdo, construyendo una historia de trivialidades que destroza con otras inserciones de lo ridículo. Entiéndase: de pronto aparecen alienígenas. O robots. O algún delirio místico de ese tipo. “El Mármol” no es la excepción.

Como tomando la madeja de la punta e intentando desenrollar el ovillo, el yo literario de César Aira busca explicarse a sí mismo cómo cazzo terminó mirándose sus joyas familiares sentado encima de un mármol sin razón aparente. Esta mayéutica que busca recuperar el recuerdo, atraviesa los caminos más meandrosos cuestionándose, incluso, las características de la propia alma humana, relacionándolas con las baratijas que pueden conseguirse en los supermercados chinos del barrio de Flores. O sea, un flash. Es que el narrador, un jovato mantenido por su mujer psicoanalista, comienza una búsqueda que gira alrededor de los globulitos de mármol que suelen darse como vuelto en los supermercados chinos de Buenos Aires. Un joven oriental es su guía y conocedor de las reglas de esta búsqueda del tesoro ecléctica, y arrastra al narrador por los sitios más inhóspitos.

Sí, eventualmente, y después de tanto ácido, el narrador descubre exactamente qué hacía con los lienzos bajos en un ambiente público, en caso de que les interese. Una obra delirante, para leer escuchando a Zappa y volar transportándose en las palabras de un autor que ciertamente sabe cómo mecer la pluma.

Comentó: Gabriella Botello, para OXIDO.-

22- ARJEN LUCASSEN'S STAR ONE "Live on Earth"

2011-09-29T12:25:00.000-07:00

"Star Trek" del Metal!

Que el rótulo de un género responda al nombre de "Space Metal" dentro del Heavy Metal en general, y del Progressive Metal en particular, suscita mínimamente escepticismo por parte del oyente metalero, obsesionado con la masculinidad de su música. Puedo comprobar fehacientemente que perseguir a Beto Vázquez dentro de la Galería Recamier por tres semanas para conseguir un disco de Space Metal generó, cuanto menos, cejas alzadas en la eterna cara barbuda del heavy promedio que pulula cual mosca enfundada en cuero y tachas en la sección Progressive Thrash Metal de la mencionada tienda de Vázquez.

Derribando todo preconcepto arcaico de que el vestuario uniformado en tonos plateados y bronces es ligeramente homosexual, “Live on Earth” de Arjen Lucassen’s Star One Project va más allá de desmitificar las cuestiones estilísticas del vestir, sino que demuestra que un disco técnicamente superior puede venir acompañado de una narración.

Partiendo de un –probable- escenario ubicado en la inminente destrucción de la tierra, a la que sobreviene la "Gran Migración de Almas" (incredibilísimo track 7 del primer disco), “Live on Earth” aborda cuestiones de la narrativa y la ciencia ficción nunca jamás intentadas en un disco del género Metal. Ya el mismísimo título del álbum nos hace partícipes de un evento fantasiosamente intergaláctico, tomando como si el recital grabado en Rijssen, Holanda, fuera un evento espacial y proveniente del futuro. La epifanía futurista de Lucassen posee la maravilla de un hilo narrativo conciso, que une temáticamente la obra desde el primer tema del primer CD hasta el séptimo del segundo, encerrando entre placa y placa una calidad de sonido francamente formidable. La cantidad de dinero y tiempo de edición puede alcanzar niveles astronómicos, pensando que se trata de un registro grabado en vivo.

La segunda cualidad que distingue claramente esta obra de otras, es el rejunte all star del Metal Progresivo: el "Arjen Lucassen y amigos" descolla por su franca superioridad técnica. “Sir” Russel Allen, la formidable y excelsa voz de Avantasia, Symphony X y Ark, acompaña a las gemelas Floor e Irene Jansen, sopranos de las "leyendas" del Metal After Forever y Ayreon. Damian Wilson, quizás uno de los barítonos más reconocidos y característicos de la escena con Threshold, fusiona perfectamente con Robert Soeterboek, también miembro de Ayreon. La maestría en la guitarra está en los dedos más rápidos del este: Arjen Lucassen, organizador del proyecto, maravilla con la perfección técnica y superioridad en velocidad enfundado en una camiseta plateada. Joost van den Broek en teclados, Peter Vink y Ed Warby en bajo y teclados respectivamente, completan este descollante elenco que logra un increíble balance, tarea difícil considerando la pileta de talentos que se encuentran en Arjen Lucassen’s Star One Project.

Los fantásticos 115 minutos de virtuosismo musical se apoyan en un público que enloquece con cada nota y que corea, a puro grito, todos los temas. Baladas de la mano de Russel “MuchoMacho” Allen, piezas más bien clásicas extraídas de las prodigiosas cuerdas vocales de las Jansen y gloriosos arreglos corales llevan al oyente por un viaje extrasensorial e intergaláctico épico y altamente recomendable. A disfrutar.

Comentó: Gabriella Botello, para OXIDO.-

21- HARPOON "Tu Mismo Pensar"

2011-09-07T04:59:00.000-07:00

HARPOON es una batalladora agrupación argentina formada hace más de quince años, oriunda de la ciudad bonaerense de José C. Paz, cuya orientación musical mira decididamente hacia el denominado Metal Argento, esa especial vertiente que abreva en legendarias bandas nacionales tales como V8 o Hermética.

Formados en 1995, su actual line up cuenta con Ramón Duré en las voces, Alejandro Burgos y Hernán San Martín en guitarras, Rafael Florentín en bajo y Daniel López en batería.
A lo largo de estos diesiséis años, han editado tres trabajos discográficos oficiales: "Grito de Rabia" (originalmente aparecido en cassette en el año 1998, luego reeditado en formato CD por el sello Hurling Metal Records), "Batalla Eterna", de 2006; y el reciente "Tu Mismo Pensar", que va a ser la placa que comentaremos, lanzada durante este 2011 por MTM Producciones.

Al momento de hablar de HARPOON, trataremos de sacarnos la camiseta que nos une a este peculiar sub-estilo dentro del Metal, por el cual sentimos gran simpatía; especialmente por aquéllas bandas con líricas de corte social / contestatario, dentro de las cuales se anotan estos nativos de José C. Paz.

Habiendo disfrutado muchísimo de los dos previos registros del quinteto, la primera diferencia que nos surge a la vista pasa por el arte y la gráfica del nuevo CD: sin que sea la portada más original del mundo, la misma atrapa, interesa desde el vamos, y nos hace pensar en un producto más "internacional" -si es que cabe el término- que los dos anteriores redondos del grupo.

Yendo al aspecto estrictamente sonoro, "Tu Mismo Pensar" fue grabado en Virtual Estudios y cuenta con quince tracks de puro y bombástico Metal combativo, tal como nos gusta a los redactores de este blog. Sonido macizo, contundente, sanguíneo y sin pretensiones de virtuosismo es lo que hallaremos a lo largo de los cincuenta y cinco minutos de música que nos esperan. Vamos pues, al desglosamiento de cada uno de los títulos:

1-"Cuenta Final": Excelente elección para arrancar el disco. Melodía pegadiza, guitarras gancheras y contundentes, Ramón poniéndole toda la garra; uno de los mejores temas de la carrera de HARPOON!
2-"Porqué": Composición contundente y rápida, con algunos cortes y cambios de ritmo. Menos adictiva que su predecesora, pero con un muy buen estribillo.
3-"Me Da Igual": Pieza rápida de Metal tradicional con mucho aire ochentero; se lucen especialmente las violas de la dupla Burgos / San Martín.
4-"Mi Espíritu": Este tema cuenta con un estribillo a media marcha con tintes épicos, con el típico mensaje positivo que transmiten las letras de la banda. HARPOON es una agrupación combativa, pero nunca su mensaje es derrotista.
5-"Tu Mismo Pensar": Esta es la canción que da título al álbum: rápida, poderosa y con un punch directo a la cara del oyente. Muy buena labor de la batería, destacable!
6-"Una Señal": Una de las mejores propuestas de la placa; aunque algo atípica dentro de la discografía del quinteto: ritmo de medio tiempo, con una letra de corte más personal. Uno de los dos temas más lentos del disco.
7-"Cuando Las Llamas Queman": El mejor pasaje del CD, a nuestro modesto entender. Mucho poder Argento, la mejor interpretación vocal de Ramón Duré, el mejor puente, el mejor estribillo. Hacía rato que no escuchábamos algo tan bueno dentro de esta vertiente!
8-"Centinela De La Bestia": Otra bomba de poder, uno de los tracks más crudos e intensos de la obra. No da respiro.
9-"Nuestra Posición": Esta canción posee un groove bastante peculiar, diferente al resto. Ritmo a medio tiempo sin perder poder ni intensidad, más un atractivo solo de guitarras.
10-"Algo Se Está Gestando": Intenso machaque con toques Speed en algunos tramos. Nos gustó especialmente la labor de batería de Daniel López, maciza y precisa.
11-"Arrasarán La Tierra": Líricas apocalípticas pero con cierto toque de esperanza; la pieza muestra claros toques de Heavy Metal clásico ochentero. Puro poder.
12-"Si Un Sol No Alcanza": El track más lento de "Tu Mismo Pensar". Ramón nos muestra unos arreglos de voces muy notables, que personalmente no nos disgustaron para nada.
13-"Hijos Del Rock": Como su título lo especifica, una apología en defensa de las bondades del Rock'n'Roll... Interesante melodía, más algunos eficaces aportes de guitarras.
14-"Casi Me Mato": Cover de la banda española por excelencia: Barón Rojo. Originalmente incluída en el Tributo Argentino a dicho combo. La versión es un tanto más rápida que el original, pero en líneas generales es muy respetuoso del mismo.
15-"Bombas Que Caen": Este es un antiguo material de HARPOON aparecido en su momento en uno de los compilados "Nahuel", incluído aquí como una especie de bonus track. No nos parece una de las mejores creaciones de los de José C. Paz, en realidad creemos que todo el nuevo material está por encima de esta propuesta de cierre.

Resumiendo: Un gran disco de Metal Argento -el Heavy argentino por excelencia-, con ese sonido que no se parece al de ninguna banda de otro lugar del orbe. Este "Tu Mismo Pensar" -por creatividad, crudeza y visceralidad- está muy por encima de las últimas grabaciones de las bandas líderes del estilo, aunque HARPOON no goce de la misma prensa que otros colegas. Si te gusta el Metal simple, ganchero, poderoso y con garra, éste es el mejor álbum nacional del 2011!

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

20- AMORPHIS "Skyforger"

2011-02-26T05:49:00.000-08:00

AMORPHIS es una banda que acaba de cumplir -el año pasado- la nada despreciable cifra de dos décadas de historia. Oriundos de Helsinki, la capital finlandesa, este sexteto que ha mutado desde su Death Metal primigenio hacia un grandilocuente Metal Progresivo, se encuentra hoy en día conformado por los miembros fundadores Esa Holopainen y Tomi Koivusaari en guitarras, y el baterista Jan Rechberger. A ellos se han sumado el increíble vocalista Tomi Joutsen (sin duda alguna uno de los mejores cantantes del panorama internacional), el tecladista Santeri Kallio (responsable en buena medida del monumental sonido de la banda) y el bajista Niclas Etelavuori.

Este es el line up que grabó -durante la primera mitad de 2009- el portentoso registro que hoy nos ocupa: "Skyforger", noveno larga duración de AMORPHIS, editado por Nuclear Blast y licenciado en Argentina para el prestigioso sello Icarus.
Ha sido registrado en los estudios Sonic Pump de Helsinki, y producido por el famoso bajista de Nightwish Marco Hietala (quien aporta algunos coros) y por Mikko Karmila.
"Skyforger" -al igual que todas las obras de AMORPHIS- basa sus líricas en el Kalévala, libro tradicional finlandés.

Para nosotros, "Skyforger" es el mejor registro de estos finlandeses, superando por lejos al gran clásico del grupo: "Tales From The Thousand Lakes", de 1994, álbum que supo deslumbrar al mundillo Metal por su -por entonces revolucionaria- mezcla de voces guturales con teclados orquestados. Hay muy buenos trabajos dentro de la discografía de AMORPHIS, tales como "Eclipse" o "Silent Waters", los dos álbumes previos al que nos ocupa; pero ninguno posee un nivel compositivo tan parejo como "Skyforger", el cual puede ser considerado como una verdadera catarata de hits radiales.

El CD abre con cuatro temas impresionantes, a saber: "Sampo", "Silver Bride", "From The Heaven Of My Heart" y "Sky Is Mine". Créanme si les digo que no salía de mi asombro al escuchar esta seguidilla, la cual exprimí hasta el hartazgo repitiéndolos una y otra vez. El trabajo vocal de Tomi Joutsen es absolutamente inolvidable: en él recae gran parte del peso del álbum, dada su enorme calidad interpretativa. "Silver Bride" es el más hitero de todos, pero el nivel de estas cuatro canciones es realmente muy parejo. Fascinantes estribillos, logradísimos puentes, impecables melodías de guitarras, altísima inspiración. Y el plus de un cantante como Joutsen, imprimiéndole su sello a cada composición.

"Majestic Beast" es uno de los temas más pesados del disco, con preponderancia de las voces guturales por sobre las limpias, y es una buena muestra de la versatilidad y el ancho espectro que pueden abarcar hoy en día tanto Joutsen como los instrumentistas. Igualmente, desde nuestra humilde óptica, con "Majestic Beast" se inicia el sector menos atractivo del álbum, el cual comprende la trilogía de esa pieza más las dos que le siguen, "My Sun" (la más lenta del CD) y "Highest Star". No es que las tres susodichas no sean buenas: de hecho, seguro que serían cortes de difusión en más de un disco del estilo, pero a nuestro entender son las menos atractivas de "Skyforger".

El vuelo de la placa vuelve a tomar definitiva altura a partir del octavo track, el que le dá título a la obra. "Skyforger", el tema, está a la altura de las cuatro primeras, siendo una energizante fuente de poder sonoro y de buen gusto. Otra vez Joutsen se lleva las palmas más fervorosas, aunque el desempeño de Esa Holopainen alcanza auténticos niveles de exquisitez. "Course of Fate" y "From Earth I Rose" están un peldaño más abajo, pero igualmente alcanzan picos altísimos de creatividad, con excitantes estribillos y un parejo nivel en las melodías, siempre superlativas y muy cuidadas.

Finalmente, en la edición argentina la placa se cierra mediante un bonus: "Godlike Machine", la cual pese a ser eso: un bonus, consideramos por encima de aquéllas tres canciones del medio del disco a las cuales hacíamos alusión un par de párrafos más arriba.

Para resumir: un CD cien por ciento recomendable para cualquier clase de público que ame la buena música, dentro o fuera del Metal. Una obra que desborda brillantez por donde se la aprecie; otro ladrillo más en la pared consagratoria que ha sabido construír AMORPHIS, sin dudas una de las mejores bandas de nuestro tiempo, en cuya evolución radica su secreto.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

19- ROTTING CHRIST "Aealo"

2011-02-09T05:02:00.000-08:00

ROTTING CHRIST (combo oriundo de Atenas, Grecia, formado en 1987) nos tiene acostumbrados a obras fantásticas, matices históricos y mucha descarga a la hora de tocar. Tras mucha espera desde su anterior trabajo, durante 2010 nos sorprende con este nuevo larga duración denominado "AEALO". Recordemos que la banda obtuvo mucha repercusión y renacimiento -por así decirlo-, con "Theogonia", editado en 2007.

Primero, comenzemos a descubrir porqué "AEALO"?

Sakis (frontman y vocal) mismo reconoce esta nueva visión de la agrupación, consistente en mirar hacia las raíces de la tradición griega antigua, lo que se traduce en una gran carga de elementos musicales autóctonos. Este álbum cuenta con un exclusivo aporte, el Coro Tradicional Pliades, originario de Ipiros, el cual se dedica mayoritariamente a cantar en funerales. El mismo ha prestado su arte para introducir en "AEALO" un aire ancestral consagrado al tema central del disco: los sentimientos del guerrero durante la batalla. "AEALO" es la transcripción al alfabeto latino de una antigua palabra griega que significa catástrofe, destrucción o arrasamiento. Y este registro sonoro representa todo eso.

Se ve notablemente el crecimiento de la banda a nivel musical y compositivo; este "AEALO" viene continuando ya una saga iniciada con "Theogonia", siempre en la visión del guerrero y en los sonidos que cuando uno -personalmente lo digo-, cierra los ojos, se transporta hacia ese mundo bélico.

Sakis es indudablemente un vocalista muy completo; debido a su variado rango vocal, que muy pocos músicos de la escena poseen. En realidad ROTTING CHRIST tiene un plus que la coloca como una gran formación al contar en sus filas con Sakis. También es destacable la labor de la guitarra de Giorgos; estos griegos siempre se caracterizaron por el sonido de las seis cuerdas, tan distintivas para ellos.

Como mencionamos anteriormente, en este CD colaboró el Coro de Pliades, pero también contó con una participación muy especial: estoy hablando de una dama con una voz inigualable y que a más de uno le vuela la cabeza con sus notas: la señora Diamanda Galas, quien aporta su voz en el último track "Orders From the Dead"; que en realidad es un cover de ella misma, hecho por ROTTING CHRIST y contando con su colaboración.

Aquí les dejamos el tracklist de esta gran obra:
01. Aealo
02. Eon Aenaos
03. Demonon Vrosis
04. Noctis Era
05. Dub-saĝ-ta-ke
06. Fire Death and Fear
07. Nekron Iahes...
08. ...Pir Threontai
09. Thou Art Lord
10. Santa Muerte
11. Orders From the Dead

ROTTING CHRIST nos entrega este muy buen trabajo, el cual recomendamos sin dudarlo; y del cual les certificamos que estamos ante uno de las mejores placas aparecidas en 2010.

Comentó: Luis DiSanti, para OXIDO.-

18- WITHIN TEMPTATION "The Heart of Everything"

2011-01-24T10:34:00.000-08:00

"The Heart of Everything" es el cuarto álbum de estudio de la que es, probablemente hoy en día, la banda más importante del Gothic Metal internacional, los oriundos de Waddinxveen, Holanda, WITHIN TEMPTATION.
La formación que tuvo a su cargo este compendio de impecables canciones estuvo conformada por Sharon Den Adel en las voces (cantante de excepción, calificada como mezzo soprano, carismática frontwoman), Robert Westerholt y Ruud Jolie en guitarras, Jeroen Van Veen en bajo, Martijn Spierenburg en teclados y Stepehn Van Haestregt en batería.

El disco, aparecido durante la primera mitad de 2007, es hasta ahora el último trabajo de estudio de la banda, mientras se aguarda la salida del nuevo registro, "The Unforgiving", para dentro de algunas semanas. La casa editora fué la americana Roadrunner Records, usualmente dedicada a agrupaciones de tinte más extremo o agresivo. WITHIN TEMPTATION, en cambio, posee un distintivo sonido europeo, aunque con un ligero tufillo americanizado en alguna de sus composiciones, el cual no estaba presente en sus primeros CDs.

Para ser fieles a la verdad, este registro es un desfile de hits, una canción tras otra. La primera mitad del álbum es sencillamente imparable, ya desde los dos tracks iniciales, "The Howling" (tremendo ejemplo de cómo concebir una gran canción) o el no menos bombástico "What Have You Done", probablemente el punta de lanza de este terrible disco, un tema sensacional que incluye como invitado al diminuto Keith Caputo, voz líder de Life of Agony (tuvo algo que ver la discográfica en este detalle?), en un excelente contrapunto vocal con Sharon Den Adel.

Luego, el disco sigue transitando por maravillosos parajes sonoros, un tanto más calmos en la preciosa balada "Frozen", para volver a subir con el ultra radiable "Our Solemn Hour", donde podemos escuchar un estribillo pegadizo hasta la exageración. La primera mitad de la placa llega a muy buen puerto con el tema que le dá título a la misma, seguido de "Hand of Sorrow", otra composición fácilmente identificable, de muy alto nivel.

En la segunda mitad, quizás merma un poco el hipotético "medidor de hits", pero nunca decae la calidad de las canciones, lo que determina como resultado este disco sencillamente inolvidable. "The Cross" es -seguramente- uno de los mejores tracks, no sólo de este álbum, sino de toda la carrera de WITHIN TEMPTATION. En él podemos apreciar toda la versatilidad y capacidad de Sharon Den Adel, sin dudas una de las mejores cantantes del orbe.

"Final Destination" baja un escalón, pero no porque no sea magnífica, es que su predecesora "The Cross" es superlativa. "All I Need" es a nuestro entender el punto más flojo del CD, pero vale aclarar que igual es un tema que podría ser corte de difusión para cualquier banda del estilo, a las cuales -excepto Nightwish- consideramos a todas muy por debajo de estos holandeses.
El registro se va cerrando con las dos últimas canciones: "The Truth Beneath the Rose", la más extensa en duración, donde vuelven a levantarnos las emociones tras la previa "All I Need"; y el final con "Forgiven", una bonita balada donde otra vez las cuerdas vocales de Sharon se lucen en plenitud.

Para resumir, podemos afirmar que -a nuestro gusto- "The Heart of Everything" es uno de los grandes discos de la década que finalizó, una de esas obras superlativas y monumentales que no tienen desperdicio, que no posee temas de relleno, y a la cual se hace muy difícil sacar de la compactera. Es como si fuera un Grandes Exitos, pero no: en realidad se trata de una placa de estudio de una banda que exprimió al extremo su enorme creatividad, su innato talento compositivo, y su notable capacidad para crear las mejores canciones del estilo.

A nuestro modesto entender, "The Heart of Everything" merece un diez en todos los aspectos.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

17- Marcelle Lefineau "TRIBUS URBANAS" (Libro)

2011-01-06T03:16:00.000-08:00

Para los que todavía gustan de tomar un libro en sus manos para hojearlo o sumergirse con avidez en la lectura, tal vez quieran recorrer las páginas de “Tribus urbanas. La indumentaria desde una perspectiva multicultural”, obra de la novel autora argentina Marcelle Lefineau.

No es literatura de ficción, ni un ensayo o trabajo monográfico, es un estudio diacrónico que la autora ha plasmado en páginas, recorriendo los diferentes estilos vanguardistas según épocas, modas, personalidades, gustos musicales.

En este trabajo minucioso, el contexto histórico apuntala y enmarca cada tribu urbana, cada minoría extravagante que genera rechazos en unos, identificación en otros, y sobre todo intentan abrir paso al proceso cultural de modernización constante en lo ideológico y social, desestructurando el sistema preestablecido por los cánones estipulados en cada período. Es así, que en tal recorrido encontramos flippers, shipsters, beats, hippies, psicodélicos, skinheads, heavys, punks, rastafaris, hip hoperos, raperos, darks, industriales, góticos: con sus subestilos: medieval, victoriano, sick, etc..; ravers, otakus o animees, hackers, decorers, freaks, alternativos, metrosexuales, gossip girls, entre otras variantes de la actualidad.
Estas manifestaciones culturales, ideológicas y espirituales, encuentran viabilidad en la estética, en las artes, en el diferenciarse y construirse desde una indumentaria creativa, distintiva.

La joven escritora, diseñadora de indumentaria y gran observadora social, nos muestra una galería de “tribus”, iniciando su relato desde los años veinte hasta la actualidad. Un recorrido que pone de manifiesto las necesidades y sentimientos de la cultura occidental, desde la mirada de los grandes diseñadores como Vionnet, Chanel, Dior, entre otros; la música influyente en los estilos de jazz, soul, rock, ska, reggae, funk, hip hop, heavy metal, disco, etc.; personalidades famosas, referentes de todos ellos.

Por último, cabe aclarar que el libro presenta magníficas ilustraciones paratextuales que resemantizan el texto, realizadas -vale la mención- por el artista chivilcoyano Luis Disanti.

Comentó: Florencia Aspiro, para OXIDO.-

16- DyNAbyte "2KX"

2010-10-22T13:18:00.000-07:00

Segunda producción discográfica de la banda de Metal Industrial que reúne a dos miembros de CADAVERIA en sus filas. La anterior grabación, "Extreme Mental Piercing" había significado un muy auspicioso debut, allá por el año 2004. Y creemos que también una notable influencia para bandas de distintos lugares del orbe que aparecieron imitando ese novedoso sonido, mixtura de guitarras metalizadas con maquinarias cibernéticas y futuristas.

Si aquél "Extreme Mental Piercing" nos había gustado mucho -especialmente por la indudable calidad de sus composiciones-, este flamante "2KX" no se queda atrás... al contrario!

El álbum -aparecido el 10 de octubre de este año, o sea... hace solamente doce días, y en exclusivo formato pendrive, para puerto USB- consta de doce poderosísimas y gancheras composiciones, no muy alejadas de las que integraban la obra previa.

La formación de DyNAbyte consta de Cadaveria (ex Opera IX, actal CADAVERIA) en las voces, John (también integrante de CADAVERIA, Necrodeath y Raza de Odio) en teclados y bajo; y LJ Dusk en guitarra y teclados. Por supuesto, la batería es programada, cosa que a nuestro entender, aporta mucho al estilo de DyNAbyte.

El listado de temas de "2KX" es el siguiente: "Equilibrium", "F.T.L.", "Normal", "Hereditary Neuronavigation", "Cold Wind of Fear", "Artmix", "Speed", "The Mummy" (primer single promocional), "I'm Not Scared", "Stones", "Wave" y "Blinded by my Light".

El estilo de dichas canciones navega en los fríos mares del sonido Industrial: mecanizado, computarizado y con tintes cibernéticos; pero sin perder jamás de vista las melodías, y con algunos jugosos arreglos que se hacen notar especialmente en "I'm Not Scared" o en "Blinded by my Light".

Pero bueno, pasemos a un breve resumen descriptivo de cada uno de los tracks:

1) "Equilibrium": Excelente comienzo del álbum. Típica canción hitera, con un estribillo pegadizo en el cual se luce la voz de Cadaveria. Una de las dos mejores piezas del CD.
2) "F.T.L.": Lenta, con una intro basada en vocalizaciones limpias. Pieza muy bien cantada, en ella se hace omnipresente el sonido Industrial.
3) "Normal": Una de las más veloces del disco, sino la más. A su vez, también una de las más metaleras. Con poca vinculación al costado más tecno de DyNAbyte.
4) "Hereditary Neuronavigation": Aquí se hacen muy presentes los toques Ñu Metal de la banda. Con buenos solos de guitarra y pocos vestigios industriales.
5) "Cold Wind of Fear": Tema de medio tiempo, muy cantado. La voz de Cadaveria se luce en el estribillo. Hay preponderancia del trabajo de la viola, aunque por momentos los músicos no logran evitar que la canción caiga en cierta monotonía.
6) "Artmix": Con una intro bien Industrial y un tratamiento vocal más agudo, nos pareció una típica composición de mitad de álbum.
7) "Speed": En ésta percibimos por vez primera arreglos casi bailables. La guitarra de LJ Dusk lleva adelante el peso del estribillo, y por ende, del gancho de la canción.
8) "The Mummy": Primer corte de difusión. Es un hit, y la guitarra vuelve a tener gran parte de responsabilidad en ello. Cadaveria le dá más lugar a las voces guturales.
9) "I'm Not Scared": Aquí se notan arreglos más pop que en el resto del CD. Es la pieza menos heavy de "2KX", aunque no prescinde de cierto tono épico en el estribillo. La voz por momentos se torna chillona y aguda.
10) "Stones": Posee una intro y una outro muy climáticas. Es muy melódica y hitera; la voz de Cadaveria se torna natural, más grave y muy poderosa.
11) "Wave": Tema de medio tiempo. Es bastante pesado, y sobresale el estribillo: gritado primero, cantado después.
12) "Blinded by my Light": Es la canción más larga del disco. Está compuesta por una intro de sonidos suaves, y a lo largo de sus casi seis minutos se perciben violas melódicas, heavys y poderosas. La voz realiza una labor calmada, y el track es realmente muy cantado. Digno cierre de "2KX", quizás el mejor tema del álbum.

Para resumir: el principal cambio que notamos en este segundo trabajo de DyNAbyte en relación al primero, pasa por las voces: menos growls y más cristalinidad. Cadaveria está cantando muy pero muy bien, y sus cuerdas vocales se lucen en estos doce títulos, marcando un bonito contraste con la fria modernidad del sonido Industrial.

Técnicamente el álbum es impecable (recordamos que fué íntegramente autoproducido por el trío), con una amplísima nitidez en el aspecto sonoro. El arte de tapa podría haber sido mejor, pero tampoco está nada mal.
Sin dudas, estamos ante uno de los mejores registros de este año 2010, que será seguramente también uno de los más destacados del género. Altamente recomendable para quienes se animen a experimentar lejos del territorio del Metal más tradicional.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

15- IRON MAIDEN "The Final Frontier"

2010-08-30T17:56:00.000-07:00

“The Final Frontier” es el nuevo álbum -el número 15- de la legendaria y emblemática banda Iron Maiden.
Salió a la venta el 16 de agosto, después de haber esperado cuatro años sin que estos músicos británicos grabaran nada en estudio, desde su anterior “A Matter of Life and Death”. Y considero que la espera valió la pena.
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Antes de comentar el contenido musical de esta nueva obra, me gustaría hacer alusión a la portada -y arte en general- del disco:

Me parece que está muy trabajada la carátula, el estilo es muy llamativo y pintoresco, pero no creo que coincida con la imagen que siempre tuvo la banda. Como vemos, Eddie aparece, y en primera plana, pero perdió bastante de lo tradicional, es demasiado moderno; y al ser en formato 3D, contribuyó a que se pierda la escencia de las portadas clásicas de la agrupación inglesa.

El dibujante clásico de Maiden ha sido Derek Riggs, y creo que al no contar más con él, se pierde demasiado. Hasta “Fear of the Dark” dibujó todo él, y hasta ahí, me encantan todas las portadas. Para “The X Factor” y “Virtual XI”, la banda había contratado a otra gente para hacer las cubiertas, y creo que también se notó… no me parecen malas, pero no se comparan con los trabajos de Derek Riggs.
En “Brave New World” trabajan con Derek nuevamente, y a mi entender tal cosa no pasa desapercibida…la carátula de ese álbum es, sin dudas, muy buena. Y aquí terminó de colaborar este señor con la banda; según mi humilde parecer, ahí está la razón por la cual las tapas de los últimos CDs que han grabado no son tan perfectas.
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El arte interno (del libro) no me pareció muy interesante tampoco, faltarían más Eddies y hay sólo una foto del grupo y se ve a oscuras, dándole un carácter de misterio espacial, tal cual muestra el concepto de este nuevo disco.
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Hablando ya de lo más importante, lo musical: encontré muy ganchero y directo a este nuevo trabajo, a pesar del promedio de alrededor de ocho minutos de sus canciones. Lo compré la semana pasada, ni bien llegó a nuestra ciudad (asquerosa y monótona) de Chivilcoy, y todavía no puedo parar de escucharlo, sinceramente me sorprendieron… mis expectativas eran menores.

Las estructuras de las composiciones mantienen el estilo de las de "Brave New World" (parte de esto se debe a que siguen trabajado ya, desde hace diez años, con el productor Kevin Shirley). Me refiero a canciones normalmente largas, de ocho minutos en adelante, con introducciones de guitarras limpias, que luego cambian a poderosas y distorsionadas, para terminar nuevamente en forma lenta, o quizás también con cambios a sonidos limpios en el medio, o partes instrumentadas con cambios de ritmos también a la mitad, permitiendo que la música esté muy trabajada y arreglada.
No tienen desperdicio estos tremendos cortes que saben introducir, llenos de melodías y arreglos intrincados, dándole un toque progresivo. Una vez más, las tres guitarras se hacen presentes y se las puede distinguir muy bien, lo cual resalta aún mas esa característica de buena elaboración en las canciones.

Otro punto a destacar son las melodías de violas, que van sobre la voz de Bruce Dickinson; esto ya lo han sabido hacer desde hace mucho, y en este álbum hay bastante de ello, lo cual quedó verdaderamente bien, porque permite que los temas se tornen aún mas gancheros y den ganas de escucharlos sin parar.

El bajo de Steve Harris y la batería de Nicko McBrain marcan una rítmica muy contundente -como siempre!-, y los arreglos de ambos instrumentos son sensacionales, puro Heavy Metal del más bueno.

Y de la voz de Bruce… qué podemos decir? El hombre está cada día mejor, es asombroso su estado físico y vocal; me sigue poniendo la piel de gallina, no ha perdido fuerza en lo más mínimo, sigue cantando con amplio poder, y estirando su registro en limpio hacia lo más alto o agudo. Desde tal cosa, hasta escucharlo cantar notas mas graves de manera más tranquila y relajada, no perdemos nunca el gusto de seguir oyéndolo. Un genio Bruce! De más está añadir que es uno de los mejores y más influyentes cantantes de la historia del Metal. Uno de sus padres.
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Haciendo un paneo en general por la lista de canciones: son diez temas, en este nuevo álbum de carácter conceptual que narra una odisea en el espacio; es el segundo registro conceptual en la historia de su carrera (el primero es “Seventh Son of a Seventh Son” de 1988, por si alguien no lo sabe).

Arrancamos con “Satellite 15… The Final Frontier”, la cual comienza con una intro bastante progresiva, que ambienta muy bien esta idea espacial y futurista del disco, donde se escucha una base de batería que juega mucho con el redoblante, acompañado por una base rítmica de violas y bajo; a la que le sumamos guitarras punteando entrecortadas. Luego sigue una especie de narración que interpreta Dickinson cantada sobre una base limpia, corta la intro y arranca la canción normalmente. Es bastante rockera y clásica, bien directa.
Le sigue “El Dorado”, una composición de estilo similar, que va al grano, y que junto con el primer track, fueron elegidas como cortes de difusión radial. A mi gusto no son las mejores del álbum, tiene títulos que las superan.
Continuamos con “Mother of Mercy”, muy buen tema, un poco más melódico y con una excelente introducción que combina guitarras limpias y distorsionadas, con un resultado muy logrado!
Posteriormente, “Coming Home”, un título un poco gastado ya… Pretende ser de carácter más melódico, también casi como su anterior, y cuenta con un estribillo con mucho sentimiento, de ésos que podemos escuchar hasta siempre.
Luego tenemos la que considero la pieza más contundente y directa del disco, “The Achemist”, muy buen tema, en la vena de himnos como “The Trooper”.
Sigue “The Isle of Avalon”… una de mis preferidas! Tiene excelentes cortes y cambios, es una de esas canciones que arranca con voces calmas y violas en limpio. Parece que tuviera dos estribillos, como ya han sabido hacer en títulos como “Rainmaker”, en las que antes del estribillo hay algo -que no sé cómo definirlo, porque puente no es-, que da la sensación de ser otro estribillo previo. Esto hace que la pieza tenga muchísima caña, como dicen los españoles. Temazo!
Luego seguimos con “Starblind”, extensa y con introducción lenta, bastante interesante también.
Después, “The Talisman”: ésta arranca lento pero luego estalla, se pone bastante veloz y pesada, una de las más potentes del disco.
Posteriormente, “The Man who Would be King”, que dura 8':28'', pero no los notás, por el gancho que posee. Aquí Bruce canta las estrofas con una voz bien natural, de forma muy "hitera", y luego en el estribillo exige sus cuerdas vocales demostrando sus capacidades únicas, en una secuencia veloz y directa. Uno de los mejores temas del CD, según quién escribe.
Y para cerrar, tenemos a “When the Wild Wind Blows”, la cual dura once minutos, la segunda más extensa de la Bestia, detrás de “The Rime of the Ancient Mariner”, que llega a alrededor de trece. Pero tampoco se nota la larga duración de este título de cierre, ya que posee mucho atractivo. Aquí no escuchamos voces muy agudas, Bruce canta mas naturalmente todo el tiempo, y queda genial…es mi canción preferida del disco; la parte instrumental del medio tampoco decae, las melodías de guitarras y riffs son muy directas y se las disfruta muchísimo.
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Conclusión final: Iron Maiden demuestra que está más vivo que nunca. A pesar de la antigüedad que tienen en el universo Metal, cada vez son más profesionales y nos acaban de entregar un muy buen trabajo; superior al anterior. Al calificarlo le pondría un 8,50.
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La vieja escuela sigue pateando culos, lamentablemente dudo que surjan bandas como Iron Maiden, Black Sabbath, Judas Priest o Megadeth en un futuro cercano.

Gracias Steve Harris por tanta magia, UP THE IRONS!

Comentó: Iván Ruocco, para OXIDO.-

14- LOGOS "La Industria del Poder"

2010-04-05T11:37:00.000-07:00

Con la separación de V8 en el año 1987, se pone en marcha el proceso de creación más importante de bandas de Heavy Metal de la historia argentina, en cuanto a la calidad de las mismas. Cada uno de los ex músicos de la disuelta agrupación reencauzó las energías en sus nuevos proyectos. Ricardo Iorio creó Hermética, Osvaldo Civile, Horcas, y Gustavo Rowek junto a Walter Giardino Rata Blanca. En tanto Alberto Zamarbide, Adrian Cenci y Miguel Roldán continuaron unidos alimentando el misterio de lo que vendría. Recién en el año 1990, con el reclutamiento de José Amurín en las cuatro cuerdas, se devela la incógnita, dando nombre al proyecto.

Así se consolidaba Logos como la última creación de los ex V8. Con todo por ganar, la banda hace su pública presentación en el año 1991, editando dos años después nuestro disco fundamental: “La Industria del Poder”. Producido por Néstor “Pájaro” Randazzo, (que ha trabajado también con Hermética, El Reloj, Alakrán y un largo etcétera), el material fue grabado y mezclado en treinta y dos canales en Colombia Studio.
Las expectativas creadas estuvieron acordes a la calidad, y por ello la aceptación del público fue automática. Las encuestas del año 1993, realizadas por medios especializados, seleccionaron a “La Industria del Poder” como disco del año, a Alberto Zamarbide como mejor cantante, y el tema “Como Relámpago en la Oscuridad” como mejor canción.

Logos se muestra en su primer lanzamiento como la evolución natural de lo que hubiera sido V8 en los 90's, pero con un toque de distinción: el buen sonido. Alberto Zamarbide y Miguel Roldán han sido desde siempre personas comprometidas con las líricas, abarcando temáticas tan amplias como la religión, lo social y lo combativo. Al respecto, la agrupación se ha distinguido desde su gen, por las ingeniosas frases y/o estrofas poseedoras de la magia de resumir en pocas palabras, hechos y pensamientos de manera clara, comprometedora y ocurrente. Tal es el caso de “el silencio de los que callan pesa más que una lápida sobre sus mentes”… chúpense este aforismo!!!

En lo que atañe a las formalidades, la placa consta de ocho temas, con una duración total de cuarenta minutos. La grilla se compone de “Marginado”, “Cómo Relámpago en la Oscuridad”, “La Ultima Batalla” (con arreglos de guitarras acústicas y una duración de más de ocho minutos... toda una novedad para la época), “Memorias del Continente Nuestro” (instrumental), “No te Rindas”, “Ven a la Eternidad”, “En la Ciudad Violenta” y “La Industria del Poder”.
La obra navega en todo momento por el inmenso mar de la creatividad gracias a su novedosa propuesta, además de constar con sutilezas que la vuelven imprescindible para cualquier amante del estilo, como ser: las fotos del arte de tapa, correspondientes a la película “Metrópolis” (hoy transformada en objeto de culto) de Fritz Lang (fechada en 1926). Este adelantado film de ciencia ficción, basa su historia en una sociedad futurista donde los obreros, industriales en esencia, tienen prohibido salir de su guetto. Esta situación plantea una revolución liderada por un robot.

Pasados diesisiete años desde el lanzamiento del disco, la banda ha transitado por todos los estados, cambiando de músicos en diversas oportunidades, pero siempre manteniendo su núcleo duro: Roldán-Zamarbide. En la actualidad, junto a Marcelo Ponce en batería y Walter Scasso en el bajo, LOGOS pareciera haber encontrado una formación estable, permitiéndole completar una extensísima gira por todo el país, además de Brasil, Chile y Uruguay; editando a finales del año 2008 su último trabajo hasta la fecha: “A Través de los Tiempos”, otra obra maestra del Heavy nuestro de cada día.

Por si no quedó claro: LOGOS es referencia obligada a la hora de hablar de Heavy Metal hecho en Argentina. Y por sobre todo, un disparador de ideas y pensamientos para todo aquel que ose escucharlo.

Comentó: José M. Aicardo, para OXIDO.-

13- SKILTRON "Beheading the Liars"

2010-01-18T18:45:00.000-08:00

Sin lugar a dudas el Folk Metal viene en ascenso, tanto en popularidad como en calidad.
Durante estos últimos años, muchísimas bandas surgieron con un sonido y unas ideas realmente envidiables.
Estos grupos se caracterizaron por sus bases Death y Black Metal, mezcladas con instrumentos originarios de la región autóctona de la banda. Dándonos como resultado una música realmente hermosa y digerible.

Pero yendo a lo que nos concierne, hoy nos vamos a ocupar del segundo CD de una banda que luego de este trabajo, se afianza totalmente como exponente del género a nivel nacional, si es que aún no lo había logrado.
Estamos hablando de Skiltron y su “Beheading the Liars”.
No hace falta más que una oída para darse cuenta que estamos ante algo grande.
Realmente por su modo de sonar y vestir (polleras escocesas, entre otras indumentarias) nunca podríamos percatarnos de que esta banda sea oriunda de nuestro pagos.
La música rápidamente nos acerca a un tono festivo, haciéndonos olvidar por completo en sólo segundos, del frío clima nórdico, tan característico de este género.

La banda de Emilio Souto tiene entre sus líneas a uno de los mejores vocalistas de la Argentina, y eso queda atestiguado verso tras verso. Estamos hablando del gran Diego Valdez, cantante ya conocido por otras bandas como Helker y Eidillyon.
Sin exagerar, la calidad del disco es fantástica, manteniendo el nivel en todo momento y hasta dándonos la oportunidad de escuchar a Jonne Järvelä (de Korpiklaani) en “Praying is Nothing”.
Otra particularidad de la placa es la canción “Crides”, tema que consta de una versión acústica de “Calling Out”, cantada en occitan (lengua romance antigua, oriunda de Europa).
Por otro lado encontramos “The Vision of Blind Harry”, otro punto alto del CD, de la cual queda como anécdota la carta que recibieron los chicos de Skiltron, por parte de la directora del museo de Stirling felicitándolos por enaltecer el espíritu de Blind Harry (trovador escocés del siglo XV).
“Fast and Wild” también se coloca como uno de los puntos obligados cuando hacemos mención a la placa, brindándonos pegadizos coros y estribillos que decantan en grandes pogos durante las presentaciones en vivo de la banda.

Finalmente podemos decir que Skiltron, está a la altura de grandes bandas europeas, y no tiene nada que envidiarles a las mismas.
Si sos amante del género, este material sin duda tiene que estar en tu colección. Si al contrario sos un extraño en estas tierras, nada mejor que “Beheading the Liars” para hacerte amigo de las gaitas.

Comentó: Maurizio Folcini, para OXIDO.

12- KREATOR "Hordes of Chaos"

2009-12-30T05:51:00.000-08:00

Nadie que se considere thrasher puede darse el lujo de no haber escuchado a Kreator.
Es que los alemanes no se encuentran durmiendo en la gloria, y vuelven a nosotros volándonos la cabeza, literalmente.
Los teutones arribaron con una placa que es obligación mencionarla si hablamos de los mejores del año, y por que no, de la década.
El disco es violento y demoledor de comienzo a fin, haciéndonoslo saber desde el inicio, al ritmo de “Hordes of Chaos”, tema que sin duda se convertirá en un clásico. Riffs potentes y desgarradores, nos autorizarán a romper todo lo que tengamos a nuestro alcance.
La sangre y el headbanging se extenderán a lo largo de "Warcurse” (otro de los temas que sin duda pasarán a ser un must) y "Escalation".
Para nuestra suerte (y la de nuestro cuello), Mille Petrozza decide darnos un descanso con el comienzo de "Amok Run", para rápidamente ingresar en un frenesí teñido por los gritos desgarradores del inoxidable vocalista.
El quinto tema de la placa llega a nuestros oídos de la mano del título "Destroy What Destroys You"; y sin lugar a dudas, en segundos nos daremos cuenta que contiene todos los ingredientes al que el cuarteto teutón nos tiene acostumbrados.
Luego de pasar "Radical Resistance" y "Absolute Misanthrope", llega a nuestros tímpanos "To the After Burn". Si hay algo que no falta en este tema, es la incesante cantidad de melodías que fluyen desde las guitarras, al ritmo de una batería infernal que nos dejara atónitos.
Se acerca el final y "Corpses of Liberty" nos lo hace saber, el bajo y la viola nos abren el camino hacia un infernal "Demon Price", que nos llevará a destruír todo (si es que todavía queda algo por romper).
Sin dudas Kreator volvió a demostrar que en lo que a Thrash Metal se refiere, es una banda líder; nunca olvidándose de sus inicios, pero tampoco durmiéndose en ellos.

Comentó: Maurizio Folcini, para OXIDO.

11- ARCH ENEMY "Wages of Sin"

2009-06-02T08:08:00.000-07:00

Se va terminando la primera década del nuevo siglo y empiezan a emerger en mi cráneo algunas preguntas de índole musical, las cuales en un acto tan audaz como zonzo me llevan a la madre de todas las cuestiones: ¿Cuál ha sido la banda de la década? Que difícil contestar semejante duda, y más en un lapso donde se han editado álbumes increíblemente destacados.

En cuanto a la originalidad la cosa toma un rumbo omnidireccional, basado principalmente en la innumerable cantidad de estilos que se fusionan, re fusionan y vuelven a recontrarefusionar, ¿Hasta cuándo esto, sin recortar los valores objetivos y subjetivos de nuestra música? Pregunta aún más amplia y más tonta que la anterior. Sin embargo de esa fusión (y reinvención?) emerge una de las bandas más importantes de la presente década.
Sucesivos contactos entre Michael Amott y Johan Liiva durante 1996, dieron forma a esta agrupación de origen sueco que ha visitado nuestras tierras en dos oportunidades... con ustedes: Arch Enemy.
En su primer trabajo, titulado “Black Earth”, la banda había recibido una aceptación unánime por parte de la prensa especializada; esto volvió a reafirmase en el año 1998 con la edición de su segundo álbum de estudio: “Stigmata”. Con esto se había logrado un regular grado de popularidad, el cual se mantuvo con la llegada de su tercer trabajo “Burning Bridges”.

En ese momento la salida de Liiva era un hecho, al igual que la búsqueda de un nuevo cantante.

Las sesiones habían comenzado, y Christopher Amott había conservado durante un año un demo facilitado por la alemana Angela Gossow, que por aquel entonces se dedicaba al periodismo. Una vez escuchada la cinta, la banda realizó un ensayo e inmediatamente la germana pasó a comandar las voces.

A sólo un año del episodio, sale a la venta “Wages of Sin” y con ello la explosión comercial, mediática y compositiva de Arch Enemy.
La placa demuestra en todo su recorrido un nivel parejo, sin fisuras, y muy ganchero. Forzando un poco la elección, podemos nombrar como puntos máximos a “Enemy Within”, “Ravenous”, “Dead Bury Their Dead”, “Lament Of A Mortal Soul”, y uno de los clásicos del nuevo milenio: “Burning Angel”.

La voz de Angela desata furia, la cual se contrapone con la imagen cándida que despierta su belleza femenina. Este golpe de efecto, nada carente de respaldo, ha reposado en el pilar más importante: La Música. Teniendo como principal alma compositiva a Michael Amott, genial guitarrista / compositor / letrista sueco, el cual entre sus labores más importantes encontramos la participación en bandas como Carcass, Spiritual Beggars y Candlemass (en esta última actuando como secionista); dejando en claro desde siempre hacia donde apunta su música: riffs para corear, identificar, y llevar adelante nuestros gritos de resistencia. Algo tan sencillo en la teoría y tan difícil en la práctica.
El dueto de guitarras Amott / Amott realizan persistentes duelos, destacándose por su excelente nivel, siendo a esta altura una marca registrada. Notoria es la química y complementariedad que desprenden en cada pieza, por ello podemos y debemos decir que es una de las mejores duplas del universo Heavy Metal y sus innumerables derivaciones.

El otro gran pilar es Daniel Erlandsson, un auténtico As detrás de los parches. Entre sus cualidades encontramos creatividad, velocidad, técnica y prolijidad... qué más podemos pedir de un baterista?
La placa consta de doce temas, grabados en los Studios Friedman en diciembre del 2000, y mezclado en enero del 2001 por Andy Sneap. Fué lanzada en abril de ese mismo año a través del sello Century Media, siendo la producción trabajo de Fredrik Nordstrom y Michael Amott. Los nombres hablan por sí solos del nivel de profesionalidad puesto al servicio de la placa, evidenciando en las sucesivas escuchas el grado de perfección logrado.
Entre los créditos y colaboraciones encontramos a Per Wiberg, actual tecladista de Opeth, un especialista en incorporar melodías en sonidos extremos.
Llegado este punto debemos manifestar que a este disco lo hemos seleccionado por representar -a nuestro criterio-, el punto de quiebre necesario en Arch Enemy, para llegar a ser lo que es en la actualidad: una agrupación respetada por su música y también por la capacidad superlativa de parte de de sus integrantes, a nivel mundial... Siendo que sus trabajos sucesores mantienen un nivel similar, lo cual habla de su agraciada discografía.

Pero bueno... vuelve a mi cabeza la primera pregunta… y si… Arch Enemy estaría entre mis tres candidatos.

Comentó José María Aicardo, para OXIDO.

10- LACRIMOSA "Elodia"

2009-04-15T07:00:00.000-07:00

El género gótico como estilo de música contemporáneo escapa en muchos casos a todo intento de encasillamiento. Quedando sujeto a convenciones tan débiles y ambivalentes que crean, en muchos casos, más confusiones que certezas a la hora de esquematizar el estilo.

Las raíces del término "gótico" se remontan a un movimiento arquitectónico iniciado en el siglo XII, concluido en el XVI, y revalorizado en el XIX; el cual se ha caracterizado por la ruptura de las formas regulares y geométricas, además de rasgar con la idea del idealismo platónico y el nacimiento de la convicción de que los sentidos son necesarios a fin de revelar las cosas de la naturaleza, verdadera fuente de conocimiento.

Volviendo a lo musical, el movimiento se gesta a finales de los años 70's en Inglaterra -gracias al Post Punk-, se desarrolla en los 80's a causa del Rock Gótico, la New Wave, y letristas que en aquél entonces incursionaron en temas tales como la oscuridad y la depresión. Llegados los 90's este cóctel dió nacimiento a innumerables bandas con diversas particularidades, sean musicales, estéticas y/o culturales.

Sin embargo, de este movimiento germinaría una banda que vuelve a desestabilizar el equilibrio al que estaba tendiendo el estilo. El culpable: un individuo llamado Tilo Wolff, creador del proyecto Lacrimosa y actualmente secundado por un único miembro estable, la bella Anne Nurmi.
Fue en 1991 cuando Tilo aún sin su "media naranja", editó su primer disco en forma de LP bajo el título de "Angst", desde allí la banda inició un camino siempre en ascenso, el cual alcanza su punto máximo en el año 1999, momento en el que edita su sexto trabajo de estudio, titulado "Elodia".
La placa consta de ocho temas más un bonus, este número es relativo dependiendo del origen de la edición. Dividida en tres actos ("akts"), el primero de éstos describe un amor que se agobia lentamente; el segundo describe el acto de separación de éste, mientras que el tercero comienza con un réquiem, finalizando en una nota de esperanza.
La palabra "acto" es asociada casi de manera natural a óperas o piezas de música clásica; bueno, ahí tenemos el salto al Olimpo de Tilo. La obra es una ópera de rock y todo lo que eso implica. Iniciando con "Am Ende der Stille", tenemos una auténtica pieza de música clásica la cual es acompañada en forma intermitente por la particular voz de Tilo, quien con su idioma alemán eleva aún más la propuesta, siguiendo con el hit "Alleine zu Zweit", la obra levanta un vuelo descomunal gracias al dueto Tilo-Anne, quienes descargan toda su diáfana potencia. A esto se suman momentos de sobrada excitación eléctrica contraponiéndose con otros de tinte orquestal; todo en su justa medida. Así podemos describir uno de los temas más bellos del estilo: "Halt Mich" denota sus fuertes matices clásicos, haciendo que tanto la batería como las guitarras y la voz acompañen una rítmica que mucho se asemeja a un vals. "The Turning Point" es el único tema en inglés y suena a frescura, a belleza, gracias a la sugestiva voz de Anne; "Ich Verlasse Heut' Dein Herz" es una pieza menos pretenciosa, en la rama de discos antecesores como "Stille", donde la guitarra vuelve a tomar un rol preponderante a la hora de marcar el curso de la canción. Con "Dich zu Töten Fiel Mir Schwer" retomamos la senda clásica al estilo de "Halt Mich", con mayor potencia en la voz y guitarras, además se suman momentos épicos convirtiendo al tema en el más versátil y pesado de la placa. Con "Sanctus" y sus catorce minutos logramos ver hasta dónde puede llegar la imaginación y el intelecto de Tilo puesto al servicio de la música. "Am Ende Stehen Wir Zwei" nos embarca en delicadas melodías de corte melancólico, las cuales agotan mis palabras, dejando como única referencia esta agraciada pieza. Finalmente, "Heine Welt" nos aleja mesuradamente de la placa allanándonos el camino para lo que sería otro de los hitos del estilo: "Fassade", álbum del año 2001.
Editado por el sello Hall of Sermon, cuyo dueño es el mismo Tilo, la placa cuenta con la colaboración de la London Symphony Orchestra y del coro Rosenberg Ensemble; de aquí se explica parte del toque tan distintivo del trabajo. Cabe aclarar que todas las composiciones, arreglos y producción estuvieron a cargo del señor Tilo Wolff, y este logro lo convierte sin lugar a dudas en un erudito.
Lacrimosa ha dejado una huella imborrable gracias a sus creativas y complejas estructuras musicales, un alto porcentaje de muy buenos temas por cada disco, y por sobre todo le ha podido proporcionar al Gothic Metal una marca registrada que difícilmente alguien pueda superar.

Comentó: José María Aicardo, para OXIDO.

9- CANNIBAL CORPSE "Tomb of the Mutilated"

2009-02-03T04:31:00.000-08:00

Más allá de las mil y una bandas que han hecho y harán Death Metal en este planeta, existe un quinteto fundamental que ha sido la génesis del estilo, potenciaron su desarrollo y lograron posteriormente su "estallido comercial"; a detallar: Death, Carcass, Sepultura, Napalm Death y Cannibal Corpse. Siguen en actividad y editando nuevos trabajos las tres últimas. La contribución de Sepultura al estilo se resume al período 1984-1989. Napalm Death -formada en 1982- se ha caracterizado por el contenido de letras de corte político y social; por el contrario Cannibal Corpse -de una manera más original- se abocó a historias de terror, asesinatos, violaciones, ultrajes, zombis caníbales y todo tipo de aberraciones de cine bizarro de clase B. Esta última será nuestra parada.

Creada en 1988 en Nueva York, Estados Unidos, su formación original era compuesta por Jack Owen y Bob Rusay en guitarras, Paul Mazurkiewicz en batería, Chris Barnes en voz y Alex Webster en bajo. Fue la misma que cuatro años después diera a luz a otro de los discos fundamentales de la historia de la música Metal: "Tomb of the Mutilated". Grabado entre el 1 y el 15 de junio de 1992 en los estudios Morrisound Recordings en Tampa, Florida, bajo la producción de Scott Burns (auténtica eminencia en el mundillo del Death Metal) y editado por Metal Blade, Cannibal literalmente nos tira por la cabeza el mejor y más logrado Brutal Death. Nítido, técnico, avasallante, con variaciones continuas de ritmos gracias a la perfecta labor de Mazurkiewicz y un alto volumen del bajo (en un estilo que muchas veces deglute su importancia), gentileza del maestro Alex Webster, la ecuación cierra con un sonido impecable y único. Comenzando con "Hammer Smashed Face" ("Cara destrozada por un martillo"), para muchos "el Himno" del estilo (por favor tómense un minuto y traten de leer y traducir la letra del tema), continuamos con "I Cum Blood" (temazo) y llegamos a otro himno "Addicted To Vaginal Skin" (no hace falta traducción), el cual está dedicado al asesino serial (además de ser estafador, sadomasoquista y practicar el canibalismo con sus víctimas) Albert Fish; pero cuya introducción es llevada a cabo por otro personaje de las mismas características: Arthur Shawcross (cuyos blancos preferidos eran las prostitutas). Seguimos con el intratable "Split Wide Open", y llegamos a otra pieza sublime "Necropedophile" (letra enferma si las hay, sugiero le echen un vistazo); seguimos con "The Cryptic Stench" ¡otro temaso!, proseguimos con "Entrails Ripped From a Virgin`s Cunt" ("Entrañas arrancadas de la concha de una virgen")... todo dicho. Cerrando con "Post Mortal Ejaculation" y "Beyond The Cemetary", las cuales están a la altura de esta verdadera reliquia.
En cuanto a la música encontramos a Chris Barnes en su mejor forma, nunca una voz había llegado a tanto, lo cual fue motivo de orgullo y admiración ya que la tecnología nada había tenido que ver en este maravilloso logro; luego en "The Bleeding" vinieron las acusaciones de algunos integrantes de la banda en la que daban cuenta que Chris había perdido parte de esa voz tan característica. Entre peleas y acusaciones el cantante se alejó de la agrupación, creando Six Feet Under y entrando en su reemplazo George Fisher.
Gracias a Paul Mazurkiewicz y especialmente a su increíble bajista Alex Webster, Cannibal Corpse continúa hasta el día de hoy lanzando placas de altísima calidad y sonido cada vez más arrollador, pero "Tomb of the Mutilated" fue un hito para ellos y para el estilo, la innovación que venía gestándose desde "Butchered at Birth" (su segundo LP) y cobra forma un año después, ha servido de influencia a miles de bandas que han intentando en vano hasta el día de hoy superar en brutalidad y calidad esta pieza. Así concluímos esta crítica de uno de "los discos" por escuchar y así empezar a entender un estilo criticado y censurado, que encuentra la causa en la tozudez y estrechez mental de gente poco habituada a salirse de los dogmas. Estas personas tienen la extraña semejanza de ser esclavas de los medios de comunicación que bajan líneas de sus porquerías mediáticas.

Cannibal Corpse: una banda sincera, honesta, sin un motor publicitario que potencie sus ventas, lleva al día de hoy más de un millón de copias comercializadas alrededor del mundo, y un disco seminal que no puede pasar desapercibido para ninguna persona que ame la música como un todo.
Curiosidad I: el actor Jim Carrey es fanático de la banda y gracias a ello logró conseguir un set de escasos segundos para Webster y compañía, en la película "Ace Ventura".
Curiosidad II: En Baviera, Alemania, prohibieron la portada del disco de referencia además de prohibirles tocar temas de sus tres primeros álbumes. Esta veda fue levantada en 2006.

Comentó José María Aicardo para OXIDO.

8- BURZUM "Filosofem"

2009-01-08T12:58:00.000-08:00

Principio de los 90’s; país: Noruega; la calma propia de esta nación -y por qué no de Escandinavia entera-, se ve perturbada por hechos hasta el momento desconocidos: quema de iglesias, asesinatos, jóvenes exhibiendo diversos amuletos paganos, vikingos y anticristianos en un país donde el 88 % de su población practica la religión evangélica-luterana.
Aunque el movimiento Black Metal venía gestándose desde mediados de los 80’s, la explosión mediática del estilo se produce recién en los 90’s, gracias a cuestiones extramusicales. La fecha exacta de tal acontecimiento: 11 de Agosto de 1993, momento en el cual la policía noruega encuentra asesinado a Øystein Aarseth…"Euronymous" (guitarrista de Mayhem, dueño del sello Deathlike Silence y de la disquería Helvete). El culpable: Kristian Laarson Vikernes, o Count Grishnack, o Varg Vikernes, o como quieran llamarlo. Lo importante es que esta persona está detrás del proyecto solista Burzum ("Oscuridad" en el idioma de Mordor).
La relevancia de Burzum dentro de la música ha quedado opacada por las diversas actividades extramusicales llevadas adelante por Varg, desde la quema de iglesias hasta transformarse en un verdadero portavoz de frases de corte nazi y xenófobas.
En cuanto a lo estrictamente musical, el proyecto ha editado seis discos: "Burzum", "Det Som Engang Var", "Hvis Lyset Tar Oss", "Filosofem", "Dauði Baldrs" y "Hliðskjálf". Más algunos E.P.s, en especial el aclamado "Aske". En esta oportunidad nos sumergiremos en su último trabajo eléctrico: "Filosofem" ("El Filósofo").
Editado en 1996 por Misanthropy Records, con Varg tras las rejas, el trabajo consta de seis temas compuestos durante 1993, los cuales bajo ningún motivo deben ser alterados en su orden. Empezando con "Dunkelheit" damos inicio a un auténtico viaje de sesenta minutos, por los lugares más retorcidos que una mente humana pueda imaginar; el sonido se asemeja a un Black/Doom muy atmosférico. La fórmula es muy sencilla: melodías de tres notas que se repiten hasta el cansancio, las cuales acompañan la infernal voz de Varg debido a la utilización de micrófonos rotos (si!!!), al igual que una guitarra muy saturada gracias al uso de un amplificador de música ¡doméstico!, fiado por su hermano. Con ello, más el concepto de melodía presente a lo largo de todo el disco, Burzum ha logrado crear un subgénero dentro del Black Metal, el cual dada su difícil accesibilidad auditiva, lo mantiene hasta el día de hoy alejado de sus vetas más comerciales.
Prosiguiendo con el temario, nos encontramos con el fantástico "Jesus' Tod", (todo dicho), continuando con el poderoso "Erblicket die Tochter des Firma"; y a partir de allí comienza una cuidada transición sonora que se inicia con "Gebrechlichkeit I", pasando por "Rundgang um die Transzendentale" -25 minutos del más puro y exquisito sonido Ambient-, culminando con "Gebrechlichkeit II".
Debemos dejar en claro que en esta referencia incompleta, sólo tratamos de recomendar un disco; y las contribuciones de Vikernes claramente superan esta temática, abarcando disciplinas como la historia, la religión, e inclusive la filosofía. Para todo aquél que desee inmiscuirse en este universo, le aconsejo visite la web oficial donde hay diversos artículos referentes a lo antes enunciado.
Por todo lo expuesto, podemos decir que Varg Vikernes es la verdadera y más pura expresión del Black Metal. No más.

Comentó: José María Aicardo para OXIDO.

7- BLACK SABBATH "Dehumanizer"

2008-12-11T02:43:00.000-08:00

Si de sonidos intensos se trata, Black Sabbath goza de una paternidad casi absoluta (casi… porque no debemos olvidarnos de Deep Purple y de Led Zeppelin). Nacida en ¡1968!, esta agrupación inglesa es considerada como una de las más -o la más-, importante de la historia del Heavy Metal entendido como un todo. A lo largo de su extensa y rica carrera han grabado dieciocho discos de estudio, seis directos y cinco compilados. En cuanto a sus formaciones, se han sucedidos músicos, en especial cantantes (el viejo Ozzy es la figurita difícil) como Gillan, Hughes, Martin, Halford, y Dio. La era de este último será nuestro objetivo, en especial la que se inicia en 1991 y culmina el 13 de noviembre de 1992, por decisión del guitarrista y líder Tommy Iommi (auténtica alma máter de la banda). Sería una obviedad centrarnos en cualquiera de los cinco primeros trabajos, pues ahí encontramos la piedra angular del Heavy Metal de nuestros días; sin embargo desde nuestra perspectiva el 22 de Junio de 1992 Black Sabbath se despachó con uno de los mejores trabajos de su fenomenal discografía: "Dehumanizer". Este disco causó cierta euforia en su lanzamiento, la cual con el correr del tiempo ha transformado a esta placa en una más; y aquí estamos después de diesiséis años reivindicando semejante obra, la cual parece estar tomando vuelo nuevamente gracias a la reciente formación de Heaven and Hell (Black Sabbath con Dio y Appice).
La formación que grabó el material fue Tony Iommi, Geezer Butler, Ronnie James Dio, Vinny Appice y Geoff Nicholls (cuantos pesos pesados!!!). En cuanto a la producción, estuvo a cargo de Reinhold Mack (alemán el muchacho, y productor entre tantas otras bandas, de Queen), quien logra sacar en esta oportunidad un sonido "gordo" en todos los instrumentos; volviendo al disco crudo, potente y a la vez excelentemente ejecutado. Considerado como uno de los más pesados y apocalípticos en cuanto a la lírica, fué grabado en condiciones poco felices debido a problemas de egos (algo muy recurrente en esta banda). Estas tensiones se sucedieron a la hora de la composición de las letras, llegando el punto máximo cuando Iommi sostuvo algunas charlas con Ozzy en busca de una posible reunión, en momentos en que Dio seguía siendo el titular en las voces. Sin embargo esta situación parece no haber impactado en la performance de la placa, la cual consta de diez temas; con la singularidad de que la edición norteamericana consta de una pieza más: "Time Machine", cuya versión acotada y "edulcorada" en su letra, aparece en la película "El mundo según Wayne".

La excepcional voz de Dio, la profesionalidad de Appice, la virtuosidad de Butler y la magia de Iommi hacen de este trabajo una genuina obra maestra, fundamentada en canciones que van de muy buenas a excelentes: "Computer God", el climático "After all", "Master of insanity", y el clásico de todos los tiempos "I" dan claras muestras de lo comentado. Contundente, soberbio… a lo Black Sabbath, así suena el disco.

Auténticos maestros, que en cincuenta y cinco minutos nos muestran el abc del Metal, transformando a esta banda y a este disco en auténticas enciclopedias de lo que más nos gusta.

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Comentó José María Aicardo, para OXIDO.

6- METRALLA "Fuego en las Mentes"

2008-11-21T10:37:00.000-08:00

Y si!!! Llegó el momento de comentar una banda oriunda de nuestra tierra: METRALLA. Formada en el año 2006, posee al día de hoy un único trabajo: "Fuego en las Mentes". La formación que grabó esta placa, entre los meses de mayo y julio de 2007 en los estudios Kirkinchos Records, editado por Hurling Metal (auténtica institución del under a nivel sudamericano), bajo la mezcla e ingeniería de sonido a cargo de Jorge Moreno, fue: Hugo Benítez en voz líder, Jorge Moreno en guitarra, Jorge Hoyos en la otra guitarra, Diego Nuñez en batería y el fallecido bajista Chicho Villagra. El corazón compositivo de la banda es llevado a cabo por los dos primeros. Antes de seguir, me gustaría dejar una breves líneas acerca del cantante de la formación, quien fue y es pieza fundamental del Heavy nacional, destacándose entre tantos pergaminos por llegar a ser el legendario vocalista y letrista de Horcas, de la vieja y más recordada formación (Civile, Benítez, Ganzo, Yañez, Castro) la cual dió a luz quizás uno de los tres discos más importantes de la historia del Heavy/Thrash nacional: "Oíd Mortales el Grito Sangrado", el cual contiene el tema "Solución Suicida", un auténtico himno del Metal Latinoamericano. En pocas palabras: Hugo Benítez es a esta altura una verdadera leyenda viviente dentro del espectro Heavy Metal en nuestro país.
Volviendo al cd, su tapa nos brinda un claro mensaje del contenido del producto (Argentina año 2001). Letras de profundo corte político-social como "Masacre Democrática", "Encubriendo al Delincuente en el País de la Injusticia", "La depuración", "Hasta la Muerte" y "Fuego en las Mentes" son verdaderos cañonazos que te dan al medio del cráneo tanto por la pasta de auténticos hits metaleros como por la furia con la que emanan desde los parlantes. Encuadrado dentro del Heavy/Thrash, podríamos ubicarlos dentro de un subgénero -si se me permite la expresión-, "Thrash Argento": esta sonoridad tan particular que han obtenido diversas bandas de nuestra tierra (Hermética, Lethal, V-8) -hoy quizás en vías de extinción ante el escaso surgimiento de nuevos representantes-, es rescatada personalizándola y perfeccionándola por Metralla; obteniendo un sonido más actual, logrando temas gancheros y al palo, cada uno con riffs que lo identifican. Y si a eso le sumamos una base de machaque continuo el resultado es un disco justo y de excelente calidad.
El cierre es precisamente con "Solución Suicida", cuya versión lírica se caracteriza por ser previa a la de la grabación de "Oíd Mortales…" sumando unas chirolas más a nuestro ya abultado debe.
Haciendo un balance final, tenemos un disco con raíces "Old School" pero con sonido actualizado, letras y voz a cargo de este verdadero prócer del Metal llamado Hugo Benítez, quedando la esfera compositiva bajo la órbita del experimentado Jorge Moreno (también guitarrista de Serpentor). La pregunta es: Qué puede fallar en semejante emprendimiento...?? Nada.

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Comentó José María Aicardo para OXIDO.

5- THE CLASH "Sandinista"

2008-11-13T09:44:00.000-08:00

En un gran dilema, pude llegar a hacer la crítica de este disco. La banda es The Clash, y me he decidido a hablar de su disco "Sandinista" de 1980. Digo lo del dilema porque son varios los trabajos de esta banda que pueden subir al podio de fundamentales: "London calling" de 1979 y "The Clash" de1977. Esta trilogía es básicamente una ideología llevada a la música. Es que es imposible hablar de The Clash, sin hablar de política. "Sandinista" es la mejor muestra de tal cosa, ya desde el título, dedicado a la guerrilla nicaragüense hasta la decisión de que sea un disco triple, pero editado al precio de uno, cosa que enervó a la gente de CBS y que accedió finalmente a cambio de que las ganancias del grupo por ese disco fueran casi nulas, salvo por los derechos de composición.

Son treinta y seis discursos musicalizados, donde hablan -entre otros tópicos- de las superpotencias de la época, en el tema "Ivan meets G.I. Joe"; de la violencia callejera de "Somebody got murdered"; y de la sumisión que hace ejercer EEUU a los países del tercer mundo con el tráfico de drogas en "Washington bullets". Todos estos temas son difíciles de digerir y muchos más conforman la mitad lírica de este disco. La otra mitad, la musical, es impecable también; con sonidos de la época, varios Reggaes, un par de temas Disco, y mucho Punk en dosis muy afiladas y perfectamente interpretadas. No le temen a los estilos e incursionan en ellos de una manera naíf en algunos y de una manera agresiva en otros, sin importarles la crítica posterior... ni de los medios, ni de los seguidores. Así es que todo este cocktail molotov toma forma y ataca por todos lados, para que éste sea otro disco fundamental.

Comentó Carlos E. Marrone para OXIDO.

4- RAMONES "Ramones"

2008-11-13T09:30:00.000-08:00

Corría el año 1974 y todo estaba bastante frío musicalmente hablando, hasta que cuatro pibes de Forest Hills se juntaron para un proyecto barato y poco ambicioso. Más tarde, decidieron llamarse Ramones y eso ya cambiaría parte de la historia musical moderna. En 1976 logran grabar su primer disco autitulado y abren al mundo el nuevo género, llamado más tarde Punk Rock. Son catorce píldoras de un medicamento que se consume en poco más de media hora; temas sucios y efectivos que hablan de la nueva realidad de la clase media baja de los EEUU, un sonido opaco pero claro a la vez, en cuanto al sentido que querían darle a su historia. Producido por un tal Craig Leon y secundado por Tom Elderly -más conocido como Tommy Ramone-, baterista de la banda. Con un puñado de temas propios y el clásico del rock and roll de los 50's "Let's dance", alcanzan un renombre entre los amantes de las nuevas tendencias musicales, haciendo del bar CBGB su cuartel general, donde semanalmente armaban y desarmaban la lista de temas y versiones a interpretar.

Pero volviendo al disco más que a su significado: son himnos fácilmente reconocibles, tanto para fanáticos ramoneros como para el público en general. Abren con "Blitzkrieg Bop", dejando en claro de qué va la banda y lo continúan clásicos como "Beat on the brat", "Judy is a Punk" y el políticamente incorrecto "Now I wanna sniff some glue" entre otros; cerrando con su canción más inspirada desde lo compositivo del disco: "Today your love, tomorrow the world". Cuando llega el fin de la placa uno sabe que lo que acaba de escuchar es sucio, desprolijo y no muy virtuoso. Pero también sabe que es fiel, y que estaba hecho visceralmente, con todo a flor de piel y con la rabia que se necesita para hacer de este disco una obra fundamental de la historia de la música.

Comentó Carlos E. Marrone, para OXIDO.

3- PARADISE LOST "Draconian Times"

2008-11-10T03:50:00.000-08:00

Corría el año 1995 y en los Ridge Farm Studios ubicados en Inglaterra se estaba gestando uno de los discos más importante del Doom/Gothic/Metal (si, todo eso y más!) de la historia. Para ese entonces Paradise Lost, formados en 1988, tenían en su haber placas como "Lost Paradise" y "Gothic", piezas fundamentales del Doom y el Doom/Gothic respectivamente. Sin embargo no nos ocuparemos de éstos, sino de su quinto LP: "Draconian Times". La formación que grabó este material fue: Nick Holmes (voz), Gregor Mackintosh (primera guitarra), Aaron Aedy (guitarra), Steve Edmonson (bajo), Lee Morris (batería); y colaborando en forma externa con los teclados, Andrew Holdsworth. En este trabajo Paradise logra el equilibrio perfecto entre todos los estilos a los cuales ha recurrido a la hora de componer sus piezas musicales. Es un disco Doom? Si, pero no tan Doom. Es un disco de Metal? Si, pero no tan Metal. Lo que abunda al por mayor son melodías de todo tipo a cargo de las guitarras, el teclado y la voz. Mackintosh y Holmes, principales compositores de la banda, nos deleitan con ellas haciendo de la placa una auténtica obra maestra al alcance de cualquier oyente. Esta "accesibilidad" le valió algunas críticas que rápidamente fueron disipadas dada la envergadura del trabajo.
La placa consta de doce piezas tan diversas entre ellas y en ellas, que cuesta hacer una descripción próxima. Temas ambientales y repletos de arreglos como "Enchantment", "Elusive Cure", "Forever Failure" (donde aparecen fragmentos de discursos grabados a Charles Manson), y "Jaded" se contraponen a "Once Solemn" "Yearn for Change" e incluso al tremendo hit "The Last Time" en donde la fórmula es ir directo al grano, pero nunca dejando de lado la melodía.
La labor del cantante Holmes y del guitarrista Mackintosh transforman a la placa en única en su especie... el primero por su excelente voz, el segundo por los pegadizos riffs que dotan de una especial singularidad a cada tema. Los cincuenta minutos que dura la placa nos embarcan en una auténtica experiencia sonora que conquista hasta el más pesimista y cerrado de los metaleros.
Este disco producido por Simon Efemey (Napalm Death, Amorphis, Obituary) que lleva al día de hoy más de un millón de placas vendidas alrededor del mundo, logra reconciliar lo musical con lo comercial, siendo éste un tema de candente actualidad e innumerables discusiones.
Si no lo escuchaste estás a tiempo de remediar semejante error.

Comentó: José María Aicardo, para OXIDO.

2- MAYHEM "De Mysteriis Dom Sathanas"

2008-11-04T03:52:00.000-08:00

Si alguien se preguntara: Qué discos serían "ideales" a la hora de incursionar en el Black Metal, seguramente entre las primeras opciones debería considerarse a "De Mysteriis Dom Sathanas", de Mayhem. La banda y el disco que hoy nos incumbe fue, es, y será pieza fundamental en las derivaciones sonoras de la actual escena extrema (Death/Black). Formada en los años 80 la banda se caracterizó por de ser de las primeras en el género y por sus contribuciones extramusicales (algunos de sus miembros fueron integrantes del Inner Circle). Con un Black Metal en busca de su definitiva identidad en el plano musical, "De Mysteriis…" concluye este trabajo, en base a su sofisticada composición musical y sonora hasta aquél momento desconocida.
La placa consta de ocho temas los cuales en su mayoría rondan los seis minutos. Sólo en momentos puntuales encontramos lapsos melódicos de guitarras con ritmos a medio tiempo, tal es el caso de los primeros dos minutos del tema "Pagan Fears".
Piezas como "Funeral Fog" o "Life Eternal", nos hacen notar diferencias con discos del estilo, antecesores: Sonido limpio, una labor excelente de la batería a cargo de Hellhammer (quizás el mejor del estilo) y una voz heterogénea, son los puntos sobresalientes de la placa; sobre esto último, Attila no se encasilla en los típicos cantantes que "despiden" los clásicos chillidos agudos, y transformando la regla en excepción, alterna entre gritos desgarradores y susurros que transmiten mensajes escritos por el mismísimo Dead. Clásicos como "Freezing Moon", "Cursed in Eternity", "From the Dark Past" y el homónimo del nombre de la placa, encuadran en una misma línea con piezas de alta intensidad y composición. Las líneas de bajo son ejecutadas por el amado u odiado (pero nunca indiferente) Varg Vikernes (Burzum), verdugo del guitarrista Euronymous, cuyas participaciones añaden a la obra un valor histórico más que musical. La placa también contó con la colaboración de una guitarra adicional a cargo de Blackthorn.
La novedad de un sonido limpio pero extremadamente agresivo actuarán de pilar en las bandas de segunda (Gehenna, Dimmu Borgir, Emperor) y tercera generación (Keep of Kalessin, 1349) del Black Metal.
Bajo la producción y mezcla de Hellhammer, Euronymous y Pytten (Eur Eirik Hundvin: sujeto íntimamente relacionado con el sonido Black de principio de los 90) y la edición por el sello Deathlike Silence (propiedad de Euronymous, ya en aquél momento fallecido), en 1994 "De Mysteriis Dom Sathanas" sale a la venta con una tirada de sólo mil copias, para que a partir de allí ya nada fuera igual en el Black Metal.

Comentó: José María Aicardo para OXIDO.

1- CARCASS "Heartwork"

2008-11-04T03:44:00.000-08:00

Iniciaremos con una de las bandas más importantes en cuanto a música extrema se trata: Carcass. No exagero al decir que forma parte de los diez grupos más influyentes del estilo. Su excelente discografía consta de cinco LP ("Reek of Putrefaction", "Symphonies of Sickness", "Necroticism", "Heartwork" y "Swansong") más algún que otro Ep y rarezas de menor importancia. Los estilos en los que incursionaron fueron desde el Splatter Death Metal hasta el Death melódico; lo cual nos dá una idea de la variada gama musical con la que cuenta su discografía. Específicamente, nos ocuparemos de su anteúltimo trabajo. Editado en 1993 por el sello Earache, y bajo la producción y mezcla de Colin Richardson (símbolo de calidad) fue grabado con la formación más recordada: Bill Steer en guitarra, Ken Owen en batería, Jeff Walker en el bajo y voz y Michael Amott en guitarra. Este disco se aleja definitivamente de las épocas más radicales de Carcass, para embarcarse en un Death Metal muy técnico para la época, el cual influenció de manera decisiva lo que luego se llamaría "Gothenburg" Metal (In Flames, Dark Tranquility, Arch Enemy, etc.).La placa se caracteriza por la abundante riqueza de recursos: creativos, sonoros y rítmicos. Desde "Arbeit Macht Fleisch" hasta "No love Lost", desde "Embodiment" hasta "Heartwork": todos temas exquisitos con frescas melodías sin perder la brutalidad característica. La duración de los mismos ronda los cuatro minutos y se ajustan a la métrica típica de: estrofa, estribillo, punteo, estrofa, estribillo; la cual por ser antigua no deja de ser efectiva. El dúo Amott-Steer se complementa de manera perfecta, llevando adelante continuos juegos de riffs, los cuales dan al material una marca registrada, de ésos que dan para corear todo el día. La "originalísima" voz de Jeff Walker siempre ha sido un punto alto y no es excepción en este disco, quizás más clara en cuanto a la escucha de las letras, aunque tal tendencia venía acentuándose desde su anterior trabajo. En cuanto a Ken Owen: su labor es la menos sobresaliente, destacándose más que nada por la disciplina con el instrumento, lo cual potencia la base "batería-bajo-guitarra rítmica".Puntos altos: Todos los tracks.Una joya de la música extrema que no puede faltar en la colección de todo aquel amante del estilo.Gracias por tanto.

Comentó: José María Aicardo para OXIDO.